https://durchgehoert.de/forum/ Sun, 19 Apr 2026 16:38:36 +0000 MyBB https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=910 Mon, 23 Mar 2026 21:07:51 +0100 https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=910


Release: 27. Februar 2026
Label: Arising Empire
Laufzeit: ca. 47 Minnuten


Tracklist:
01. Auf die nächsten Zehn
02. Sag mir warum
03. Großstadtprolet
04. Sandra
05. Magen-Darm
06. Roter Teppich
07. Gott ist tot
08. Revolution
09. Filmriss
10. Komm mit uns
11. Lied über Blumen
12. Für immer asozial
13. Therapie
14. Zeit zu gehen


Homepage
Facebook
Labelshop
Youtube
Instagram


Engst sind:
Matze: Gesang
Ray: Gitarre, Gesang & Synth
Chris: Bass & Gesang
Yuri: Drums
Thommy: CEO


Engst feiern ihr 10-jähriges Bandbestehen und neben der Jubiläumstour wurde auch noch das vierte Studioalbum "Gute Laune" veröffentlicht, das auf Platz 18 der deutschen Albumcharts gelandet ist. Mit 14 neuen Songs und einer Spiellänge von knapp 47 Minuten geben Engst zum Fest Vollgas, um mit ihren Fans gemeinsam zu feiern.

Der Opener "Auf die nächsten Zehn" ist dann auch direkt die Hymne zum Jubiläum. Engst bedanken sich bei allen, die ihre Reise begleitet haben und machen klar, dass sie auch in Zukunft noch viel vorhaben. Vom Sound her ist "Auf die nächsten Zehn" ein typischer Engst-Song, der die Fans sofort mitnimmt und als Einstieg ins Album perfekt gewählt ist. Trotz des hohen Tempos von "Sag mir warum" geht es hier um den Verlust eines geliebten Menschen und die Frage, wann der Schmerz über diesen Verlust nachlässt. Im Text kann jeder, der schon einmal einen geliebten Menschen verloren hat, diesen Schmerz und auch die gestellten Fragen im Text sehr gut nachempfinden. Auch bei "Großstadtprolet" hat man sofort ein passendes Bild vor Augen, weil wirklich jeder diese Art von "echten Männern" kennt. Betont hart, unangenehm und sich selbst feiernd, gehen diese Menschen ohne Rücksicht auf andere durchs Leben. Der kleine Seitenhieb auf die Onkelz ist nett eingebaut und passt unglaublich gut ins Gesamtbild, das "Großstadtprolet" beschreibt. Mit "Sandra" wird ein wenig Tempo herausgenommen, dafür zeigen Engst mal wieder, dass sie gern auch mal Ska-Einflüsse in ihre Lieder einfließen lassen. Thematisch geht es um eine Beziehung, die eigentlich als One-Night-Stand geplant war, aber von der besungenen Sandra als ernst empfunden wird. Der dadurch entstandene Konflikt, die unterschiedlichen Ansichten in vielen Dingen und auch die ungleichen Gefühle füreinander führen zum Ende der Beziehung. Ein Song zum Schmunzeln, und vielleicht sollte man beim nächsten One-Night-Stand von Anfang an klar sagen, dass es nicht um die große Liebe geht. Wild wird es musikalisch und auch vom Text her bei "Magen-Darm". Pommes aus der versifften Frittenbude mit altem Fett und deren Auswirkungen sind ja bekannt. Witziges Intermezzo, aber für das Album nicht wirklich wichtig. Das "OOOHOOOHOOO" im Chorus wird in "Roter Teppich" übernommen. Wahrscheinlich will Matze so unterstreichen, dass ihm die Heuchlerei und das elitäre Verhalten der "Stars" ankotzt, wenn diese unter sich sind. Dass in der Aussage "ganz ohne Rückgrad ist man flexibel" sehr viel Wahrheit liegt, sieht man gerade am Fall von Collien Fernandes. Statt sich klar auf ihre Seite zu stellen, wird relativiert oder lieber gar nichts gesagt. Ein typisches Verhalten auf dem roten Teppich. Mit "Gott ist tot" bleibt die Stimmung weiter düster, denn der Titel bezieht sich darauf, dass Gott in die aktuellen Ereignisse auf der Welt eingreifen würde, wenn er noch existieren würde. Falls man an seine Existenz glaubt - egal in welcher Form, wäre es in der Tat mal Zeit für ein Zeichen, damit die Prophezeihung im Chorus - dass wir bereits verloren sind - nicht eintritt. 




(Foto: Arising Empire)


In "Revolution" geht es um geplatze Träume, gescheiterte Pläne und dem Verrat an sein früheres Ich. Matze singt davon, wie er früher mit einem Freund rebellieren wollte und sich gegen Faschisten gestellt hat. Dabei wird dann deutlich, dass der Freund mittlerweile von diesem Weg abgekommen und selbst ein Faschist geworden ist. Eine Mischung aus Wehmut und Enttäuschung ist deutlich hörbar. Einen "Filmriss" haben viele schon erlebt und die Frage, wie man am Ende in diese Situation gekommen ist, in der man aufwachte, gehört einfach dazu. Vielleicht sah es etwas anders aus, als es im Song der Fall ist, aber insgesamt ist der Text sehr nah an der Realität. Wer bis zum nächsten "Filmriss" eine gute Zeit verbringen möchte, kann sich diesen Song als Vorbereitung und am besten sehr laut immer wieder anhören. "Komm mit uns" ist eine Aufforderung, seine Probleme und Sorgen für eine Nacht hinter sich zu lassen und eine gute Zeit mit Freunden zu verbringen. Ein Song für alle, die gerade eine schwere Zeit durchmachen und Mut brauchen, um auch die positiven Dinge im Leben anzunehmen, der aber auch alle anderen auffordert, Freunde nicht aufzugeben und für sie dazu sein. Dass es nicht immer um große Themen gehen muss, beweist "Lied über Blumen". Blumen mag man, Blumen sind schön, und selbst ohne grünen Daumen kann man ihren Anblick genießen und dabei abschalten. Wer hingegen ein wenig Anarchie bevorzugt, für den ist "Für immer asozial" genau die richtige Nummer. "Wir drehen alles auf links" bedeutet hier nicht nur, dass sie Chaos hinterlassen, was der Hinweis auf ein brennendes Frei.Wild Poster beweist. (Frei.Wild Fans: beruhigt euch. Es wird nie direkt gesagt, dass eure Südtiroler eine rechte Band sind.) Die Erkenntnis, eine "Therapie" zu brauchen, ist in Deutschland aus vielen Gründen absolut nachvollziehbar. Einige der angesprochenen Dinge kenne ich aus eigener Erfahrung, weshalb mich dieser Song auch auf einer persönlichen Ebene berührt. Das große Problem ist wohl eher, einen Therapieplatz zu finden, ohne dabei auf eine Warteliste zu kommen, die mehr als ein Jahr Wartezeit angibt. Den Chorus mitzusingen wirkt schon deshalb extrem befreiend, vor allem wenn man die Lautstärke dabei voll aufdreht. Viele Songs handeln davon, wie schlimm und tragisch eine Trennung ist. Doch was ist, wenn man eine Beziehung nicht loslassen kann, selbst wenn man weiß, es ist vorbei? Genau darum geht es in "Zeit zu gehen". Niemand in der Beziehung kann den letzten Schritt gehen und man lebt weit aneinander vorbei. Doch am Ende ist die Trennung und das Loslassen auch ein Befreiungsschlag, der viel Kraft erfordert. Ein sehr emotionaler, aber grandioser Abschluss für "Gute Laune". 

Da ich die Musik nun ausführlich besprochen habe, kommen wir doch mal zum Cover und zum Design des Albums, das von Daniel Hofer (Archetype Design) stammt und durch Fotos von Sascha Goettsche vervollständigt wird. Auffällig ist auf jeden Fall der "Gute Laune"-Schriftzug, im Stil eines Deathmetal Albums. Passend dazu gestaltet sich das Make-Up von Ray, Chris und Yuri, während Matze ein babyblaues Kleid und einen Strohhut trägt. Doch nicht nur darauf sollte man achten, denn jedes Bandmitglied hält etwas in der Hand und einiges davon wirft schon Fragen auf, über die man besser nicht weiter nachdenkt. Dies wird auch durch Fotos im Booklet fortgesetzt, in dem auch noch alle Texte stehen, damit man fleißig üben kann. Optisch fällt das Album so auf jeden Fall auf, was ich äußerst positiv meine. Für den satten Sound und die klaren Aufnahmen waren DailyHero Recordings verantwortlich, fettes Lob an dieser Stelle. 





Wie schon beim Vorgänger habe ich mir die limitierte Fanbox gegönnt, daher kann ich auch zu deren Inhalt etwas sagen. In der Box enthalten waren:

- "Gute Laune" Album CD
- "Gute Laune" Album Vinyl im exklusiven Clear & Black Yolk Look
- Taschenaschenbecher
- Schal
- Backpatch
- 4 Sticker

Die Fanbox ist, wie man es von Engst schon kennt, sehr gut gefüllt und das Preis-Leistungs-Verhältnis ist wirklich sehr gut, denn für die knapp 65 € bekommt man ein hochqualitatives Gesamtpaket, das Fanherzen höher schlagen lässt. Wenn man bedenkt, dass CD und Vinyl im Einzelkauf schon bei 55 € liegen, war der Kauf der Box für mich ein No-Brainer. Neben dem Album an sich sind für mich der große Backpatch und der Schal die Stars dieser Box. Der Taschenaschenbecher sieht ebenfalls sehr gut aus, ist für mich als Nichtraucher aber nur Nebensache, und Sticker nehme ich immer gern mit. Eine Autogrammkarte wäre noch cool gewesen, aber das ist meckern auf höchstem Niveau. Für mich ist diese Box wieder ein Beispiel dafür, wie man Fans richtig behandelt und ihnen für den Wert der Box auch etwas Gutes bietet, bei dem man sich nicht über den Tisch gezogen fühlt. Wie erwähnt gibt es das Album auch für sich im Handel und keiner ist gezwungen, die Box zu kaufen, wenn er es nur als CD in der Sammlung haben möchte.

Mein Fazit: "Gute Laune" ist beim vierten Studioalbum von Engst Name und Programm, obwohl es wie immer auch ernste und emotionale Themen gibt. Die 14 Lieder bieten alles, was man als Fan der Band erwartet. Lieder, die zwischen Emotionen, Partylaune und Ernsthaftigkeit hin und her wechseln, ein geiles Brett aus Drums, Bass und Gitarre und natürlich Matzes charismatische Stimme. In den Texten erkennt man sich oft wieder und auch die ein oder andere Situation hat man schon selbst erlebt. Auch nach zehn Jahren klingen Engst immer noch frisch und haben nichts von ihrer Energie verloren. Für das 10-jährige Jubiläum haben Engst mit "Gute Laune" genau das richtige Album veröffentlicht, um diese Jahre zu feiern und gleichzeitig das Signal zu setzen, dass Engst noch lange nicht am Ende ihrer Reise angekommen sind. Meine Anspieltipps sind "Sag mir warum", "Sandra", "Gott ist tot", "Lieder über Blumen" und "Therapie".


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Release: 27. Februar 2026
Label: Arising Empire
Laufzeit: ca. 47 Minnuten


Tracklist:
01. Auf die nächsten Zehn
02. Sag mir warum
03. Großstadtprolet
04. Sandra
05. Magen-Darm
06. Roter Teppich
07. Gott ist tot
08. Revolution
09. Filmriss
10. Komm mit uns
11. Lied über Blumen
12. Für immer asozial
13. Therapie
14. Zeit zu gehen


Homepage
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Instagram


Engst sind:
Matze: Gesang
Ray: Gitarre, Gesang & Synth
Chris: Bass & Gesang
Yuri: Drums
Thommy: CEO


Engst feiern ihr 10-jähriges Bandbestehen und neben der Jubiläumstour wurde auch noch das vierte Studioalbum "Gute Laune" veröffentlicht, das auf Platz 18 der deutschen Albumcharts gelandet ist. Mit 14 neuen Songs und einer Spiellänge von knapp 47 Minuten geben Engst zum Fest Vollgas, um mit ihren Fans gemeinsam zu feiern.

Der Opener "Auf die nächsten Zehn" ist dann auch direkt die Hymne zum Jubiläum. Engst bedanken sich bei allen, die ihre Reise begleitet haben und machen klar, dass sie auch in Zukunft noch viel vorhaben. Vom Sound her ist "Auf die nächsten Zehn" ein typischer Engst-Song, der die Fans sofort mitnimmt und als Einstieg ins Album perfekt gewählt ist. Trotz des hohen Tempos von "Sag mir warum" geht es hier um den Verlust eines geliebten Menschen und die Frage, wann der Schmerz über diesen Verlust nachlässt. Im Text kann jeder, der schon einmal einen geliebten Menschen verloren hat, diesen Schmerz und auch die gestellten Fragen im Text sehr gut nachempfinden. Auch bei "Großstadtprolet" hat man sofort ein passendes Bild vor Augen, weil wirklich jeder diese Art von "echten Männern" kennt. Betont hart, unangenehm und sich selbst feiernd, gehen diese Menschen ohne Rücksicht auf andere durchs Leben. Der kleine Seitenhieb auf die Onkelz ist nett eingebaut und passt unglaublich gut ins Gesamtbild, das "Großstadtprolet" beschreibt. Mit "Sandra" wird ein wenig Tempo herausgenommen, dafür zeigen Engst mal wieder, dass sie gern auch mal Ska-Einflüsse in ihre Lieder einfließen lassen. Thematisch geht es um eine Beziehung, die eigentlich als One-Night-Stand geplant war, aber von der besungenen Sandra als ernst empfunden wird. Der dadurch entstandene Konflikt, die unterschiedlichen Ansichten in vielen Dingen und auch die ungleichen Gefühle füreinander führen zum Ende der Beziehung. Ein Song zum Schmunzeln, und vielleicht sollte man beim nächsten One-Night-Stand von Anfang an klar sagen, dass es nicht um die große Liebe geht. Wild wird es musikalisch und auch vom Text her bei "Magen-Darm". Pommes aus der versifften Frittenbude mit altem Fett und deren Auswirkungen sind ja bekannt. Witziges Intermezzo, aber für das Album nicht wirklich wichtig. Das "OOOHOOOHOOO" im Chorus wird in "Roter Teppich" übernommen. Wahrscheinlich will Matze so unterstreichen, dass ihm die Heuchlerei und das elitäre Verhalten der "Stars" ankotzt, wenn diese unter sich sind. Dass in der Aussage "ganz ohne Rückgrad ist man flexibel" sehr viel Wahrheit liegt, sieht man gerade am Fall von Collien Fernandes. Statt sich klar auf ihre Seite zu stellen, wird relativiert oder lieber gar nichts gesagt. Ein typisches Verhalten auf dem roten Teppich. Mit "Gott ist tot" bleibt die Stimmung weiter düster, denn der Titel bezieht sich darauf, dass Gott in die aktuellen Ereignisse auf der Welt eingreifen würde, wenn er noch existieren würde. Falls man an seine Existenz glaubt - egal in welcher Form, wäre es in der Tat mal Zeit für ein Zeichen, damit die Prophezeihung im Chorus - dass wir bereits verloren sind - nicht eintritt. 




(Foto: Arising Empire)


In "Revolution" geht es um geplatze Träume, gescheiterte Pläne und dem Verrat an sein früheres Ich. Matze singt davon, wie er früher mit einem Freund rebellieren wollte und sich gegen Faschisten gestellt hat. Dabei wird dann deutlich, dass der Freund mittlerweile von diesem Weg abgekommen und selbst ein Faschist geworden ist. Eine Mischung aus Wehmut und Enttäuschung ist deutlich hörbar. Einen "Filmriss" haben viele schon erlebt und die Frage, wie man am Ende in diese Situation gekommen ist, in der man aufwachte, gehört einfach dazu. Vielleicht sah es etwas anders aus, als es im Song der Fall ist, aber insgesamt ist der Text sehr nah an der Realität. Wer bis zum nächsten "Filmriss" eine gute Zeit verbringen möchte, kann sich diesen Song als Vorbereitung und am besten sehr laut immer wieder anhören. "Komm mit uns" ist eine Aufforderung, seine Probleme und Sorgen für eine Nacht hinter sich zu lassen und eine gute Zeit mit Freunden zu verbringen. Ein Song für alle, die gerade eine schwere Zeit durchmachen und Mut brauchen, um auch die positiven Dinge im Leben anzunehmen, der aber auch alle anderen auffordert, Freunde nicht aufzugeben und für sie dazu sein. Dass es nicht immer um große Themen gehen muss, beweist "Lied über Blumen". Blumen mag man, Blumen sind schön, und selbst ohne grünen Daumen kann man ihren Anblick genießen und dabei abschalten. Wer hingegen ein wenig Anarchie bevorzugt, für den ist "Für immer asozial" genau die richtige Nummer. "Wir drehen alles auf links" bedeutet hier nicht nur, dass sie Chaos hinterlassen, was der Hinweis auf ein brennendes Frei.Wild Poster beweist. (Frei.Wild Fans: beruhigt euch. Es wird nie direkt gesagt, dass eure Südtiroler eine rechte Band sind.) Die Erkenntnis, eine "Therapie" zu brauchen, ist in Deutschland aus vielen Gründen absolut nachvollziehbar. Einige der angesprochenen Dinge kenne ich aus eigener Erfahrung, weshalb mich dieser Song auch auf einer persönlichen Ebene berührt. Das große Problem ist wohl eher, einen Therapieplatz zu finden, ohne dabei auf eine Warteliste zu kommen, die mehr als ein Jahr Wartezeit angibt. Den Chorus mitzusingen wirkt schon deshalb extrem befreiend, vor allem wenn man die Lautstärke dabei voll aufdreht. Viele Songs handeln davon, wie schlimm und tragisch eine Trennung ist. Doch was ist, wenn man eine Beziehung nicht loslassen kann, selbst wenn man weiß, es ist vorbei? Genau darum geht es in "Zeit zu gehen". Niemand in der Beziehung kann den letzten Schritt gehen und man lebt weit aneinander vorbei. Doch am Ende ist die Trennung und das Loslassen auch ein Befreiungsschlag, der viel Kraft erfordert. Ein sehr emotionaler, aber grandioser Abschluss für "Gute Laune". 

Da ich die Musik nun ausführlich besprochen habe, kommen wir doch mal zum Cover und zum Design des Albums, das von Daniel Hofer (Archetype Design) stammt und durch Fotos von Sascha Goettsche vervollständigt wird. Auffällig ist auf jeden Fall der "Gute Laune"-Schriftzug, im Stil eines Deathmetal Albums. Passend dazu gestaltet sich das Make-Up von Ray, Chris und Yuri, während Matze ein babyblaues Kleid und einen Strohhut trägt. Doch nicht nur darauf sollte man achten, denn jedes Bandmitglied hält etwas in der Hand und einiges davon wirft schon Fragen auf, über die man besser nicht weiter nachdenkt. Dies wird auch durch Fotos im Booklet fortgesetzt, in dem auch noch alle Texte stehen, damit man fleißig üben kann. Optisch fällt das Album so auf jeden Fall auf, was ich äußerst positiv meine. Für den satten Sound und die klaren Aufnahmen waren DailyHero Recordings verantwortlich, fettes Lob an dieser Stelle. 





Wie schon beim Vorgänger habe ich mir die limitierte Fanbox gegönnt, daher kann ich auch zu deren Inhalt etwas sagen. In der Box enthalten waren:

- "Gute Laune" Album CD
- "Gute Laune" Album Vinyl im exklusiven Clear & Black Yolk Look
- Taschenaschenbecher
- Schal
- Backpatch
- 4 Sticker

Die Fanbox ist, wie man es von Engst schon kennt, sehr gut gefüllt und das Preis-Leistungs-Verhältnis ist wirklich sehr gut, denn für die knapp 65 € bekommt man ein hochqualitatives Gesamtpaket, das Fanherzen höher schlagen lässt. Wenn man bedenkt, dass CD und Vinyl im Einzelkauf schon bei 55 € liegen, war der Kauf der Box für mich ein No-Brainer. Neben dem Album an sich sind für mich der große Backpatch und der Schal die Stars dieser Box. Der Taschenaschenbecher sieht ebenfalls sehr gut aus, ist für mich als Nichtraucher aber nur Nebensache, und Sticker nehme ich immer gern mit. Eine Autogrammkarte wäre noch cool gewesen, aber das ist meckern auf höchstem Niveau. Für mich ist diese Box wieder ein Beispiel dafür, wie man Fans richtig behandelt und ihnen für den Wert der Box auch etwas Gutes bietet, bei dem man sich nicht über den Tisch gezogen fühlt. Wie erwähnt gibt es das Album auch für sich im Handel und keiner ist gezwungen, die Box zu kaufen, wenn er es nur als CD in der Sammlung haben möchte.

Mein Fazit: "Gute Laune" ist beim vierten Studioalbum von Engst Name und Programm, obwohl es wie immer auch ernste und emotionale Themen gibt. Die 14 Lieder bieten alles, was man als Fan der Band erwartet. Lieder, die zwischen Emotionen, Partylaune und Ernsthaftigkeit hin und her wechseln, ein geiles Brett aus Drums, Bass und Gitarre und natürlich Matzes charismatische Stimme. In den Texten erkennt man sich oft wieder und auch die ein oder andere Situation hat man schon selbst erlebt. Auch nach zehn Jahren klingen Engst immer noch frisch und haben nichts von ihrer Energie verloren. Für das 10-jährige Jubiläum haben Engst mit "Gute Laune" genau das richtige Album veröffentlicht, um diese Jahre zu feiern und gleichzeitig das Signal zu setzen, dass Engst noch lange nicht am Ende ihrer Reise angekommen sind. Meine Anspieltipps sind "Sag mir warum", "Sandra", "Gott ist tot", "Lieder über Blumen" und "Therapie".


]]> https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=909 Thu, 12 Mar 2026 20:05:16 +0100 https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=909


Release: 06. März 2026
Label: Magic Mile Music
Laufzeit: ca. 25 Minuten


Tracklist:
01. Sors Libertalis
02. Das fahrende Volk
03. Vogelfrey
04. Verdammt und vergessen
05. Stille Weis Lieder
06. Kettenbrecher
07. Excalibur


Lautenfeyn verbinden die rohe Wucht von E-Gitarre, Bass und Drums mit den archaischen Klängen von Cello und Drehleier. Drei Sänger*innen verleihen dem Sound besondere Tiefe und sorgen für kraftvolle Mehrstimmigkeit sowie wechselnde Klangfarben. So entsteht unverwechselbarer, deutschsprachiger Folk-Metal zwischen ausgelassener Partystimmung und epischen Momenten voller Freiheitsdrang – mal dreckig und direkt, mal episch und getragen. (Quelle: Pressetext)


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Instagram


Lautenfeyn sind:
Weißbart zu Lautenfeyn alias Oliver Oppermann: Gesang, Gitarren & Irish Bouzouki
Saskia Schrand: Gesang, Cello, Drehleier, Klavier & Blockflöte
Angelique Roehse: Gesang, Bass & Gitarre
Julius Rinke: Schlagzeug


Obwohl Lautenfeyn erst 2024 gegründet wurde, konnte die junge Band bereits 2025 auf sich aufmerksam machen. Mit ersten Singles und Auftritten beim Sternenklang Festival, sowie dem Mittelalterlich Phantasie Spectaculum konnten sie schon viele Fanherzen erobern. Lautenfeyns Stil ist eine Mischung aus Folk- und Mittelalterrock und durch den mehrstimmigen Gesang der drei Sänger*innen hat der Sound der Band auch noch einen hohen Wiedererkennungswert. Mit "Verdammt und vergessen" ist nun das erste Album der Band erschienen, mit dem sie ihren Platz in der deutschen Musikszene festigen wollen. Mit "Sors Libertalis" gibt es einen sehr stimmungsvollen instrumentalen Einstieg ins Album. Obwohl das Stück recht kurz ist, hört man dennoch sehr gut, wie verspielt und detailreich Lautenfeyn ihre Lieder arrangieren. "Das fahrende Volk" bestätigt diesen ersten Eindruck und durch den wunderschönen und sehr harmonischen Gesang hört man der Geschichte des Liedes gespannt zu. Während "Das fahrende Volk" sich recht ruhig präsentiert, setzt "Vogelfrey" mehr Energie frei und gibt im Chorus ordentlich Gas. Während E-Gitarre und Drums ein ordentliches Brett an Härte und Tempo vorlegen, verzaubert Saskia die Hörer*innen mit ihrer Drehleier. Weißbarts Stimme passt perfekt zur Geschichte des Liedes und er bringt das Gefühl gehetzt zu werden sehr authentisch rüber und Saskias und Angeliques Chorgesang sorgt für eine angenehme Gänsehaut. Bei "Verdammt und vergessen" finde ich es fast schade, dass die Tavernenatmosphäre nur am Anfang zu hören ist. Durch das akustische Gewand des Titelliedes kann ich mir sehr gut vorstellen, in einer Taverne zu sitzen und der Band live zuzuhören. Der Chorus lädt zum Mitsingen ein, die Drehleier klingt erneut wunderschön und das großartige Gitarrensolo soll hier auch nicht unerwähnt bleiben.





"Stille Weis Lieder" beginnt mit einem traumhaften Intro. Bei den Klängen der Gitarre und des Cellos schließt man automatisch die Augen und Saskias Stimme fügt sich perfekt in dieses Klangbild ein. Da kommt der Wechsel zum Chorus, der von E-Gitarren und harten Drums getragen wird, ziemlich überraschend. Was im ersten Moment wie ein merkwürdiger Stilbruch wirkt, verleiht dem Lied jedoch mehr Tiefe und hilft dabei, die Emotionen der Protagonisten zu betonen. Das E-Gitarrensolo klingt auch hier wieder genial und über den Gesang kann ich nichts mehr schreiben, was ich nicht schon erwähnt hätte. Zum Schluss wird es dann wieder ruhiger, wodurch sich der Kreis innerhalb des Liedes schließt. Danach ist es dann allerdings erstmal vorbei mit Ruhe, denn mit "Kettenbrecher" folgt das härteste Lied des Albums. Hier ist auch zum ersten Mal das Gefühl vorhanden, dass man schon beim Songwriting das Publikum vor Augen hatte, denn die lauten "Hey" Rufe sind eindeutig eine Aufforderung selbst laut zu werden. Vom Aufbau her wirkt "Kettenbrecher" gerade im Vergleich zu "Stille weis Lieder" recht einfach und das Ende kommt abrupt. Wer Lust hat beim Hören von Lautenfeyn überschüssige Energie loszuwerden, braucht das Lied nur laut aufzudrehen und mitzusingen. Melodisch geht es dann mit "Excalibur" dem Ende entgegen. Wie der Namen schon verrät, geht es um die Artussage und dem legendären Schwert, das ihn zum König gemacht hat. Lautenfeyn erzählen die Geschichte mit viel Gefühl und erneut sehr fesselnd. Damit beenden sie ihr Debütalbum mit einer Hymne, die noch lange im Ohr bleibt.

"Verdammt und vergessen" besteht natürlich nicht nur aus der Musik, denn das Album überzeugt auch durch sein Artwork und Design des Booklets und des Digipacks. Mit stimmungsvollen Fotos der Band und der einzelnen Bandmitglieder und allen Liedtexten lohnt sich der Kauf einer CD auf jeden Fall. Dies erledigt man am besten beim Besuch eines Konzertes, wodurch man die Band auch gleich live erleben kann. Doch auch aus dem Studio klingen Lautenfeyn sehr gut. Sowohl bei den Aufnahmen im Magic Mile Studio, wie auch beim Abmischen und Mastering im Institut für Wohlklangsforschung, wurde großartige Arbeit geleistet. 

Mein Fazit: Wenn es stimmt, dass der erste Eindruck zählt, dann haben Lautenfeyn mit ihrem Debütalbum alles richtig gemacht. "Verdammt und vergessen" ist zwar mit sieben Liedern recht kurz, dafür gibt es aber auch keine unnötigen Lückenfüller, die den Gesamteindruck schwächen könnten. Die Stimmen klingen hervorragend und je nach Hauptstimme bekommen die Lieder jeweils ein ganz eigenes Gefühl und wenn Lautenfeyn als Chor singen, klingt die Harmonie der Stimmen wunderschön. Das Arragement der Lieder ist abwechslungsreich und man hört die Spielfreude beim Einspielen aus den Aufnahmen heraus. Aus diesem Grund hätte "Sors Libertalis" für mich auch ruhig länger sein dürfen. Eine weitere Stärke des Albums ist die Tatsache, dass die Lieder vom Alltag ablenken und den Hörer*innen die Chance geben, in den Geschichten einzutauchen, ohne an unangenehme Themen erinnert zu werden. Beim Durchhören musste ich mehrfach an die ersten beiden Alben von Ignis Fatuu denken und Fans dieser Alben sollten sich die Lieder von Lautenfeyn auf jeden Fall mal anhören. Ich verzichte hier aufgrund der Anzahl der Lieder auf Anspieltipps, da man sich das Album problemlos in voller Länge anhören kann. "Verdammt und vergessen" macht Lust auf mehr und ich bin mir sicher, dass Lautenfeyn mit ihrem Debütalbum viele Hörer*innen überzeugen und Fans dazugewinnen werden.


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Release: 06. März 2026
Label: Magic Mile Music
Laufzeit: ca. 25 Minuten


Tracklist:
01. Sors Libertalis
02. Das fahrende Volk
03. Vogelfrey
04. Verdammt und vergessen
05. Stille Weis Lieder
06. Kettenbrecher
07. Excalibur


Lautenfeyn verbinden die rohe Wucht von E-Gitarre, Bass und Drums mit den archaischen Klängen von Cello und Drehleier. Drei Sänger*innen verleihen dem Sound besondere Tiefe und sorgen für kraftvolle Mehrstimmigkeit sowie wechselnde Klangfarben. So entsteht unverwechselbarer, deutschsprachiger Folk-Metal zwischen ausgelassener Partystimmung und epischen Momenten voller Freiheitsdrang – mal dreckig und direkt, mal episch und getragen. (Quelle: Pressetext)


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Lautenfeyn sind:
Weißbart zu Lautenfeyn alias Oliver Oppermann: Gesang, Gitarren & Irish Bouzouki
Saskia Schrand: Gesang, Cello, Drehleier, Klavier & Blockflöte
Angelique Roehse: Gesang, Bass & Gitarre
Julius Rinke: Schlagzeug


Obwohl Lautenfeyn erst 2024 gegründet wurde, konnte die junge Band bereits 2025 auf sich aufmerksam machen. Mit ersten Singles und Auftritten beim Sternenklang Festival, sowie dem Mittelalterlich Phantasie Spectaculum konnten sie schon viele Fanherzen erobern. Lautenfeyns Stil ist eine Mischung aus Folk- und Mittelalterrock und durch den mehrstimmigen Gesang der drei Sänger*innen hat der Sound der Band auch noch einen hohen Wiedererkennungswert. Mit "Verdammt und vergessen" ist nun das erste Album der Band erschienen, mit dem sie ihren Platz in der deutschen Musikszene festigen wollen. Mit "Sors Libertalis" gibt es einen sehr stimmungsvollen instrumentalen Einstieg ins Album. Obwohl das Stück recht kurz ist, hört man dennoch sehr gut, wie verspielt und detailreich Lautenfeyn ihre Lieder arrangieren. "Das fahrende Volk" bestätigt diesen ersten Eindruck und durch den wunderschönen und sehr harmonischen Gesang hört man der Geschichte des Liedes gespannt zu. Während "Das fahrende Volk" sich recht ruhig präsentiert, setzt "Vogelfrey" mehr Energie frei und gibt im Chorus ordentlich Gas. Während E-Gitarre und Drums ein ordentliches Brett an Härte und Tempo vorlegen, verzaubert Saskia die Hörer*innen mit ihrer Drehleier. Weißbarts Stimme passt perfekt zur Geschichte des Liedes und er bringt das Gefühl gehetzt zu werden sehr authentisch rüber und Saskias und Angeliques Chorgesang sorgt für eine angenehme Gänsehaut. Bei "Verdammt und vergessen" finde ich es fast schade, dass die Tavernenatmosphäre nur am Anfang zu hören ist. Durch das akustische Gewand des Titelliedes kann ich mir sehr gut vorstellen, in einer Taverne zu sitzen und der Band live zuzuhören. Der Chorus lädt zum Mitsingen ein, die Drehleier klingt erneut wunderschön und das großartige Gitarrensolo soll hier auch nicht unerwähnt bleiben.





"Stille Weis Lieder" beginnt mit einem traumhaften Intro. Bei den Klängen der Gitarre und des Cellos schließt man automatisch die Augen und Saskias Stimme fügt sich perfekt in dieses Klangbild ein. Da kommt der Wechsel zum Chorus, der von E-Gitarren und harten Drums getragen wird, ziemlich überraschend. Was im ersten Moment wie ein merkwürdiger Stilbruch wirkt, verleiht dem Lied jedoch mehr Tiefe und hilft dabei, die Emotionen der Protagonisten zu betonen. Das E-Gitarrensolo klingt auch hier wieder genial und über den Gesang kann ich nichts mehr schreiben, was ich nicht schon erwähnt hätte. Zum Schluss wird es dann wieder ruhiger, wodurch sich der Kreis innerhalb des Liedes schließt. Danach ist es dann allerdings erstmal vorbei mit Ruhe, denn mit "Kettenbrecher" folgt das härteste Lied des Albums. Hier ist auch zum ersten Mal das Gefühl vorhanden, dass man schon beim Songwriting das Publikum vor Augen hatte, denn die lauten "Hey" Rufe sind eindeutig eine Aufforderung selbst laut zu werden. Vom Aufbau her wirkt "Kettenbrecher" gerade im Vergleich zu "Stille weis Lieder" recht einfach und das Ende kommt abrupt. Wer Lust hat beim Hören von Lautenfeyn überschüssige Energie loszuwerden, braucht das Lied nur laut aufzudrehen und mitzusingen. Melodisch geht es dann mit "Excalibur" dem Ende entgegen. Wie der Namen schon verrät, geht es um die Artussage und dem legendären Schwert, das ihn zum König gemacht hat. Lautenfeyn erzählen die Geschichte mit viel Gefühl und erneut sehr fesselnd. Damit beenden sie ihr Debütalbum mit einer Hymne, die noch lange im Ohr bleibt.

"Verdammt und vergessen" besteht natürlich nicht nur aus der Musik, denn das Album überzeugt auch durch sein Artwork und Design des Booklets und des Digipacks. Mit stimmungsvollen Fotos der Band und der einzelnen Bandmitglieder und allen Liedtexten lohnt sich der Kauf einer CD auf jeden Fall. Dies erledigt man am besten beim Besuch eines Konzertes, wodurch man die Band auch gleich live erleben kann. Doch auch aus dem Studio klingen Lautenfeyn sehr gut. Sowohl bei den Aufnahmen im Magic Mile Studio, wie auch beim Abmischen und Mastering im Institut für Wohlklangsforschung, wurde großartige Arbeit geleistet. 

Mein Fazit: Wenn es stimmt, dass der erste Eindruck zählt, dann haben Lautenfeyn mit ihrem Debütalbum alles richtig gemacht. "Verdammt und vergessen" ist zwar mit sieben Liedern recht kurz, dafür gibt es aber auch keine unnötigen Lückenfüller, die den Gesamteindruck schwächen könnten. Die Stimmen klingen hervorragend und je nach Hauptstimme bekommen die Lieder jeweils ein ganz eigenes Gefühl und wenn Lautenfeyn als Chor singen, klingt die Harmonie der Stimmen wunderschön. Das Arragement der Lieder ist abwechslungsreich und man hört die Spielfreude beim Einspielen aus den Aufnahmen heraus. Aus diesem Grund hätte "Sors Libertalis" für mich auch ruhig länger sein dürfen. Eine weitere Stärke des Albums ist die Tatsache, dass die Lieder vom Alltag ablenken und den Hörer*innen die Chance geben, in den Geschichten einzutauchen, ohne an unangenehme Themen erinnert zu werden. Beim Durchhören musste ich mehrfach an die ersten beiden Alben von Ignis Fatuu denken und Fans dieser Alben sollten sich die Lieder von Lautenfeyn auf jeden Fall mal anhören. Ich verzichte hier aufgrund der Anzahl der Lieder auf Anspieltipps, da man sich das Album problemlos in voller Länge anhören kann. "Verdammt und vergessen" macht Lust auf mehr und ich bin mir sicher, dass Lautenfeyn mit ihrem Debütalbum viele Hörer*innen überzeugen und Fans dazugewinnen werden.


]]> https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=907 Thu, 05 Mar 2026 17:16:59 +0100 https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=907


Release: 31. Januar 2026
Label: Eigenvertrieb
Laufzeit: ca. 69 Minuten


Tracklist:
01. Wenn ich schonmal hier bin
02. Vorspiel
03. Wir sind die Musik
04. Böse Menschen
05. Wiedergänger Liedersänger
06. Werwölfe vom Düsterwald
07. Blatt im Wind
08. Lindenbaum
09. Vergeigt
10. Einhörner sind fabelhaft
11. Spielmann, spiel!
12. Zieh mit dem Wind
13. Kennst Du den Moment


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Kaspar und die Anderen sind:
Kaspar: Gesang, Gitarre & Komposition
Fendar: Bass, Gitarre & Gesang
Pathos: Schlagwerk & Gesang
Hinz: Violine & Gesang
Isol: Flöte, Harfe & Gesang
Johann: Add. Schlagwerk


Kaspar und die Anderen sind seit über 10 Jahren auf Mittelaltermärken und LARP Events unterwegs und begeistern mit ihrer Musik, die sie selbst als fantastischen Folk bezeichnen. Selbstgeschriebene Texte mit viel Charme und Humor sind ebenso ihr Markenzeichen, wie vielfältige und kreative Arrangements der Lieder. Dabei sind die Anderen immer wieder andere Musiker'innen, die je nach Auftritt und Anlass die Band ergänzen. Für die Liveaufnahme waren Fendar, Pathos, Hinz, Isol und Johann als die Anderen dabei. "Einhörner sind fabelhaft" ist das erste Album als Band. Live aufgenommen wurde es am 22. März 2025  vor eingeladenem Publikum, das sich vorher zu diesem Termin anmelden konnte.

Die Liveaufnahme beginnt mit "Wenn ich schon mal hier bin", in dem Kaspar zufällig an einem alten Gasthaus ankommt und diese Gelegenheit direkt nutzt, um ein wenig Musik zu machen. Das alte Gasthaus ist "links begrünt und ein klein wenig versifft", was es für mich direkt sympathisch macht, da ich selbst auch schon so beschrieben worden bin. Die ausgezeichnete Qualität der Aufnahme ist von Anfang an zu hören. Gesang und Instrumente sind wunderbar abgemischt, wodurch auch recht leise Details trotzdem zu hören sind. Wären die Ansagen und das Publikum nicht vorhanden, könnte man es auch für eine Studioaufnahme halten. Diesen Punkt schreibe ich jetzt, damit ich es nicht bei jedem Lied wiederholen muss. Im "Vorspiel" beweisen Kaspar und die Anderen, dass sie über sich selbst lachen können und stellen sich dabei noch dem Publikum vor. Auch wenn das "Vorspiel" sehr kurz ist, geht die Melodie trotzdem direkt ins Ohr und macht Lust auf mehr. "Wir sind die Musik" erzählt davon, dass Kaspar und die Anderen eigentlich keine Helden sind, sondern aus ganzem Herzen Spielleute, die ihre Musik und das Leben als Musiker'in lieben. Dennoch treten sie tapfer vor einen Drachen, um eine Prinzessin zu retten und spielen ihm ihre Lieder vor. An dieser sehr tanzbaren Nummer dürfte nicht nur der Drache seine Freude haben, denn still sitzen bleiben geht dabei nicht. Etwas ruhiger und ernster wird es bei "Böse Menschen", bei dem der bekannte Spruch "Böse Menschen kennen keine Lieder" auf die Probe gestellt wird. Während die ersten beiden Begegnungen mit singenden Menschen gut ausgehen, beweist die dritte Begegnung, dass auch böse Menschen Lieder kennen. Eine Tatsache, die man zur Zeit leider auf diversen Musikplattformen beobachten kann, auf denen fast täglich KI-generierte Lieder mit rechten und menschenverachtenden Texten hochgeladen werden. Von bösen Menschen wechseln Kaspar und die Anderen zu untoten Menschen oder besser gesagt einem "Wiedergänger Liedersänger". Aus der Not heraus, keine Musik in der Taverne zu haben, wird unter dem Einfluss von Alkohol beschlossen, dass man doch einen Barden exhumieren und wiederbeleben könnte, der dann dauerhaft für Unterhaltung sorgen kann. Dass dabei auch ein Hauch von Gefahr (und Tod) in der Luft liegt, dürfte nicht überraschen, und wenn man mal einen neuen "Wiedergänger Liedersänger" brauchen sollte, holt man eben einen neuen aus seinem Grab. "Wiedergänger Liedersänger" ist so wunderbar vollgepackt mit Wortspielen, dass man dieses Gutelaunelied allein deswegen schon mehrfach hören muss. Dass der Chorus ein sehr starkes Potenzial hat, euer nächster Ohrwurm zu werden, verstärkt den Wunsch es wiederholt zu hören enorm. Nachdem nun Zombies besungen worden sind, geht es im nächsten Stück um die "Werwölfe vom Düsterwald". Im Prinzip wird einfach nur eine Runde des fast gleichnamigen Spiels besungen, bei dem die Dorfbewohner von Düsterwald die Werwölfe enttarnen wollen, während diese die Dorfbewohner umbringen möchten. Laut Anmerkung im Booklet, von denen es viele gibt und die man selbst lesen sollte, basiert die Geschichte übrigens auf Kaspars Leben. "Werwölfe vom Düsterwald" ist ein flotter Song, der besonders bei Fans des Spiels ein Grinsen ins Gesicht verursachen wird. Ein kleiner Kritikpunkt muss an dieser Stelle aber genannt werden, denn die Stimme der Seherin im Lied ist leider sehr leise aufgenommen worden. Dadurch musste ich mir die Stelle mehrfach anhören, um sie zu verstehen.  Melancholisch und recht ernst für Kaspar und die Anderen geht es mit "Blatt im Wind" weiter. Während der Protagonist einen Strick um den Hals hat, weil er sein Leben beenden möchte, sieht er wie ein Blatt im Wind zu Boden fällt. Er hebt das Blatt auf und wirft es wieder in die Luft und durch die Schönheit dieses Anblick erkennt er, dass es auch in verzweifelten Situationen Dinge gibt, die es wert sind weiter zu leben. Trotz des ernsten Themas ist "Blatt im Wind" eine wunderschöne Ballade, die mit einer positiven Botschaft endet und die den Blick auf die einfachen, aber schönen Dinge im Leben öffnen möchte.



(Foto: Klaas P. Oostlander)

"Lindenbaum" erinnert von der Geschichte her zuerst ein wenig an "Wir sind die Musik", denn auch hier geht es um einen Spielmann, der in Begleitung einer Gruppe zu Heldentaten aufbricht, auch wenn es sich hier am Ende nur um einen Traum handelt. So ergreift er seine Laute und zieht von da an durchs Land, um den Menschen durch Musik Mut zu machen, Hoffnung zu bringen und ihnen einen Lächeln zu schenken. Wer verträumte Balladen mag, kommt hier auf jeden Fall auf seine Kosten. Wirklich jeder, der schon einmal ein Instrument lernen wollte, kennt die Frustration, wenn man irgendwie nicht besser wird, obwohl man sich alle Mühe gibt. Da ist es doch praktisch, dass bei "Vergeigt" eine Fee auftaucht und Fähigkeiten per Wunsch verbessern kann. Blöd hingegen ist es, den Wunsch gleich dreimal zu äußern und so übers Ziel hinauszuschießen und am Ende wieder schlecht zu spielen. Die Gitarre als Alternative zur Geige ist dann auch gar nicht so verkehrt und macht auch Spaß. Kaspar hat tatsächlich und ganz ohne Fee von Geige auf Gitarre gewechselt. Zum Glück ist ja Hinz mit seiner Geige dabei, der er wunderschöne Melodien entlocken kann. "Einhörner sind fabelhaft" ist eine Ode an Einhörner, die etwas anders verläuft als ich es erwartet hatte. Allerdings hätte ich dieses Lied vor ein paar Jahren gebraucht, als Einhörner wirklich überall waren und das "wie süß" zu einem "ich kotze Regenbögen" verwandelt hat, weil's einfach zu viel war. "Einhörner sind fabelhaft" ist wirklich ganz großes Kino und sollte jedem Einhornfan mal vorgespielt werden. Dass Kaspar und die Anderen das Zusammenspiel mit dem Publikum lieben, merkt man im Lauf des Albums immer wieder. So ergibt es natürlich Sinn, dass mit "Spielmann, spiel" auch eine direkte Aufforderung zum Mitsingen und -klatschen in der Setlist zu finden ist. Für gute Laune ist so bestens gesorgt und der Ruf für Zugaben ist so auch direkt festgelegt. "Zieh mit dem Wind" ist die Geschichte eines jungen Mannes, der jeden Abend in der Taverne sitzt und den Sagen und Legenden von Helden lauscht und dabei davon träumt, selbst solche Abenteuer zu erleben. Dies ändert sich, nachdem ein alter Mann ihn auffordert, sein Leben nicht nur in den Träumen zu erleben, sondern wirklich hinauszuziehen und seine Zeit zu nutzen. So zieht er mit dem Wind durch die Welt, um später selbst als Geschichtenerzähler andere zum Träumen zu bringen. "Zieh mit dem Wind" ist ein weiteres Beispiel dafür, was für ein hervorragender Geschichtenerzähler Kaspar ist. Auch hier wird sein Text wieder durch eine wunderschöne Melodie getragen. Den passenden Abschluss des Konzerts bildet "Kennst du den Moment". Während des Hörens musste ich an viele Abende auf Mittelaltermärkten denken, nachdem die Konzerte vorbei waren, die Mehrheit des Publikums schon gegangen ist, und wenn man dann gemeinsam am Lagerfeuer sitzt und jeder seinen Gedanken nachgeht. Genau dieses Gefühl fängt "Kennst du den Moment" sehr schön ein. Während man gedanklich schon darauf wartet, dass der Applaus langsam leiser wird und das Album so endet, kommt plötzlich noch eine Ansage, denn es gibt einen Bonustrack, der nicht erwähnt wird und auch nicht auf Streamingplattformen zu finden ist. Ein Grund mehr, sich das Album als CD zu kaufen. Kaspar und die Anderen erzählen von ihrem Traum, einmal beim Festival Mediaval dabei sein zu können und es fallen einige bekannte Namen. So endet das Album mit einem Schmunzeln und gedrückten Daumen, damit dieser Traum Wirklichkeit wird. 

Wie ich zu Beginn schon erwähnt haben, ist die Qualität dieser Liveaufnahme wirklich beeindruckend. Ein großes Lob geht deshalb an Fabian Kahlich, der die Aufnahme geleitet hat, sowie an Jannik Schmidt (Mixing) und Klaas P. Oostlander (Mastering), die ebenfalls großartige Arbeit geleistet haben. An vielen Stellen vergisst man beim Hören, dass "Einhörner sind fabelhaft" gar keine Studioaufnahme ist, bei der man viele Takes zusammenführen kann, um das beste Ergebnis zu erzielen. Doch auch optisch ist das Album ein Genuss, denn das Cover ist ein wahrer Blickfänger und erklärt außerdem auch, warum Einhörner so fabelhaft sind. Für Grafik & Design war Selina Thede verantwortlich, die zusammen mit Klaas P. Oostlander auch die Fotos im Booklet gemacht hat. Im Booklet findet man neben den Texten auch noch Anmerkungen zu den Liedern und Zeichnungen, die perfekt zum Humor der Lieder passen.

Mein Fazit: Selten hat mich eine Liveaufnahme so positiv überrascht und begeistert, wie "Einhörner sind fabelhaft" es geschafft hat. Die Aufnahme ist glasklar, das Publikum wirkt nicht wie ein Störfaktor, sondern ist Teil der Performance und Kaspar und die Anderen liefern in allen Bereichen voll ab. Die leicht nerdige Mischung aus Humor, Melancholie und Selbstironie wirkt nicht nur sehr sympathisch, sie kommt auch sehr authentisch rüber und das ganze mit Publikum aufzunehmen, trägt sehr zum Charme des Albums bei. Dies gilt auch für Momente, in denen kleine Fehler passieren oder etwas in der Aufnahme mal technisch nicht ganz passt. Da diese kleinen Kritikpunkte aber nichts am Hörerlebnis ändern und das Album von vorne bis hinten Spaß macht, habe ich deswegen keinen Punkt abgezogen. Die Texte sind großartig und alle Beteiligten dieser Aufnahme haben gezeigt, dass sie großartige Musiker'innen sind. Da man den Bonustrack nur auf der CD hören kann und auch das grafische Design für mich zum Komplettpaket gehört, ist meine Empfehlung ganz klar, das Album nicht nur zu streamen. "Einhörner sind fabelhaft" ist für mich jetzt schon eine der großen Überraschungen des Jahres und wird aus meinen Playlisten nicht so schnell verschwinden. Meine Anspieltipps sind "Wiedergänger Liedersänger", "Werwölfe vom Düsterwald", "Lindenbaum" und "Einhörner sind fabelhaft".

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Release: 31. Januar 2026
Label: Eigenvertrieb
Laufzeit: ca. 69 Minuten


Tracklist:
01. Wenn ich schonmal hier bin
02. Vorspiel
03. Wir sind die Musik
04. Böse Menschen
05. Wiedergänger Liedersänger
06. Werwölfe vom Düsterwald
07. Blatt im Wind
08. Lindenbaum
09. Vergeigt
10. Einhörner sind fabelhaft
11. Spielmann, spiel!
12. Zieh mit dem Wind
13. Kennst Du den Moment


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Kaspar und die Anderen sind:
Kaspar: Gesang, Gitarre & Komposition
Fendar: Bass, Gitarre & Gesang
Pathos: Schlagwerk & Gesang
Hinz: Violine & Gesang
Isol: Flöte, Harfe & Gesang
Johann: Add. Schlagwerk


Kaspar und die Anderen sind seit über 10 Jahren auf Mittelaltermärken und LARP Events unterwegs und begeistern mit ihrer Musik, die sie selbst als fantastischen Folk bezeichnen. Selbstgeschriebene Texte mit viel Charme und Humor sind ebenso ihr Markenzeichen, wie vielfältige und kreative Arrangements der Lieder. Dabei sind die Anderen immer wieder andere Musiker'innen, die je nach Auftritt und Anlass die Band ergänzen. Für die Liveaufnahme waren Fendar, Pathos, Hinz, Isol und Johann als die Anderen dabei. "Einhörner sind fabelhaft" ist das erste Album als Band. Live aufgenommen wurde es am 22. März 2025  vor eingeladenem Publikum, das sich vorher zu diesem Termin anmelden konnte.

Die Liveaufnahme beginnt mit "Wenn ich schon mal hier bin", in dem Kaspar zufällig an einem alten Gasthaus ankommt und diese Gelegenheit direkt nutzt, um ein wenig Musik zu machen. Das alte Gasthaus ist "links begrünt und ein klein wenig versifft", was es für mich direkt sympathisch macht, da ich selbst auch schon so beschrieben worden bin. Die ausgezeichnete Qualität der Aufnahme ist von Anfang an zu hören. Gesang und Instrumente sind wunderbar abgemischt, wodurch auch recht leise Details trotzdem zu hören sind. Wären die Ansagen und das Publikum nicht vorhanden, könnte man es auch für eine Studioaufnahme halten. Diesen Punkt schreibe ich jetzt, damit ich es nicht bei jedem Lied wiederholen muss. Im "Vorspiel" beweisen Kaspar und die Anderen, dass sie über sich selbst lachen können und stellen sich dabei noch dem Publikum vor. Auch wenn das "Vorspiel" sehr kurz ist, geht die Melodie trotzdem direkt ins Ohr und macht Lust auf mehr. "Wir sind die Musik" erzählt davon, dass Kaspar und die Anderen eigentlich keine Helden sind, sondern aus ganzem Herzen Spielleute, die ihre Musik und das Leben als Musiker'in lieben. Dennoch treten sie tapfer vor einen Drachen, um eine Prinzessin zu retten und spielen ihm ihre Lieder vor. An dieser sehr tanzbaren Nummer dürfte nicht nur der Drache seine Freude haben, denn still sitzen bleiben geht dabei nicht. Etwas ruhiger und ernster wird es bei "Böse Menschen", bei dem der bekannte Spruch "Böse Menschen kennen keine Lieder" auf die Probe gestellt wird. Während die ersten beiden Begegnungen mit singenden Menschen gut ausgehen, beweist die dritte Begegnung, dass auch böse Menschen Lieder kennen. Eine Tatsache, die man zur Zeit leider auf diversen Musikplattformen beobachten kann, auf denen fast täglich KI-generierte Lieder mit rechten und menschenverachtenden Texten hochgeladen werden. Von bösen Menschen wechseln Kaspar und die Anderen zu untoten Menschen oder besser gesagt einem "Wiedergänger Liedersänger". Aus der Not heraus, keine Musik in der Taverne zu haben, wird unter dem Einfluss von Alkohol beschlossen, dass man doch einen Barden exhumieren und wiederbeleben könnte, der dann dauerhaft für Unterhaltung sorgen kann. Dass dabei auch ein Hauch von Gefahr (und Tod) in der Luft liegt, dürfte nicht überraschen, und wenn man mal einen neuen "Wiedergänger Liedersänger" brauchen sollte, holt man eben einen neuen aus seinem Grab. "Wiedergänger Liedersänger" ist so wunderbar vollgepackt mit Wortspielen, dass man dieses Gutelaunelied allein deswegen schon mehrfach hören muss. Dass der Chorus ein sehr starkes Potenzial hat, euer nächster Ohrwurm zu werden, verstärkt den Wunsch es wiederholt zu hören enorm. Nachdem nun Zombies besungen worden sind, geht es im nächsten Stück um die "Werwölfe vom Düsterwald". Im Prinzip wird einfach nur eine Runde des fast gleichnamigen Spiels besungen, bei dem die Dorfbewohner von Düsterwald die Werwölfe enttarnen wollen, während diese die Dorfbewohner umbringen möchten. Laut Anmerkung im Booklet, von denen es viele gibt und die man selbst lesen sollte, basiert die Geschichte übrigens auf Kaspars Leben. "Werwölfe vom Düsterwald" ist ein flotter Song, der besonders bei Fans des Spiels ein Grinsen ins Gesicht verursachen wird. Ein kleiner Kritikpunkt muss an dieser Stelle aber genannt werden, denn die Stimme der Seherin im Lied ist leider sehr leise aufgenommen worden. Dadurch musste ich mir die Stelle mehrfach anhören, um sie zu verstehen.  Melancholisch und recht ernst für Kaspar und die Anderen geht es mit "Blatt im Wind" weiter. Während der Protagonist einen Strick um den Hals hat, weil er sein Leben beenden möchte, sieht er wie ein Blatt im Wind zu Boden fällt. Er hebt das Blatt auf und wirft es wieder in die Luft und durch die Schönheit dieses Anblick erkennt er, dass es auch in verzweifelten Situationen Dinge gibt, die es wert sind weiter zu leben. Trotz des ernsten Themas ist "Blatt im Wind" eine wunderschöne Ballade, die mit einer positiven Botschaft endet und die den Blick auf die einfachen, aber schönen Dinge im Leben öffnen möchte.



(Foto: Klaas P. Oostlander)

"Lindenbaum" erinnert von der Geschichte her zuerst ein wenig an "Wir sind die Musik", denn auch hier geht es um einen Spielmann, der in Begleitung einer Gruppe zu Heldentaten aufbricht, auch wenn es sich hier am Ende nur um einen Traum handelt. So ergreift er seine Laute und zieht von da an durchs Land, um den Menschen durch Musik Mut zu machen, Hoffnung zu bringen und ihnen einen Lächeln zu schenken. Wer verträumte Balladen mag, kommt hier auf jeden Fall auf seine Kosten. Wirklich jeder, der schon einmal ein Instrument lernen wollte, kennt die Frustration, wenn man irgendwie nicht besser wird, obwohl man sich alle Mühe gibt. Da ist es doch praktisch, dass bei "Vergeigt" eine Fee auftaucht und Fähigkeiten per Wunsch verbessern kann. Blöd hingegen ist es, den Wunsch gleich dreimal zu äußern und so übers Ziel hinauszuschießen und am Ende wieder schlecht zu spielen. Die Gitarre als Alternative zur Geige ist dann auch gar nicht so verkehrt und macht auch Spaß. Kaspar hat tatsächlich und ganz ohne Fee von Geige auf Gitarre gewechselt. Zum Glück ist ja Hinz mit seiner Geige dabei, der er wunderschöne Melodien entlocken kann. "Einhörner sind fabelhaft" ist eine Ode an Einhörner, die etwas anders verläuft als ich es erwartet hatte. Allerdings hätte ich dieses Lied vor ein paar Jahren gebraucht, als Einhörner wirklich überall waren und das "wie süß" zu einem "ich kotze Regenbögen" verwandelt hat, weil's einfach zu viel war. "Einhörner sind fabelhaft" ist wirklich ganz großes Kino und sollte jedem Einhornfan mal vorgespielt werden. Dass Kaspar und die Anderen das Zusammenspiel mit dem Publikum lieben, merkt man im Lauf des Albums immer wieder. So ergibt es natürlich Sinn, dass mit "Spielmann, spiel" auch eine direkte Aufforderung zum Mitsingen und -klatschen in der Setlist zu finden ist. Für gute Laune ist so bestens gesorgt und der Ruf für Zugaben ist so auch direkt festgelegt. "Zieh mit dem Wind" ist die Geschichte eines jungen Mannes, der jeden Abend in der Taverne sitzt und den Sagen und Legenden von Helden lauscht und dabei davon träumt, selbst solche Abenteuer zu erleben. Dies ändert sich, nachdem ein alter Mann ihn auffordert, sein Leben nicht nur in den Träumen zu erleben, sondern wirklich hinauszuziehen und seine Zeit zu nutzen. So zieht er mit dem Wind durch die Welt, um später selbst als Geschichtenerzähler andere zum Träumen zu bringen. "Zieh mit dem Wind" ist ein weiteres Beispiel dafür, was für ein hervorragender Geschichtenerzähler Kaspar ist. Auch hier wird sein Text wieder durch eine wunderschöne Melodie getragen. Den passenden Abschluss des Konzerts bildet "Kennst du den Moment". Während des Hörens musste ich an viele Abende auf Mittelaltermärkten denken, nachdem die Konzerte vorbei waren, die Mehrheit des Publikums schon gegangen ist, und wenn man dann gemeinsam am Lagerfeuer sitzt und jeder seinen Gedanken nachgeht. Genau dieses Gefühl fängt "Kennst du den Moment" sehr schön ein. Während man gedanklich schon darauf wartet, dass der Applaus langsam leiser wird und das Album so endet, kommt plötzlich noch eine Ansage, denn es gibt einen Bonustrack, der nicht erwähnt wird und auch nicht auf Streamingplattformen zu finden ist. Ein Grund mehr, sich das Album als CD zu kaufen. Kaspar und die Anderen erzählen von ihrem Traum, einmal beim Festival Mediaval dabei sein zu können und es fallen einige bekannte Namen. So endet das Album mit einem Schmunzeln und gedrückten Daumen, damit dieser Traum Wirklichkeit wird. 

Wie ich zu Beginn schon erwähnt haben, ist die Qualität dieser Liveaufnahme wirklich beeindruckend. Ein großes Lob geht deshalb an Fabian Kahlich, der die Aufnahme geleitet hat, sowie an Jannik Schmidt (Mixing) und Klaas P. Oostlander (Mastering), die ebenfalls großartige Arbeit geleistet haben. An vielen Stellen vergisst man beim Hören, dass "Einhörner sind fabelhaft" gar keine Studioaufnahme ist, bei der man viele Takes zusammenführen kann, um das beste Ergebnis zu erzielen. Doch auch optisch ist das Album ein Genuss, denn das Cover ist ein wahrer Blickfänger und erklärt außerdem auch, warum Einhörner so fabelhaft sind. Für Grafik & Design war Selina Thede verantwortlich, die zusammen mit Klaas P. Oostlander auch die Fotos im Booklet gemacht hat. Im Booklet findet man neben den Texten auch noch Anmerkungen zu den Liedern und Zeichnungen, die perfekt zum Humor der Lieder passen.

Mein Fazit: Selten hat mich eine Liveaufnahme so positiv überrascht und begeistert, wie "Einhörner sind fabelhaft" es geschafft hat. Die Aufnahme ist glasklar, das Publikum wirkt nicht wie ein Störfaktor, sondern ist Teil der Performance und Kaspar und die Anderen liefern in allen Bereichen voll ab. Die leicht nerdige Mischung aus Humor, Melancholie und Selbstironie wirkt nicht nur sehr sympathisch, sie kommt auch sehr authentisch rüber und das ganze mit Publikum aufzunehmen, trägt sehr zum Charme des Albums bei. Dies gilt auch für Momente, in denen kleine Fehler passieren oder etwas in der Aufnahme mal technisch nicht ganz passt. Da diese kleinen Kritikpunkte aber nichts am Hörerlebnis ändern und das Album von vorne bis hinten Spaß macht, habe ich deswegen keinen Punkt abgezogen. Die Texte sind großartig und alle Beteiligten dieser Aufnahme haben gezeigt, dass sie großartige Musiker'innen sind. Da man den Bonustrack nur auf der CD hören kann und auch das grafische Design für mich zum Komplettpaket gehört, ist meine Empfehlung ganz klar, das Album nicht nur zu streamen. "Einhörner sind fabelhaft" ist für mich jetzt schon eine der großen Überraschungen des Jahres und wird aus meinen Playlisten nicht so schnell verschwinden. Meine Anspieltipps sind "Wiedergänger Liedersänger", "Werwölfe vom Düsterwald", "Lindenbaum" und "Einhörner sind fabelhaft".

]]> https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=902 Sun, 01 Mar 2026 16:31:20 +0100 https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=902


Release: 16. Januar 2026
Label: Reaper Entertainment.
Laufzeit: ca. 37 Minuten


Tracklist:
01. Red Sky Remains
02. War Beneath My Skin
03. Born From Chaos
04. Sun Of A Broken God
05. Reignite Me
06. Empire Of The Fallen
07. Overmind
08. Oxygen Is Not Included
09. Grave With No Name


Homepage
Facebook
Amazon 
JPC 
Youtube
Instagram


Dymytry Paradox sind sind:
Alen "Al Paradox" Ljubic: Gesang
Jan "Gorgy" Görgel:Gitarre
Miloš „Mildor“ Meier: Schlagzeug
Jiří „Dymo“ Urban: Gitarre
Artur „R2R“ Mikhaylov: Bass


Dymytry Paradox aus Tschechien sind bereit, Europas Bühnen zu erobern. Ihre Masken sind ebenso ein Markenzeichen der Band wie ihr kraftvoller Sound und die sozialkritischen Texte. Bisher waren die tschechischen Jungs einfach als Dymytry unterwegs und haben hauptsächlich tschechische Texte geschrieben. Damit Fans direkt auf den ersten Blick sehen können, welches Programm geboten wird, bleibt die Band als Dymytry ihren Wurzeln treu und geht mit Dymytry Paradox in die englischsprachige und damit internationale Richtung. "Born from Chaos" heißt das neueste Album der Band. Mit insgesamt neun Liedern und einer Laufzeit von knapp 37 Minuten wirkt das Album recht kurz, doch es kommt natürlich auch auf den Inhalt an.

Mit "Red Sky Remains" zeigen Dymytry Paradox direkt eine gute Mischung ihrer Stärken. Harte Gitarrenriffs, treibende Drums und die markante Stimme von Alen Ljubic und neben einer ordentlichen Portion Härte auch sehr viel Gefühl. Fans von Bands wie Five Finger Death Punch werden hier auf jeden Fall direkt mitgenommen. Auch "War Beneath My Skin" startet mit einem harten Brett aus Gitarren und Drums. Dymytry Paradox treten etwas mehr aufs Gaspedal, was auch sehr gut zum Thema des Songs passt. Die Sucht nach digitaler Befriedigung durch soziale Medien und Netzwerken lässt Zeit unglaublich schnell vergehen, während man sich selbst immer mehr in ihr verliert. "Born From Chaos" handelt sowohl von inneren als auch globalen Konflikten. Der aggressive Sound spiegelt das Gefühl wider, erst hilflos zwischen Konflikten zu stehen und dabei ignoriert oder unterdrückt zu werden, nur um am Ende gestärkt aus diesem Chaos neu zu entstehen. Der Chorus steht mit Alens gefühlvollen Gesang und dem hoffnungsvollen Unterton im Kontrast zum Rest des Songs. "Sun Of A Broken God" beginnt relativ ruhig und baut durch seinen Text eine düstere Atmosphäre auf. Die Menschheit steht am Rand ihres Untergangs, während Mitgefühl für falschen Stolz auf Flaggen und Heimatländer ausgetauscht werden. Ein Blick in die USA zeigt aktuell sehr gut, wie so eine Welt aussieht. "Sun Of A Broken God" ist ein Song, der stark unter die Haut geht, wenn man sich wirklich mit dem Text beschäftigt, aber auch die Grundstimmung des Songs ist sehr düster. "Reignite me" beschreibt den Moment, in dem man sich aus einer toxischen Beziehung befreien möchte. Was verbrannt werden soll, sind also alle Verbindungen und Lasten, die mit dieser Beziehung zusammenhängen, damit man selbst wieder den Funken entzünden kann, um weiterzumachen. Verpackt wird das Ganze in eine Ballade, in der sich viele wiedererkennen werden. Obwohl er nicht die Härte anderer Songs bietet, kann ich mir gut vorstellen, dass "Reignite Me" bei Konzerten und Festivals sehr gut ankommen wird.





Sehr sozialkritisch wird es mit "Empire of the Fallen". Korruption, Manipulation der Bevölkerung und die Lügen von Regierungen werden angesprochen und auch die Notwendigkeit, sich gegen diese Systeme und Regime zu wehren und sie zu stürzen, wird aus dem Text deutlich. Für alle, die sich durch Politiker und Lobby betrogen und ausgenutzt fühlen, haben Dymytry Paradox mit "Empire Of The Fallen" die richtige Hymne erschaffen. Bei "Overmind" hatte ich zum ersten Mal das Problem, dass Dymytry Paradox sich nicht sicher waren, in welche Richtung sie nun gehen wollten. Zu Beginn ist "Overmind" sehr ruhig und bedrückend, was zum psychischen Zustand des Protagonisten passt. Dann wird der Song sehr viel härter, der Gesang aggressiver, nur um dann als Kontrast zu den harten Gitarren und Drums wieder gefühlvoll zu klingen. Vom Text her sehr stark, aber die Umsetzung hat mich jetzt nicht so mitgenommen, auch wenn der Song live wahrscheinlich sehr gut ankommen wird. "Oxygen Is Not Included" hingegen ist wieder ein Beweis dafür, wie gut das Songwriting der Band ist. Auch wenn viele bei Themen wie Umweltverschmutzung und Klimawandel genervt die Augen verdrehen, bringen Dymytry Paradox ihre Botschaft sehr deutlich rüber. Weder wirtschaftlicher Wachstum, noch Kriege oder der Glaube an welche Götter auch immer, werden uns am Ende am Leben erhalten, wenn Sauerstoff nicht mehr genügend in der Luft vorhanden ist. Die Härte des Songs passt zum Thema und auch die ruhigeren Passagen fügen sich hier perfekt ins Gesamtbild des Songs ein. Zum Abschluss gibt es mit "Grave With No Name" noch eine sehr persönliche Ballade, in der es um den Verlust geliebter Menschen geht. Man kann den Schmerz über diese Verluste aus Alens Gesang heraushören und wer diese Erfahrung schon selbst machen musste, wird bei diesem Song an diese Personen denken. "Born From Chaos" endet so mit einer sehr emotionalen Ballade, die einen nicht so schnell loslässt. 

Passend zum recht düsteren Unterton des Albums ist auch das Artwork gestaltet. Auf dem Cover ist eine Maske in dem Stil zu sehen, wie sie auch von der Band getragen wird. Der dunkle Hintergrund und der Schriftstil des Albumtitels werden auch im Booklet weiter verwendet. Dort wechseln sich Bilder der Bandmitglieder mit den Texten der Songs ab. Insgesamt alles sehr schlicht gehalten, wodurch der Fokus eindeutig mehr auf die Musik gerichtet wird. Da wurde umso mehr Wert darauf gelegt, dass der Sound und die Power der Band perfekt aus dem Studio eingefangen werden. Die Lieder haben alle ordentlich Druck, der Gesang ist zu jeder Zeit perfekt abgemischt und ich habe jetzt nichts raushören können, was unpassend oder störend gewesen wäre.

Mein Fazit: Dymytry Paradox haben mit "Born From Chaos" ein sehr solides und modernes Metal Album abgeliefert. Nicht alle Songs haben mich persönlich überzeugt, was aber auch Geschmackssache ist. "Grave With No Name", "Reignite Me", "Born From Chaos" und "Sun Of A Broken God" sind meine persönlichen Highlights des Albums und auch meine Anspieltipps. Da ich die Band schon live erlebt habe und weiß, wie stark die Energie der Songs dabei auf die Fans übergeht, muss ich einfach wiederholen, was für gute Arbeit bei den Aufnahmen geleistet worden ist, um diese Energie auch ohne Publikum auf das Album zu übertragen. Wer die Band bisher nicht kennt, aber auf Modern Metal steht, sollte dem Album auf jeden Fall eine Chance geben. Fans der Band werden es lieben. 


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Release: 16. Januar 2026
Label: Reaper Entertainment.
Laufzeit: ca. 37 Minuten


Tracklist:
01. Red Sky Remains
02. War Beneath My Skin
03. Born From Chaos
04. Sun Of A Broken God
05. Reignite Me
06. Empire Of The Fallen
07. Overmind
08. Oxygen Is Not Included
09. Grave With No Name


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Dymytry Paradox sind sind:
Alen "Al Paradox" Ljubic: Gesang
Jan "Gorgy" Görgel:Gitarre
Miloš „Mildor“ Meier: Schlagzeug
Jiří „Dymo“ Urban: Gitarre
Artur „R2R“ Mikhaylov: Bass


Dymytry Paradox aus Tschechien sind bereit, Europas Bühnen zu erobern. Ihre Masken sind ebenso ein Markenzeichen der Band wie ihr kraftvoller Sound und die sozialkritischen Texte. Bisher waren die tschechischen Jungs einfach als Dymytry unterwegs und haben hauptsächlich tschechische Texte geschrieben. Damit Fans direkt auf den ersten Blick sehen können, welches Programm geboten wird, bleibt die Band als Dymytry ihren Wurzeln treu und geht mit Dymytry Paradox in die englischsprachige und damit internationale Richtung. "Born from Chaos" heißt das neueste Album der Band. Mit insgesamt neun Liedern und einer Laufzeit von knapp 37 Minuten wirkt das Album recht kurz, doch es kommt natürlich auch auf den Inhalt an.

Mit "Red Sky Remains" zeigen Dymytry Paradox direkt eine gute Mischung ihrer Stärken. Harte Gitarrenriffs, treibende Drums und die markante Stimme von Alen Ljubic und neben einer ordentlichen Portion Härte auch sehr viel Gefühl. Fans von Bands wie Five Finger Death Punch werden hier auf jeden Fall direkt mitgenommen. Auch "War Beneath My Skin" startet mit einem harten Brett aus Gitarren und Drums. Dymytry Paradox treten etwas mehr aufs Gaspedal, was auch sehr gut zum Thema des Songs passt. Die Sucht nach digitaler Befriedigung durch soziale Medien und Netzwerken lässt Zeit unglaublich schnell vergehen, während man sich selbst immer mehr in ihr verliert. "Born From Chaos" handelt sowohl von inneren als auch globalen Konflikten. Der aggressive Sound spiegelt das Gefühl wider, erst hilflos zwischen Konflikten zu stehen und dabei ignoriert oder unterdrückt zu werden, nur um am Ende gestärkt aus diesem Chaos neu zu entstehen. Der Chorus steht mit Alens gefühlvollen Gesang und dem hoffnungsvollen Unterton im Kontrast zum Rest des Songs. "Sun Of A Broken God" beginnt relativ ruhig und baut durch seinen Text eine düstere Atmosphäre auf. Die Menschheit steht am Rand ihres Untergangs, während Mitgefühl für falschen Stolz auf Flaggen und Heimatländer ausgetauscht werden. Ein Blick in die USA zeigt aktuell sehr gut, wie so eine Welt aussieht. "Sun Of A Broken God" ist ein Song, der stark unter die Haut geht, wenn man sich wirklich mit dem Text beschäftigt, aber auch die Grundstimmung des Songs ist sehr düster. "Reignite me" beschreibt den Moment, in dem man sich aus einer toxischen Beziehung befreien möchte. Was verbrannt werden soll, sind also alle Verbindungen und Lasten, die mit dieser Beziehung zusammenhängen, damit man selbst wieder den Funken entzünden kann, um weiterzumachen. Verpackt wird das Ganze in eine Ballade, in der sich viele wiedererkennen werden. Obwohl er nicht die Härte anderer Songs bietet, kann ich mir gut vorstellen, dass "Reignite Me" bei Konzerten und Festivals sehr gut ankommen wird.





Sehr sozialkritisch wird es mit "Empire of the Fallen". Korruption, Manipulation der Bevölkerung und die Lügen von Regierungen werden angesprochen und auch die Notwendigkeit, sich gegen diese Systeme und Regime zu wehren und sie zu stürzen, wird aus dem Text deutlich. Für alle, die sich durch Politiker und Lobby betrogen und ausgenutzt fühlen, haben Dymytry Paradox mit "Empire Of The Fallen" die richtige Hymne erschaffen. Bei "Overmind" hatte ich zum ersten Mal das Problem, dass Dymytry Paradox sich nicht sicher waren, in welche Richtung sie nun gehen wollten. Zu Beginn ist "Overmind" sehr ruhig und bedrückend, was zum psychischen Zustand des Protagonisten passt. Dann wird der Song sehr viel härter, der Gesang aggressiver, nur um dann als Kontrast zu den harten Gitarren und Drums wieder gefühlvoll zu klingen. Vom Text her sehr stark, aber die Umsetzung hat mich jetzt nicht so mitgenommen, auch wenn der Song live wahrscheinlich sehr gut ankommen wird. "Oxygen Is Not Included" hingegen ist wieder ein Beweis dafür, wie gut das Songwriting der Band ist. Auch wenn viele bei Themen wie Umweltverschmutzung und Klimawandel genervt die Augen verdrehen, bringen Dymytry Paradox ihre Botschaft sehr deutlich rüber. Weder wirtschaftlicher Wachstum, noch Kriege oder der Glaube an welche Götter auch immer, werden uns am Ende am Leben erhalten, wenn Sauerstoff nicht mehr genügend in der Luft vorhanden ist. Die Härte des Songs passt zum Thema und auch die ruhigeren Passagen fügen sich hier perfekt ins Gesamtbild des Songs ein. Zum Abschluss gibt es mit "Grave With No Name" noch eine sehr persönliche Ballade, in der es um den Verlust geliebter Menschen geht. Man kann den Schmerz über diese Verluste aus Alens Gesang heraushören und wer diese Erfahrung schon selbst machen musste, wird bei diesem Song an diese Personen denken. "Born From Chaos" endet so mit einer sehr emotionalen Ballade, die einen nicht so schnell loslässt. 

Passend zum recht düsteren Unterton des Albums ist auch das Artwork gestaltet. Auf dem Cover ist eine Maske in dem Stil zu sehen, wie sie auch von der Band getragen wird. Der dunkle Hintergrund und der Schriftstil des Albumtitels werden auch im Booklet weiter verwendet. Dort wechseln sich Bilder der Bandmitglieder mit den Texten der Songs ab. Insgesamt alles sehr schlicht gehalten, wodurch der Fokus eindeutig mehr auf die Musik gerichtet wird. Da wurde umso mehr Wert darauf gelegt, dass der Sound und die Power der Band perfekt aus dem Studio eingefangen werden. Die Lieder haben alle ordentlich Druck, der Gesang ist zu jeder Zeit perfekt abgemischt und ich habe jetzt nichts raushören können, was unpassend oder störend gewesen wäre.

Mein Fazit: Dymytry Paradox haben mit "Born From Chaos" ein sehr solides und modernes Metal Album abgeliefert. Nicht alle Songs haben mich persönlich überzeugt, was aber auch Geschmackssache ist. "Grave With No Name", "Reignite Me", "Born From Chaos" und "Sun Of A Broken God" sind meine persönlichen Highlights des Albums und auch meine Anspieltipps. Da ich die Band schon live erlebt habe und weiß, wie stark die Energie der Songs dabei auf die Fans übergeht, muss ich einfach wiederholen, was für gute Arbeit bei den Aufnahmen geleistet worden ist, um diese Energie auch ohne Publikum auf das Album zu übertragen. Wer die Band bisher nicht kennt, aber auf Modern Metal steht, sollte dem Album auf jeden Fall eine Chance geben. Fans der Band werden es lieben. 


]]> https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=898 Sun, 22 Feb 2026 17:15:29 +0100 https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=898



Release: 17. Januar 2026
Label: Eigenvertrieb
Laufzeit: ca. 48 Minuten


Tracklist:
01. Lockruf
02. Eine lang erwartete Reise
03. Warum nicht die Adler
04. Der lausigste Dieb der Welt
05. Von den Blumen auf der Heide
06. Es läuten schon die Glocken
07. Ent und Entin
08. Die Helden von heute
09. Am alten Weiher
10. Es brennt
11. Der Spielmann und der Soldat


Reigenwillig ist eine Fantasy Folk Band, die ursprünglich als Trio unterwegs war und sich "Frauengold" nannte. Kurz vor Veröffentlichung der ersten CD "Was schönes" wurde der Name 2023 in Reigenwillig geändert, da der Name "Frauengold" bereits vergeben war. 2023 wurde spontan auf dem Burgspektakel gespielt, da eine andere Band verhindert gewesen ist. Ende 2023 wurde aus dem Trio dann nach und nach eine komplette Band und es kam 2024 zu einen Auftritt bei den Tolkien Tagen in Geldern (Pont). Für diesen Termin wurde auch das Lied "Warum nicht die Adler" geschrieben, das bei den Besuchern sehr gut angekommen ist. Von da an wurde auch an den Liedern für das zweite Album "Helden von heute" gearbeitet. 2025 verließ Geiger Hugo aus privaten Gründen die Band, ist aber auf "Helden von heute" noch als Gastmusiker zu hören. 


Facebook
Spotify
Amazon
Youtube
Instagram
CD bestellen: reigenwillig[at]mail.de


Reigenwillig sind:
Alexandra Janzen: Harfe & Gesang
Andrea Garner: Geige & Gesang
Friederike Schild: Flöten & Gesang
Leander Sumpmann: Gitarre & Gesang
Michael Witt: Schlagwerk & Gesang
Wolf Lüerßen: Gitarren & Gesang
Gastmusiker:
Hugo Graepel: Fiddle


Nachdem Reigenwillig mit "Was fröhliches" bereits auf sich aufmerksam gemacht haben, hat die 2023 gegründete Band mit "Helden von heute" zum zweiten Schlag ausgeholt. Elf neue Songs mit einer Laufzeit von knapp 48 Minuten warten darauf, von euch gehört zu werden. Mit dem "Lockruf" möchten Reigenwillig die Aufmerksamkeit ihrer Hörer gewinnen, um sie anschließend mit ihren Geschichten zu begeistern. Gleichzeitig beweisen die Bandmitglieder direkt zu Beginn, wie gut sie ihre Instrumente beherrschen. Die Melodie wird im nächsten Lied "Eine lang erwartete Reise" weiter verwendet. Besungen wird eine anstehende Quest, die durchs Auenland führt. Wer sich mit Tolkien und seinen Geschichten aus Mittelerde auskennt, wird viele der genannten Orte wiedererkennen. Mit guter Laune und reichlich Alkohol wird auf das Auenland angestoßen und mitsingen ist eindeutig erwünscht. "Warum nicht die Adler" ist eine Frage, mit der man Tolkien Fans wunderbar auf die Nerven gehen kann. Schließlich könnte man so viel einfacher den Einen Ring nach Mordor bringen, wenn man sich nur auf die Rücken der Adler gesetzt hätte. Es wäre nicht nur allen "manche Landschaft" erspart geblieben. Betrachtet man die vielen Opfer, die in den Schlachten von Mittelerde gefallen sind, wäre die Reise auf den Adlern sicher die bessere Wahl gewesen, als der mühsame Fußweg. Da es sich allerdings bei "Herr der Ringe" um die allseits bekannte klassische Heldenreise handelt, könnte man es mit einem Wort klären - darum! Statt zu streiten könnte man auch einfach den frisch eingezogenen Ohrwurm genießen und zum Takt mittanzen. "Der lausigste Dieb der Welt" erklärt in seiner Geschichte selbst, weshalb er diesen Titel nicht gestohlen, sondern verdient hat. Auch diese Geschichte wird durch eine wunderschöne Melodie und harmonischen Gesang getragen. Melancholischer geht es mit "Von den Blumen auf der Heide" weiter. Besungen wird die Schönheit vieler Blumen und der Wunsch, dass diese nicht für einen Blumenstrauß gepflückt werden, damit sie ihre Schönheit lebend präsentieren können. Zugleich wird ein Blick in die Vergangenheit geworfen, bei dem die bunte Heide betrachtet worden ist. Eine sehr schöne Ballade, bei der Versengoldfans an den Text von "Haut' mir kein Stein" denken werden, in dem es heißt "Legt mir bitte, bitte keine toten Blumen auf mein Grab. Ihr wisst doch, dass ich tote Blumen nicht mag". Bei "Es läuten schon die Glocken" könnte man denken, dass es nun sehr romantisch wird. Damit das Lied seine Wirkung nicht verliert, gehe ich nicht zu stark auf die Handlung ein. Es haben sich auf jeden Fall zwei Menschen getroffen, die zueinander passen und im Bund der Ehe vereint werden. Bei der flotten Melodie darf das Tanzbein auf jeden Fall geschwungen werden und das Grinsen im Gesicht kommt von allein dazu.



(Quelle: Facebook)

"Ent und Entin" heißt die nächste Ballade, die im Booklet als "Ent und Entfrau" betitelt ist. Ents sind große, baumähnliche Wesen, die in Mittelerde über die Pflanzen wachen und dabei mehrere Zeitalter überdauern können. Im Text geht es darum, wie ein Entpaar über die Jahreszeiten hinweg beobachtet, wie die Landschaft sich verändert und was sie an den einzelnen Jahreszeiten mögen. Der Rhythmus von "Ent und Entin" wird durch schwere Trommelschläge bestimmt, wodurch man die Ents fast an sich vorbeiwandern sehen kann. Im titelgebenden Lied des Albums "Die Helden von heute" geht es um den Unterschied zwischen den sagenumwobenen Helden von damals und dem, was davon noch geblieben ist. Statt Heldentaten geht es um Träume von diesen und der Erkenntnis, dass man vielleicht auch lieber dabei bleiben sollte. "Am alten Weiher" erzählt die Geschichte eines Ehepaares und einer Nymphe. Während der Ehemann am Abend melancholisch den ewig gleichen Alltag betrachtet, gibt seine Frau ihm tröstende Worte und spricht ihm Mut zu, auf das Gute zu achten, als das Lied der Nymphe erklingt und beginnt, ihn zum alten Weiher zu locken. Seine Frau versucht ihn von den verlockenden Worten der Nymphe loszureißen, doch ihr graut schon vor dem nächsten Morgen und was sie am alten Weiher vorfinden wird. Nach diesen ruhigen Tönen nimmt "Es brennt" wieder mehr Fahrt auf und lädt mit einer schönen Melodie zum Schunkeln ein. Der Text handelt vom Aufkommen einer unstillbaren Leidenschaft, die den Protagonisten des Liedes wie Feuer verzehrt und nicht mehr aufgehalten werden kann. Der Chorus geht unglaublich schnell ins Ohr und fordert geradezu zum Mitsingen auf. Das Gitarrensolo hätte ruhig etwas länger dauern können, denn es klingt wirklich sehr schön - gerne mehr davon beim nächsten Album. Mit "Der Spielmann und der Soldat" haben wir auch schon das Ende des Albums erreicht. Der Spielmann erklärt dem Soldaten, warum auch sein Job kein Zuckerschlecken ist und selbst Vorteile seines Lebens stets mit der Sorge verbunden sind, was ihm an nächsten Tag erwartet. Damit gewährt uns Reigenwillig einen anderen Blickwinkel auf eine Berufsgruppe, die man sonst nur mit Wein, Weib und Gesang verbindet.

"Helden von heute" bietet aber nicht nur musikalische Unterhaltung. Das Coverdesign von Manfred "Manni" Altenschmitt ist sehr schön anzusehen und ist ein großer Pluspunkt für den Kauf einer CD. Das Booklet mit Illustrationen von Friederike Schild ist ebenfalls ein echter Hingucker. Jedes Lied hat eine eigene Zeichnung bekommen, die zur Thematik passt und die Texte findet man ebenfalls alle im Booklet. Ähnlich wie beim Titel von "Ent und Entin" merkt man aber hier und da, dass es ein paar kleine Abweichungen gibt. Diese sind jedoch nicht allzu störend und man korrigiert es beim Mitsingen automatisch. Für den hervorragenden Klang des Albums ist Sound-Editor Mathias Heydeck von den Salvador Studioz in Münster verantwortlich. 

Mein Fazit: Reigenwillig haben mit "Helden von heute" ein sehr hörenswertes und wohlklingendes zweites Studioalbum abgeliefert. Tolkien Fans werden die vielen Anspielungen und Handlungen von und in Mittelerde lieben und bei "Warum nicht die Adler" erst empört, dann belustig reagieren. Sollte man mit dieser Welt nicht vertraut sein, wird man die gesungenen Geschichten nichtsdestotrotz genießen können. Wo wir gerade beim Gesang sind möchte ich nicht unerwähnt lassen, dass dieser wirklich hervorragen kling. Ob Solo, Duett oder im Chor, Reigenwillig schaffen es immer einen gewissen Zauber in ihre Stimmen zu legen.  Romantik, Melancholie und die Lust auf einen frisch gefüllten Humpen, haben Reigenwillig sehr gefühlvoll vom Studio auf die CD gebracht. Beim Hören merkt man immer wieder, dass die Lieder live vor Publikum gespielt werden wollen. Es gibt Stellen zum Mitklatschen und auch der ein oder andere Chor wäre live beim ein oder anderen Chorus zu hören. Von mir gibt es eine Kaufempfehlung für alle, die handgemachten Folk mögen und lieber Eigenkompositionen als die hundertste Version eines Klassiker hören möchten. Um Reigenwillig bestmöglich zu unterstützen, sollte man sich die CD nach Hause holen, da man mit ihr auch das Gesamtpaket genießen kann. Meine Anspielttipps sind "Eine lang erwartet Reise", "Warum nicht die Adler", "Am alten Weiher" und "Es brennt", denn so bekommt man direkt einen Einblick in das Werk von Reigenwillig.

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Release: 17. Januar 2026
Label: Eigenvertrieb
Laufzeit: ca. 48 Minuten


Tracklist:
01. Lockruf
02. Eine lang erwartete Reise
03. Warum nicht die Adler
04. Der lausigste Dieb der Welt
05. Von den Blumen auf der Heide
06. Es läuten schon die Glocken
07. Ent und Entin
08. Die Helden von heute
09. Am alten Weiher
10. Es brennt
11. Der Spielmann und der Soldat


Reigenwillig ist eine Fantasy Folk Band, die ursprünglich als Trio unterwegs war und sich "Frauengold" nannte. Kurz vor Veröffentlichung der ersten CD "Was schönes" wurde der Name 2023 in Reigenwillig geändert, da der Name "Frauengold" bereits vergeben war. 2023 wurde spontan auf dem Burgspektakel gespielt, da eine andere Band verhindert gewesen ist. Ende 2023 wurde aus dem Trio dann nach und nach eine komplette Band und es kam 2024 zu einen Auftritt bei den Tolkien Tagen in Geldern (Pont). Für diesen Termin wurde auch das Lied "Warum nicht die Adler" geschrieben, das bei den Besuchern sehr gut angekommen ist. Von da an wurde auch an den Liedern für das zweite Album "Helden von heute" gearbeitet. 2025 verließ Geiger Hugo aus privaten Gründen die Band, ist aber auf "Helden von heute" noch als Gastmusiker zu hören. 


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Reigenwillig sind:
Alexandra Janzen: Harfe & Gesang
Andrea Garner: Geige & Gesang
Friederike Schild: Flöten & Gesang
Leander Sumpmann: Gitarre & Gesang
Michael Witt: Schlagwerk & Gesang
Wolf Lüerßen: Gitarren & Gesang
Gastmusiker:
Hugo Graepel: Fiddle


Nachdem Reigenwillig mit "Was fröhliches" bereits auf sich aufmerksam gemacht haben, hat die 2023 gegründete Band mit "Helden von heute" zum zweiten Schlag ausgeholt. Elf neue Songs mit einer Laufzeit von knapp 48 Minuten warten darauf, von euch gehört zu werden. Mit dem "Lockruf" möchten Reigenwillig die Aufmerksamkeit ihrer Hörer gewinnen, um sie anschließend mit ihren Geschichten zu begeistern. Gleichzeitig beweisen die Bandmitglieder direkt zu Beginn, wie gut sie ihre Instrumente beherrschen. Die Melodie wird im nächsten Lied "Eine lang erwartete Reise" weiter verwendet. Besungen wird eine anstehende Quest, die durchs Auenland führt. Wer sich mit Tolkien und seinen Geschichten aus Mittelerde auskennt, wird viele der genannten Orte wiedererkennen. Mit guter Laune und reichlich Alkohol wird auf das Auenland angestoßen und mitsingen ist eindeutig erwünscht. "Warum nicht die Adler" ist eine Frage, mit der man Tolkien Fans wunderbar auf die Nerven gehen kann. Schließlich könnte man so viel einfacher den Einen Ring nach Mordor bringen, wenn man sich nur auf die Rücken der Adler gesetzt hätte. Es wäre nicht nur allen "manche Landschaft" erspart geblieben. Betrachtet man die vielen Opfer, die in den Schlachten von Mittelerde gefallen sind, wäre die Reise auf den Adlern sicher die bessere Wahl gewesen, als der mühsame Fußweg. Da es sich allerdings bei "Herr der Ringe" um die allseits bekannte klassische Heldenreise handelt, könnte man es mit einem Wort klären - darum! Statt zu streiten könnte man auch einfach den frisch eingezogenen Ohrwurm genießen und zum Takt mittanzen. "Der lausigste Dieb der Welt" erklärt in seiner Geschichte selbst, weshalb er diesen Titel nicht gestohlen, sondern verdient hat. Auch diese Geschichte wird durch eine wunderschöne Melodie und harmonischen Gesang getragen. Melancholischer geht es mit "Von den Blumen auf der Heide" weiter. Besungen wird die Schönheit vieler Blumen und der Wunsch, dass diese nicht für einen Blumenstrauß gepflückt werden, damit sie ihre Schönheit lebend präsentieren können. Zugleich wird ein Blick in die Vergangenheit geworfen, bei dem die bunte Heide betrachtet worden ist. Eine sehr schöne Ballade, bei der Versengoldfans an den Text von "Haut' mir kein Stein" denken werden, in dem es heißt "Legt mir bitte, bitte keine toten Blumen auf mein Grab. Ihr wisst doch, dass ich tote Blumen nicht mag". Bei "Es läuten schon die Glocken" könnte man denken, dass es nun sehr romantisch wird. Damit das Lied seine Wirkung nicht verliert, gehe ich nicht zu stark auf die Handlung ein. Es haben sich auf jeden Fall zwei Menschen getroffen, die zueinander passen und im Bund der Ehe vereint werden. Bei der flotten Melodie darf das Tanzbein auf jeden Fall geschwungen werden und das Grinsen im Gesicht kommt von allein dazu.



(Quelle: Facebook)

"Ent und Entin" heißt die nächste Ballade, die im Booklet als "Ent und Entfrau" betitelt ist. Ents sind große, baumähnliche Wesen, die in Mittelerde über die Pflanzen wachen und dabei mehrere Zeitalter überdauern können. Im Text geht es darum, wie ein Entpaar über die Jahreszeiten hinweg beobachtet, wie die Landschaft sich verändert und was sie an den einzelnen Jahreszeiten mögen. Der Rhythmus von "Ent und Entin" wird durch schwere Trommelschläge bestimmt, wodurch man die Ents fast an sich vorbeiwandern sehen kann. Im titelgebenden Lied des Albums "Die Helden von heute" geht es um den Unterschied zwischen den sagenumwobenen Helden von damals und dem, was davon noch geblieben ist. Statt Heldentaten geht es um Träume von diesen und der Erkenntnis, dass man vielleicht auch lieber dabei bleiben sollte. "Am alten Weiher" erzählt die Geschichte eines Ehepaares und einer Nymphe. Während der Ehemann am Abend melancholisch den ewig gleichen Alltag betrachtet, gibt seine Frau ihm tröstende Worte und spricht ihm Mut zu, auf das Gute zu achten, als das Lied der Nymphe erklingt und beginnt, ihn zum alten Weiher zu locken. Seine Frau versucht ihn von den verlockenden Worten der Nymphe loszureißen, doch ihr graut schon vor dem nächsten Morgen und was sie am alten Weiher vorfinden wird. Nach diesen ruhigen Tönen nimmt "Es brennt" wieder mehr Fahrt auf und lädt mit einer schönen Melodie zum Schunkeln ein. Der Text handelt vom Aufkommen einer unstillbaren Leidenschaft, die den Protagonisten des Liedes wie Feuer verzehrt und nicht mehr aufgehalten werden kann. Der Chorus geht unglaublich schnell ins Ohr und fordert geradezu zum Mitsingen auf. Das Gitarrensolo hätte ruhig etwas länger dauern können, denn es klingt wirklich sehr schön - gerne mehr davon beim nächsten Album. Mit "Der Spielmann und der Soldat" haben wir auch schon das Ende des Albums erreicht. Der Spielmann erklärt dem Soldaten, warum auch sein Job kein Zuckerschlecken ist und selbst Vorteile seines Lebens stets mit der Sorge verbunden sind, was ihm an nächsten Tag erwartet. Damit gewährt uns Reigenwillig einen anderen Blickwinkel auf eine Berufsgruppe, die man sonst nur mit Wein, Weib und Gesang verbindet.

"Helden von heute" bietet aber nicht nur musikalische Unterhaltung. Das Coverdesign von Manfred "Manni" Altenschmitt ist sehr schön anzusehen und ist ein großer Pluspunkt für den Kauf einer CD. Das Booklet mit Illustrationen von Friederike Schild ist ebenfalls ein echter Hingucker. Jedes Lied hat eine eigene Zeichnung bekommen, die zur Thematik passt und die Texte findet man ebenfalls alle im Booklet. Ähnlich wie beim Titel von "Ent und Entin" merkt man aber hier und da, dass es ein paar kleine Abweichungen gibt. Diese sind jedoch nicht allzu störend und man korrigiert es beim Mitsingen automatisch. Für den hervorragenden Klang des Albums ist Sound-Editor Mathias Heydeck von den Salvador Studioz in Münster verantwortlich. 

Mein Fazit: Reigenwillig haben mit "Helden von heute" ein sehr hörenswertes und wohlklingendes zweites Studioalbum abgeliefert. Tolkien Fans werden die vielen Anspielungen und Handlungen von und in Mittelerde lieben und bei "Warum nicht die Adler" erst empört, dann belustig reagieren. Sollte man mit dieser Welt nicht vertraut sein, wird man die gesungenen Geschichten nichtsdestotrotz genießen können. Wo wir gerade beim Gesang sind möchte ich nicht unerwähnt lassen, dass dieser wirklich hervorragen kling. Ob Solo, Duett oder im Chor, Reigenwillig schaffen es immer einen gewissen Zauber in ihre Stimmen zu legen.  Romantik, Melancholie und die Lust auf einen frisch gefüllten Humpen, haben Reigenwillig sehr gefühlvoll vom Studio auf die CD gebracht. Beim Hören merkt man immer wieder, dass die Lieder live vor Publikum gespielt werden wollen. Es gibt Stellen zum Mitklatschen und auch der ein oder andere Chor wäre live beim ein oder anderen Chorus zu hören. Von mir gibt es eine Kaufempfehlung für alle, die handgemachten Folk mögen und lieber Eigenkompositionen als die hundertste Version eines Klassiker hören möchten. Um Reigenwillig bestmöglich zu unterstützen, sollte man sich die CD nach Hause holen, da man mit ihr auch das Gesamtpaket genießen kann. Meine Anspielttipps sind "Eine lang erwartet Reise", "Warum nicht die Adler", "Am alten Weiher" und "Es brennt", denn so bekommt man direkt einen Einblick in das Werk von Reigenwillig.

]]> https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=896 Sat, 07 Feb 2026 19:15:06 +0100 https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=896


Release: 28. April 2024
Label: Eigenvertrieb
Laufzeit: ca. 133 Minuten


Tracklist:
CD 1:
01. Auf Kaperfahrt I
02. Hoch die Gläser
03. Werd Pirat…haben sie gesagt
04. Alles Verhurt, Versoffen und Verzockt
05. Auf Kaperfahrt II
06. Gossencrew
07. Die Rote aus Galway Bay
08. Tinte in der Haut
09. In den Nebelheymer Gassen
10. Auf Kaperfahrt III
11. Wir Segeln Mit Dem Tod
12. Galgengang
13. Carpe Noctem
14. Nie mehr Drunken Sailor
CD 2:
01. Auf Kaperfahrt IV
02. Volle Breitseite
03. Tortuga Inn
04. Voodoo Island
05. Spiel ein letztes Lied von Mary
06. Auf Kaperfahrt V
07. Unter falscher Flagge
08. Küstenschipper
09. Priester und Pirat
10. Herren der Winde
11. Tortuga
12. Auf Kaperfahrt VI
13. Cutthroat Island
14. Dunkle Tage in Port Royal
15. Kartoffeln (Bonus)


Facebook - Hier und unter michael_heitz[aet]t-online.de kann man das Album direkt beim "Captain" bestellen. (25€ + Versandkosten)
Youtube


Beteiligte Musiker/innen:
Michael Heitz: Gesang
Michael H.: Akustik- und E-Gitarre, Mandoline & Banjo
Wayne Beselt: E-Gitarre
Roman Beselt: Geige
M. Heitz: Akkordeon & Klavier
Le Compte Caspar: Klarinette
M. Heitz: Bass, Flöten & Mundharmonikas
Teddy Nadj: Gesang (In den Nebelheymer Gassen)
Sophia Partsos: Weiblicher Gesang
Mr. John Kanaka: Gesang (Nie mehr Drunken Sailor)
Mr.H.: Drums &Percussion
Hörspielsprecher/innen (In Reihenfolge des Erscheinens):
Thorsten Senger als Der ruhige Roger
Mr. John Kanaka als Der Wirt
Teddy Nadj als Old Gerrish
Michael Heitz als "Captain" McHeightz
Roman Beselt als Gevatter Tod
Sebastian Barwinek als Blackbeard
Marc Maurer als Captain Robert Gilbert
Sophia Partsos als Leutnant Bläserich
Christian Reiter als Tourist


Michael Heitz alias "Captain" McHeightz hat über mehrere Jahre musikalische Ideen gesammelt, komponiert und gelegentlich bei Sessions live gespielt. Als es dazu kam, dass aus gelegentlichen Kompositionen immer mehr Lieder entstanden sind, wurde der Gedanke an eine CD geboren. Was als kleines Album mit acht Liedern geplant war, entwickelte sich letztendlich zu dem hier vorliegenen Werk, das weit mehr als nur ein Doppelalbum geworden ist. Zur Musik kam ein Hörspiel und um alles perfekt zu machen, kamen noch Zeichnungen ins Booklet, die im typischen Comicstil von Michael Heitz dafür sorgen, dass die Geschichten auch optisch miterzählt werden können. Wie persönlich das Album tatsächlich geworden ist, erkennt man durch Easter Eggs, die aus den verschiedensten Interessensbereichen von Michael Heitz stammen. Bevor ich nun also in das Album eintauche, möchte ich kurz die Hörspielkapitel ansprechen. Ich werde die Geschichte des Hörspiels nicht zu hart spoilern, denn es wäre eine Schande, würde ich euch zu viel verraten. Wer wirklich alle Details erfahren möchte, kommt um den Kauf des Albums nicht herum, da auch das Booklet und die enthaltenen Zeichnungen Teil der Geschichte von "Captain" McHeightz sind. 

Los geht es mit dem ersten Hörspielkapitel "Auf Kaperfahrt I", in dem wir die ersten Rollen des Hörspiels kennenlernen, zwischen denen es auch direkt zu einer kleinen Schlägerei kommt. Gerüchte um "Captain" McHeightz machen die Runde, bis dieser persönlich in Erscheinung tritt. Anschließend heißt es "Hoch die Gläser", eine Aufforderung, der man nur zu gerne nachkommt. Der flotte Beat und die eingängige Melodie machen gute Laune und so erhebt man gern die Gläser auf Freunde, Gold, Fortuna (die größte Hure von allen) und auf viele weitere Dinge. Während Mr. Hurley & die Pulveraffen auffordern, zur Marine zu gehen, hat "Captain" McHeightz auf den Rat gehört, Pirat zu werden. Die Erkenntnis, dass auch dieser Weg nicht nur Vorteile hat, führt zum Ausruf "Werd Pirat...haben sie gesagt". Der Chorus ist ein echter Ohrwurm, der es sich sehr gemütlich in den Gehörgängen der Hörer macht. Viele fragen sich bestimmt, wo die eroberten und geraubten Schätze eines Piraten eigentlich so landen, nachdem er wieder im sicheren Hafen eingelaufen ist. "Alles verhurt, versoffen und verzockt" gibt schon im Titel die Antwort. Auf der Melodie von "All for me Grog" erzählt euch der "Captain", was außer dem eigenen Gold sonst noch diesen Weg gegangen ist. "Auf Kaperfahrt II" ist eine typische "am Morgen danach" Situation inklusive Kater und Filmriss. Als die Crew den Unrat entsorgen soll und die Erkenntnis folgt, dass der Unrat die Crew ist, geht es nahtlos mit "Gossencrew" weiter. Da gutes Personal schwer zu finden und dazu noch teuer ist, holt man sich eben ran, was die Gosse so zu bieten hat. Da wird ein Blinder ins Krähennest gesetzt, während ein Pferdemetzger zum Schiffsarzt ernannt wird - was kann da schon schief gehen? Die Antwort wird im Lauf des Liedes direkt mitgeliefert. Passend zu den Anspielungen fehlt eigentlich nur ein kurzer Auftritt von Knasterbart, die zurück in die Gosse wollen. "Tinte in der Haut" gehört zum Piratenleben dazu, wie das Salz in die Meere. So wundert es niemanden, dass auch ein Lied über Tattoos den Weg aufs Album gefunden hat, bei dem es diesmal recht ruhig zugeht. Was es da so für Motive zu entdecken gibt, erzählt "Captain" McHeightz ausführlich. "Die Rote aus Galway Bay" basiert auf der bekannten Melodie von "Star of the County Down". Die Geschichte einer rothaarigen Piratin ist schwungvoll erzählt und beim Akkordeonsolo mit der Melodie von "Cooley's Reel" kann man auch mal gut gelaunt das (Holz)Tanzbein schwingen.



Dass "Captain" McHeightz sich seine Inspiration an den verschiedensten Orten sucht, beweist die flotte Dixielandnummer "In den Nebelheymer Gassen". Tales of Nebelheym haben auf ihrem Album "Chapter 2 - The Way Ahead" ein Lied namens "Brothel Of The Blazing". Was der "Captain" dort so erlebt, hat für einige Lacher und das ein oder andere gedankliche "UIUIUI" gesorgt. Um den Text vollständig zu hören, musste ich das Lied allerdings mehrfach abspielen, da die Melodie und der Rhythmus zu sehr zum Tanzen eingeladen haben. "Auf Kaperfahrt III" ist dann genau die richtige Gelegenheit, wieder durchzuatmen. Beim Durchzählen der Mannschaft fällt auf, dass ein Crewmitglied zu viel an Bord ist. Dieses erweist sich als der Sensenmann höchstpersönlich. "Wir segeln mit dem Tod" lässt dann nicht nur Piraten aufhorchen, sondern auch Fans des amerikanischen Wrestlers The Undertaker. Die weltbekannte Melodie seines Wrestlingthemes (basierend auf den „Marche funèbre“ (Trauermarsch) von Chopin), passt aber auch perfekt zur Thematik. Allerdings hätte der Tod wahrscheinlich nicht damit gerechnet, dass er zu Arbeiten an Bord und noch vielen anderen Dingen verdonnert wird, da er als blinder Passagier betrachtet wird. Am Ende weigert sich der Tod auch nur einen der Crew zu holen, weil keiner die Ewigkeit mit ihnen aushalten würde. Mit dem "Galgengang" ändert sich die Stimmung von fröhlich und belustigt schlagartig zu melancholisch und düster. Denn am Galgen hängen Personen, die dem "Captain" sehr nahegestanden haben und deren Tod ihn hörbar mitnimmt. Hier merkt man, dass der "Captain" auch in emotionalen Situationen sehr authentisch wirkt. Selbst die Zeichnung im Booklet ist düster und schenkt keinen Trost. "Carpe Noctem" (Nutze die Nacht) könnte direkt aus einem der Fluch der Karibik Filme stammen. Kräftige Trommeln und Orgelklänge erzeugen eine gruselige Stimmung, die perfekt zum Text passt, bis der untote Kapitän sein letztes Versprechen vor seinem Tod wiederholt und zwar allen einen auszugeben. Plötzlich steckt man in einer schnellen Partynummer, bei der kein Untoter still sitzen bleibt. Das E-Gitarrensolo kommt unerwartet, klingt dafür aber sehr gut und fügt sich perfekt ins Lied ein. Erst bei Sonnenuntergang wird das Fest beendet, die Zeche bleibt natürlich unbezahlt. Mit "Nie mehr Drunken Sailor"  und der bekannten Melodie vom "Drunken Sailor" ist dann das Ende der ersten CD erreicht. Wie man dem Titel schon entnehmen kann, soll immer wieder "Drunken Sailor" gespielt werden, was dem "Captain" allerdings aus den Ohren heraushängt, weshalb er sich stark dagegen wehrt. Natürlich endet es darin, dass der Titel aufgrund gewisser Umstände dann doch gespielt wird.



Mit "Auf Kaperfahrt IV" starten wir mit einem lauten KABOOM in die zweite CD und bekommen mit "Volle Breitseite" den passenden Titel direkt hinterher. Auch hier wird musikalisch direkt wieder ordentlich Gas gegeben und aus allen Rohren geschossen, denn so trifft auch eine betrunkene Crew mal das Ziel. Doch auch beim Trinken und bei den Damen, ist "Volle Breitseite", die Standardoption von "Captain" MacHeightz und seiner Crew. Der kreative Einbau von Wagners Walkürenritt kommt unerwartet. Hier wird auch schon das "Tortuga Inn" angesprochen, auf das im gleichnamigen Folgetitel genauer eingegangen wird. "Tortuga Inn" wird Fans der "Monkey Island" Spiele gefallen, da es wie eine Hommage an den Spielsoundtrack klingt. Das feuchtfröhliche Lied lädt zum entspannten Trinken ein, bei dem mal die Seele statt eines Piraten im Wind baumeln darf.  Ähnlich wie bei "Carpe Noctem" wird bei "Voodoo Island" erst eine düstere Atmosphäre aufgebaut. Doch auch hier ist nicht alles so, wie es der erste Eindruck vermitteln mag, denn "Voodoo Island" ist durch Tourismus nicht mehr das, was es einmal war. Wer schon länger in der Mittelalterszene unterwegs ist, könnte in dem Lied auch Kritik an durch "Touris" überrannte Veranstaltungen heraushören. Ein Glockenspiel leitet "Spiel ein letztes Lied von Mary" ein. Die düstere und traurige Geschichte von Mary zeigt erneut, dass "Captain" McHeightz viele unterschiedliche Emotionen glaubhaft darstellen kann, wodurch "Spiel ein letztes Lied von Mary" für die ein oder andere Gänsehaut sorgt. "Auf Kaperfahrt V" setzt die Hörspielgeschichte mit der Lektion fort, dass man auch auf dem Meer nicht auf seine Vor(see)fahrt bestehen sollte, vor allem wenn die Royal Navy in der Nähe ist. Da die Crew dann auch noch "Unter falscher Flagge" unterwegs war, geht es thematisch direkt entsprechend weiter. Mit falschen Flaggen und enorm guter Laune schunkelt man sich durch ein sehr partytaugliches Piratenlied, bei dem der Jolly Roger durch die Luft gewirbelt werden darf. Die "Küstenschipper" kommen im rockigen Bluesgewand mit E-Gitarre und Mundharmonika daher und erinnern ein wenig an den Stil von Torfrock. Auch der Text könnte durchaus von den norddeutschen Rockern stammen und ist besticht durch viel Charme und Humor. Wer hier keine Lust auf ein kühles Bier und ein wenig Headbangen Lust bekommt, hat einfach keinen Blues im Blut.



Eine weitere Ballade folgt mit "Priester und Pirat", in dem der Chorus auf der Melodie von "Rolling down to old Maui" basiert. Vor der Vollstreckung seines Todes durch den Galgen, erzählt der Verurteilte einem Priester seine tragische Lebensgeschichte, die dieser nach dem Tod des Mannes niederschreibt. Wie schon Feuerschwanz nutzt auch "Captain" McHeightz den bekannten Schandmaul Songtitel "Herren der Winde" dafür, um Winde der anderen Art anzusprechen. Im Gegensatz zu Feuerschwanz, wurde hier aber eigenes Stück komponiert, statt einfach nur den Text zu ändern. Das Ergebnis dürfte ähnlich riechen, klingt aber origineller und um ein Schmunzeln kommt man auch nicht herum. Das Intro von "Tortuga" ist wieder etwas für die Nerds, zu denen der "Captain" auch selbst gehört, da es an viele alte Computerspiele erinnert. Die Melodie bleibt dann auch unauffällig im Hintergrund eingebaut, während es im Text typisch piratisch zugeht und "Tortuga" als Ort voller normaler Leute gefeiert wird. Für Alestorm Fans ist Tortuga DER Song, den sie sich auf jeden Fall anhören sollten. Im letzten Hörspielkapitel "Auf Kaperfahrt VI" erfährt man mehr Hintergründe zur Geschichte des "Captains", die hier nicht verraten werden. Dafür gibt es einige schöne Easter Eggs, die für ein Grinsen sorgen. Bei "Cutthroat Island" würden bei einem Film sehr wahrscheinlich die Credits über den Screen rollen, denn es klingt schon sehr nach einem Song, der gezielt für den Abspann geschrieben worden ist. Eine sehr schöne rockige Nummer mit Blues im Sound, die viel Spaß macht. Den wirklichen Abschluss gibt es mit "Dunkle Tage in Port Royal". Mit diesem Tango tanzt man dem Ende des Albums entgegen, während der "Captain" sich an alte Zeiten erinnert, die nicht zurückkehren werden. Ein sehr stilvoller Abschied, den man nicht nur einmal anhören mag. Doch was hört man da? Es folgt noch ein Song, der irgendwie bekannt klingt, aber von "Kartoffeln" handelt. Tatsächlich gibt es nämlich noch einen Bonussong im Stil von Rammstein. Harte Gitarren, Synthiesound und rollende R's - wer Rammstein mag, wird auch dieses Lied mögen. Darauf erstmal eine Tüte Pommes - Palim, palim!



Wenn man das Album zum ersten Mal in den Händen hält, weiß man nicht, was man erwarten soll. Das Hardcover-Buch mit der goldenen Aufschrift wirkt zwar edel, könnte so aber auch auf einer Kirchenbank liegen. Wenn man es dann aufschlägt und die Texte und vor allem die Zeichnungen auf sich wirken lässt, erkennt man nach und nach, wie liebevoll und aufwändig "Werd Pirat...haben sie gesagt" gestaltet wurde, ohne auch nur ein Lied gehört zu haben. Diese Liebe spiegelt sich auch im Sound wider, denn das Album klingt hervorragend und muss sich hinter keiner Produktion anderer Bands verstecken. "Captain" McHeightz und seine musikalischen Begleiter*innen haben wirklich hart abgeliefert und das Ergebnis ist wirklich hervorragend. Daumen hoch und ein großes Lob an alle Beteiligten.

Mein Fazit: "Werd Pirat...haben sie gesagt" ist ein Album, das auf drei Ebenen stattfindet, die zusammen ein großes Ganzes ergeben. Daher ist es auch gut, dass "Captain" McHeightz das Album auch nur im Hardcover anbietet und es nicht auf Streamingportalen hochgeladen hat. Das erreichte Publikum ist so kleiner, dafür weiß es zu schätzen, wie viel Arbeit und Liebe ins Album hineingeflossen sind. Die Sprecher im Hörspiel haben ihren Job wirklich gut gemacht und passen von Klang her auch super zu ihren Rollen. Je öfter man das Album hört, umso mehr Anspielungen und Seitenhiebe auf Kollegen und das Piratenleben findet man als normaler Hörer. Nerds werden sogar noch mehr Dinge finden, die sie für sich feiern werden. Für die Zeichnungen im Booklet zählt dies natürlich auch, denn die Liebe zum Detail ist grandios. Zum Glück ist der "Captain" schon mit der Produktion der Fortsezung seiner Geschichte beschäftigt, denn "Werd Pirat...haben sie gesagt" macht Lust auf mehr und Meer. Die Geschichte auf eine Bühne zu bringen wäre wahrscheinlich sehr schwierig, da die Anzahl der Beteiligten schon eine Herausforderung darstellt. Wenn man ein gesundes Kopflkino besitzt, wird man die passenden Bilder auch so schnell vor dem inneren Auge genießen können. Solltet ihr auf Bands wie Mr. Hurley & die Pulveraffen und Knasterbart stehen, seid ihr definitiv die Zielgruppe für dieses Album. Aber auch jeder Nerd mit einem Herz für Piraten wird viel Freude an diesem Album haben. 

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Release: 28. April 2024
Label: Eigenvertrieb
Laufzeit: ca. 133 Minuten


Tracklist:
CD 1:
01. Auf Kaperfahrt I
02. Hoch die Gläser
03. Werd Pirat…haben sie gesagt
04. Alles Verhurt, Versoffen und Verzockt
05. Auf Kaperfahrt II
06. Gossencrew
07. Die Rote aus Galway Bay
08. Tinte in der Haut
09. In den Nebelheymer Gassen
10. Auf Kaperfahrt III
11. Wir Segeln Mit Dem Tod
12. Galgengang
13. Carpe Noctem
14. Nie mehr Drunken Sailor
CD 2:
01. Auf Kaperfahrt IV
02. Volle Breitseite
03. Tortuga Inn
04. Voodoo Island
05. Spiel ein letztes Lied von Mary
06. Auf Kaperfahrt V
07. Unter falscher Flagge
08. Küstenschipper
09. Priester und Pirat
10. Herren der Winde
11. Tortuga
12. Auf Kaperfahrt VI
13. Cutthroat Island
14. Dunkle Tage in Port Royal
15. Kartoffeln (Bonus)


Facebook - Hier und unter michael_heitz[aet]t-online.de kann man das Album direkt beim "Captain" bestellen. (25€ + Versandkosten)
Youtube


Beteiligte Musiker/innen:
Michael Heitz: Gesang
Michael H.: Akustik- und E-Gitarre, Mandoline & Banjo
Wayne Beselt: E-Gitarre
Roman Beselt: Geige
M. Heitz: Akkordeon & Klavier
Le Compte Caspar: Klarinette
M. Heitz: Bass, Flöten & Mundharmonikas
Teddy Nadj: Gesang (In den Nebelheymer Gassen)
Sophia Partsos: Weiblicher Gesang
Mr. John Kanaka: Gesang (Nie mehr Drunken Sailor)
Mr.H.: Drums &Percussion
Hörspielsprecher/innen (In Reihenfolge des Erscheinens):
Thorsten Senger als Der ruhige Roger
Mr. John Kanaka als Der Wirt
Teddy Nadj als Old Gerrish
Michael Heitz als "Captain" McHeightz
Roman Beselt als Gevatter Tod
Sebastian Barwinek als Blackbeard
Marc Maurer als Captain Robert Gilbert
Sophia Partsos als Leutnant Bläserich
Christian Reiter als Tourist


Michael Heitz alias "Captain" McHeightz hat über mehrere Jahre musikalische Ideen gesammelt, komponiert und gelegentlich bei Sessions live gespielt. Als es dazu kam, dass aus gelegentlichen Kompositionen immer mehr Lieder entstanden sind, wurde der Gedanke an eine CD geboren. Was als kleines Album mit acht Liedern geplant war, entwickelte sich letztendlich zu dem hier vorliegenen Werk, das weit mehr als nur ein Doppelalbum geworden ist. Zur Musik kam ein Hörspiel und um alles perfekt zu machen, kamen noch Zeichnungen ins Booklet, die im typischen Comicstil von Michael Heitz dafür sorgen, dass die Geschichten auch optisch miterzählt werden können. Wie persönlich das Album tatsächlich geworden ist, erkennt man durch Easter Eggs, die aus den verschiedensten Interessensbereichen von Michael Heitz stammen. Bevor ich nun also in das Album eintauche, möchte ich kurz die Hörspielkapitel ansprechen. Ich werde die Geschichte des Hörspiels nicht zu hart spoilern, denn es wäre eine Schande, würde ich euch zu viel verraten. Wer wirklich alle Details erfahren möchte, kommt um den Kauf des Albums nicht herum, da auch das Booklet und die enthaltenen Zeichnungen Teil der Geschichte von "Captain" McHeightz sind. 

Los geht es mit dem ersten Hörspielkapitel "Auf Kaperfahrt I", in dem wir die ersten Rollen des Hörspiels kennenlernen, zwischen denen es auch direkt zu einer kleinen Schlägerei kommt. Gerüchte um "Captain" McHeightz machen die Runde, bis dieser persönlich in Erscheinung tritt. Anschließend heißt es "Hoch die Gläser", eine Aufforderung, der man nur zu gerne nachkommt. Der flotte Beat und die eingängige Melodie machen gute Laune und so erhebt man gern die Gläser auf Freunde, Gold, Fortuna (die größte Hure von allen) und auf viele weitere Dinge. Während Mr. Hurley & die Pulveraffen auffordern, zur Marine zu gehen, hat "Captain" McHeightz auf den Rat gehört, Pirat zu werden. Die Erkenntnis, dass auch dieser Weg nicht nur Vorteile hat, führt zum Ausruf "Werd Pirat...haben sie gesagt". Der Chorus ist ein echter Ohrwurm, der es sich sehr gemütlich in den Gehörgängen der Hörer macht. Viele fragen sich bestimmt, wo die eroberten und geraubten Schätze eines Piraten eigentlich so landen, nachdem er wieder im sicheren Hafen eingelaufen ist. "Alles verhurt, versoffen und verzockt" gibt schon im Titel die Antwort. Auf der Melodie von "All for me Grog" erzählt euch der "Captain", was außer dem eigenen Gold sonst noch diesen Weg gegangen ist. "Auf Kaperfahrt II" ist eine typische "am Morgen danach" Situation inklusive Kater und Filmriss. Als die Crew den Unrat entsorgen soll und die Erkenntnis folgt, dass der Unrat die Crew ist, geht es nahtlos mit "Gossencrew" weiter. Da gutes Personal schwer zu finden und dazu noch teuer ist, holt man sich eben ran, was die Gosse so zu bieten hat. Da wird ein Blinder ins Krähennest gesetzt, während ein Pferdemetzger zum Schiffsarzt ernannt wird - was kann da schon schief gehen? Die Antwort wird im Lauf des Liedes direkt mitgeliefert. Passend zu den Anspielungen fehlt eigentlich nur ein kurzer Auftritt von Knasterbart, die zurück in die Gosse wollen. "Tinte in der Haut" gehört zum Piratenleben dazu, wie das Salz in die Meere. So wundert es niemanden, dass auch ein Lied über Tattoos den Weg aufs Album gefunden hat, bei dem es diesmal recht ruhig zugeht. Was es da so für Motive zu entdecken gibt, erzählt "Captain" McHeightz ausführlich. "Die Rote aus Galway Bay" basiert auf der bekannten Melodie von "Star of the County Down". Die Geschichte einer rothaarigen Piratin ist schwungvoll erzählt und beim Akkordeonsolo mit der Melodie von "Cooley's Reel" kann man auch mal gut gelaunt das (Holz)Tanzbein schwingen.



Dass "Captain" McHeightz sich seine Inspiration an den verschiedensten Orten sucht, beweist die flotte Dixielandnummer "In den Nebelheymer Gassen". Tales of Nebelheym haben auf ihrem Album "Chapter 2 - The Way Ahead" ein Lied namens "Brothel Of The Blazing". Was der "Captain" dort so erlebt, hat für einige Lacher und das ein oder andere gedankliche "UIUIUI" gesorgt. Um den Text vollständig zu hören, musste ich das Lied allerdings mehrfach abspielen, da die Melodie und der Rhythmus zu sehr zum Tanzen eingeladen haben. "Auf Kaperfahrt III" ist dann genau die richtige Gelegenheit, wieder durchzuatmen. Beim Durchzählen der Mannschaft fällt auf, dass ein Crewmitglied zu viel an Bord ist. Dieses erweist sich als der Sensenmann höchstpersönlich. "Wir segeln mit dem Tod" lässt dann nicht nur Piraten aufhorchen, sondern auch Fans des amerikanischen Wrestlers The Undertaker. Die weltbekannte Melodie seines Wrestlingthemes (basierend auf den „Marche funèbre“ (Trauermarsch) von Chopin), passt aber auch perfekt zur Thematik. Allerdings hätte der Tod wahrscheinlich nicht damit gerechnet, dass er zu Arbeiten an Bord und noch vielen anderen Dingen verdonnert wird, da er als blinder Passagier betrachtet wird. Am Ende weigert sich der Tod auch nur einen der Crew zu holen, weil keiner die Ewigkeit mit ihnen aushalten würde. Mit dem "Galgengang" ändert sich die Stimmung von fröhlich und belustigt schlagartig zu melancholisch und düster. Denn am Galgen hängen Personen, die dem "Captain" sehr nahegestanden haben und deren Tod ihn hörbar mitnimmt. Hier merkt man, dass der "Captain" auch in emotionalen Situationen sehr authentisch wirkt. Selbst die Zeichnung im Booklet ist düster und schenkt keinen Trost. "Carpe Noctem" (Nutze die Nacht) könnte direkt aus einem der Fluch der Karibik Filme stammen. Kräftige Trommeln und Orgelklänge erzeugen eine gruselige Stimmung, die perfekt zum Text passt, bis der untote Kapitän sein letztes Versprechen vor seinem Tod wiederholt und zwar allen einen auszugeben. Plötzlich steckt man in einer schnellen Partynummer, bei der kein Untoter still sitzen bleibt. Das E-Gitarrensolo kommt unerwartet, klingt dafür aber sehr gut und fügt sich perfekt ins Lied ein. Erst bei Sonnenuntergang wird das Fest beendet, die Zeche bleibt natürlich unbezahlt. Mit "Nie mehr Drunken Sailor"  und der bekannten Melodie vom "Drunken Sailor" ist dann das Ende der ersten CD erreicht. Wie man dem Titel schon entnehmen kann, soll immer wieder "Drunken Sailor" gespielt werden, was dem "Captain" allerdings aus den Ohren heraushängt, weshalb er sich stark dagegen wehrt. Natürlich endet es darin, dass der Titel aufgrund gewisser Umstände dann doch gespielt wird.



Mit "Auf Kaperfahrt IV" starten wir mit einem lauten KABOOM in die zweite CD und bekommen mit "Volle Breitseite" den passenden Titel direkt hinterher. Auch hier wird musikalisch direkt wieder ordentlich Gas gegeben und aus allen Rohren geschossen, denn so trifft auch eine betrunkene Crew mal das Ziel. Doch auch beim Trinken und bei den Damen, ist "Volle Breitseite", die Standardoption von "Captain" MacHeightz und seiner Crew. Der kreative Einbau von Wagners Walkürenritt kommt unerwartet. Hier wird auch schon das "Tortuga Inn" angesprochen, auf das im gleichnamigen Folgetitel genauer eingegangen wird. "Tortuga Inn" wird Fans der "Monkey Island" Spiele gefallen, da es wie eine Hommage an den Spielsoundtrack klingt. Das feuchtfröhliche Lied lädt zum entspannten Trinken ein, bei dem mal die Seele statt eines Piraten im Wind baumeln darf.  Ähnlich wie bei "Carpe Noctem" wird bei "Voodoo Island" erst eine düstere Atmosphäre aufgebaut. Doch auch hier ist nicht alles so, wie es der erste Eindruck vermitteln mag, denn "Voodoo Island" ist durch Tourismus nicht mehr das, was es einmal war. Wer schon länger in der Mittelalterszene unterwegs ist, könnte in dem Lied auch Kritik an durch "Touris" überrannte Veranstaltungen heraushören. Ein Glockenspiel leitet "Spiel ein letztes Lied von Mary" ein. Die düstere und traurige Geschichte von Mary zeigt erneut, dass "Captain" McHeightz viele unterschiedliche Emotionen glaubhaft darstellen kann, wodurch "Spiel ein letztes Lied von Mary" für die ein oder andere Gänsehaut sorgt. "Auf Kaperfahrt V" setzt die Hörspielgeschichte mit der Lektion fort, dass man auch auf dem Meer nicht auf seine Vor(see)fahrt bestehen sollte, vor allem wenn die Royal Navy in der Nähe ist. Da die Crew dann auch noch "Unter falscher Flagge" unterwegs war, geht es thematisch direkt entsprechend weiter. Mit falschen Flaggen und enorm guter Laune schunkelt man sich durch ein sehr partytaugliches Piratenlied, bei dem der Jolly Roger durch die Luft gewirbelt werden darf. Die "Küstenschipper" kommen im rockigen Bluesgewand mit E-Gitarre und Mundharmonika daher und erinnern ein wenig an den Stil von Torfrock. Auch der Text könnte durchaus von den norddeutschen Rockern stammen und ist besticht durch viel Charme und Humor. Wer hier keine Lust auf ein kühles Bier und ein wenig Headbangen Lust bekommt, hat einfach keinen Blues im Blut.



Eine weitere Ballade folgt mit "Priester und Pirat", in dem der Chorus auf der Melodie von "Rolling down to old Maui" basiert. Vor der Vollstreckung seines Todes durch den Galgen, erzählt der Verurteilte einem Priester seine tragische Lebensgeschichte, die dieser nach dem Tod des Mannes niederschreibt. Wie schon Feuerschwanz nutzt auch "Captain" McHeightz den bekannten Schandmaul Songtitel "Herren der Winde" dafür, um Winde der anderen Art anzusprechen. Im Gegensatz zu Feuerschwanz, wurde hier aber eigenes Stück komponiert, statt einfach nur den Text zu ändern. Das Ergebnis dürfte ähnlich riechen, klingt aber origineller und um ein Schmunzeln kommt man auch nicht herum. Das Intro von "Tortuga" ist wieder etwas für die Nerds, zu denen der "Captain" auch selbst gehört, da es an viele alte Computerspiele erinnert. Die Melodie bleibt dann auch unauffällig im Hintergrund eingebaut, während es im Text typisch piratisch zugeht und "Tortuga" als Ort voller normaler Leute gefeiert wird. Für Alestorm Fans ist Tortuga DER Song, den sie sich auf jeden Fall anhören sollten. Im letzten Hörspielkapitel "Auf Kaperfahrt VI" erfährt man mehr Hintergründe zur Geschichte des "Captains", die hier nicht verraten werden. Dafür gibt es einige schöne Easter Eggs, die für ein Grinsen sorgen. Bei "Cutthroat Island" würden bei einem Film sehr wahrscheinlich die Credits über den Screen rollen, denn es klingt schon sehr nach einem Song, der gezielt für den Abspann geschrieben worden ist. Eine sehr schöne rockige Nummer mit Blues im Sound, die viel Spaß macht. Den wirklichen Abschluss gibt es mit "Dunkle Tage in Port Royal". Mit diesem Tango tanzt man dem Ende des Albums entgegen, während der "Captain" sich an alte Zeiten erinnert, die nicht zurückkehren werden. Ein sehr stilvoller Abschied, den man nicht nur einmal anhören mag. Doch was hört man da? Es folgt noch ein Song, der irgendwie bekannt klingt, aber von "Kartoffeln" handelt. Tatsächlich gibt es nämlich noch einen Bonussong im Stil von Rammstein. Harte Gitarren, Synthiesound und rollende R's - wer Rammstein mag, wird auch dieses Lied mögen. Darauf erstmal eine Tüte Pommes - Palim, palim!



Wenn man das Album zum ersten Mal in den Händen hält, weiß man nicht, was man erwarten soll. Das Hardcover-Buch mit der goldenen Aufschrift wirkt zwar edel, könnte so aber auch auf einer Kirchenbank liegen. Wenn man es dann aufschlägt und die Texte und vor allem die Zeichnungen auf sich wirken lässt, erkennt man nach und nach, wie liebevoll und aufwändig "Werd Pirat...haben sie gesagt" gestaltet wurde, ohne auch nur ein Lied gehört zu haben. Diese Liebe spiegelt sich auch im Sound wider, denn das Album klingt hervorragend und muss sich hinter keiner Produktion anderer Bands verstecken. "Captain" McHeightz und seine musikalischen Begleiter*innen haben wirklich hart abgeliefert und das Ergebnis ist wirklich hervorragend. Daumen hoch und ein großes Lob an alle Beteiligten.

Mein Fazit: "Werd Pirat...haben sie gesagt" ist ein Album, das auf drei Ebenen stattfindet, die zusammen ein großes Ganzes ergeben. Daher ist es auch gut, dass "Captain" McHeightz das Album auch nur im Hardcover anbietet und es nicht auf Streamingportalen hochgeladen hat. Das erreichte Publikum ist so kleiner, dafür weiß es zu schätzen, wie viel Arbeit und Liebe ins Album hineingeflossen sind. Die Sprecher im Hörspiel haben ihren Job wirklich gut gemacht und passen von Klang her auch super zu ihren Rollen. Je öfter man das Album hört, umso mehr Anspielungen und Seitenhiebe auf Kollegen und das Piratenleben findet man als normaler Hörer. Nerds werden sogar noch mehr Dinge finden, die sie für sich feiern werden. Für die Zeichnungen im Booklet zählt dies natürlich auch, denn die Liebe zum Detail ist grandios. Zum Glück ist der "Captain" schon mit der Produktion der Fortsezung seiner Geschichte beschäftigt, denn "Werd Pirat...haben sie gesagt" macht Lust auf mehr und Meer. Die Geschichte auf eine Bühne zu bringen wäre wahrscheinlich sehr schwierig, da die Anzahl der Beteiligten schon eine Herausforderung darstellt. Wenn man ein gesundes Kopflkino besitzt, wird man die passenden Bilder auch so schnell vor dem inneren Auge genießen können. Solltet ihr auf Bands wie Mr. Hurley & die Pulveraffen und Knasterbart stehen, seid ihr definitiv die Zielgruppe für dieses Album. Aber auch jeder Nerd mit einem Herz für Piraten wird viel Freude an diesem Album haben. 

]]> https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=892 Sun, 11 Jan 2026 14:29:17 +0100 https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=892


Release: 09. Januar 2026
Label: Küstenkind Records


Tracklist:
01. Der Tag mag kommen
02. Klabauterfrau
03. Falscher Leuchtturm feat. Madsen
04. Eingenordet
05. Dans op de Deel
06. Krug voll Mondenschein
07. Die halbe Welt
08. Ein neuer Morgen
09. Theaterliebe
10. Klopapier
11. Die Gonger kommen
12. Erde
13. Zwei Raben


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Versengold sind:
Malte Hoyer: Gesang & Flöte
Alexander Willms: Nyckelharpa, Violine & Concertina
Florian Janoske: Violine & Mandoline
Daniel Gregory: Gitarre
Eike Otten: Bass
Sean Lang: Schlagzeug & Klavier
Gastmusiker/innen:
Sebastian Madsen: Gesang (Falscher Leuchtturm)
Hauke Horst Rüdiger Ludwig Quaer: Saxophone (Klopapier)
Felix Nolte: Trompete (Klopapier)


Versengold haben mit "Eingenordet" ihr zehntes Studioalbum veröffentlicht und zeigen erneut, dass man modernen Folkrock machen kann, ohne die eigenen Wurzeln zu vergessen. Die 13 neuen Songs nehmen die Hörer mit auf eine spannende Reise, auf der man nicht nur tanzen und feiern kann. Denn wie immer erfährt man auch viel über Dinge, die Versengold in den letzten Monaten beschäftigt haben.

Mit "Der Tag mag kommen" gibt es direkt einen sehr starken Einstieg ins Album. Die flotte Folkrocknummer fordert nicht nur auf, im Hier und Jetzt zu leben, sie kann auch als Motivationslied dienen, um Sorgen und Probleme nicht zum täglichen Hauptthema werden zu lassen. Der im Chor gesungene Refrain klingt selbst aus dem Studio schon sehr energiegeladen und Sean verleiht dem ganzen am Schlagzeug auch noch ordentlich Druck. Die "Klabauterfrau" ist bereits seit Juli 2025 als Single veröffentlicht worden, wodurch das Lied nun nicht mehr so ganz frisch wirkt. Rhythmus und Melodie eigenen sich gut zum Feiern und der Text ist schnell gelernt. Nicht tiefgründig, aber für gute Laune und Spaß beim Zuhören und Singen sorgt die Nummer auf jedem Fall. Wer lieber Texte hört, die eine tiefere Bedeutung haben, wird bei "Falscher Leuchtturm" voll mitgenommen. Falsch entzündete Leuchtfeuer wurden früher dafür genutzt, um Schiffe in eine Falle zu locken. Versengold beschreiben mit dem Symbol des falschen Leuchtturms Personen, die andere Menschen täuschen wollen und warnen vor diesen "Lichtgestalten", die man zur Zeit überall auf der Welt findet. Weiter geht es mit dem Titellied des Albums "Eingenordet". Schlagzeug und Bass bilden hier den Grundstein für ein Lied, bei dem live vor der Bühne auf jeden Fall gefeiert wird. Passend zur Liebeserklärung an den Norden geht es dann mit "Dans op de Deel" weiter. Den plattdeutschen Text versteht man vielleicht nicht beim ersten Mal vollständig, aber das wird mit jedem Durchgang einfacher. Versengold selbst haben gesagt, dass Flos Violinenspiel an "Cotton Eye Joe" von Rednex erinnert und dieser Vergleich passt tatsächlich. Es ist schade, dass es nicht einen zusätzlichen instrumentalen zweiten Teil gibt, wie Versengold es schon bei anderen Liedern gemacht haben, denn rein von der Spielzeit her wäre der Platz dafür auf dem Album vorhanden. 

Nach den sehr temporeichen Liedern kommt die erste Ballade des Albums genau richtig, um durchzuatmen. "Krug voll Mondenschein" ist eine dieser typischen Versengoldballaden, bei der man direkt eine Gänsehaut bekommt. Schon bei den ersten Gitarrenklängen taucht man in die melancholische Atmosphäre des Liedes ein - ein großes Lob an Dan an dieser Stelle. Malte hat hier einen seiner besten Texte abgeliefert und sein gefühlvoller Gesang erzählt die Geschichte des Liedes wunderschön.Der besungene Mondenschein ist der rotwelsche Begriff für "nichts", der zum Beispiel für eine leere Truhe benutzt worden ist, die dann entsprechend Mondenschein enthielt. Da es in "Krug voll Mondenschein" um Vergänglichkeit geht, hat Malte diesen Begriff in den Text eingebaut. Nach der kurzen Atempause geben Versengold direkt wieder Vollgas. Während andere Bands einen harten Kurs gegen Rechts fahren - Mr. Hurley & die Pulveraffen sind ein sehr gutes Beispiel - gehen Versengold einen anderen Weg. Vielleicht ist "Die halbe Welt" ein wenig übertrieben, was die familiären Verbindungen angeht, aber die Hand zum Gespräch zu reichen anstatt anders Gesinnte sofort auszuschließen und zu beleidigen, ist ein Ansatz, über den man mal nachdenken sollte. "Ein neuer Morgen" ist für mich ein wenig unstimmig, was Text und Gesang angeht, denn irgendwie hätte Malte mehr Gefühl in seine Stimme einbringen können. Nicht dass es schlecht klingen würde, denn die Melodie ist wirklich schön, der Funke mag trotzdem nicht so ganz überspringen. Bei "Theaterliebe" geht es um Situationen, bei denen man sich selbst schon ein gedankliches Bild und Erwartungen aufbaut, wie sich die Begegnung mit einem Menschen entwickeln kann und wie es dann wirklich stattfindet. Musikalisch sehr stark und der Text ist auch sehr gelungen, der Chorus braucht aber ein wenig, bis er wirklich zündet. Richtig stark geht es dann mit "Klopapier" weiter, denn man hat immer Personen um sich herum, deren Name sich auf einer Rolle Klopapier sehr gut machen würde. Schon beim Lesen des Titels musste ich an Maltes Projekt Rummel Racke denken und der Text wurde auf dem Album "Liebe auf den ersten Schluck" tatsächlich schon einmal musikalisch verarbeitet. Die Versengoldversion ist um einiges schneller und klingt sehr gut, an den Charme der Rummel Rackeversion kommt sie aber nicht ran. Da ist es einfach Geschmackssache, welche man lieber hört. 

Dass Versengold Legenden und Mythen des Norden in ihren Liedern erzählen, ist ihren Fans bestens bekannt und "Die Gonger kommen" reiht sich wunderbar in diese Erzählungen ein. Der Gonger ist eine nordfriesische Sagengestalt, die als Wiedergänger erscheint, wenn jemand im Watt unschuldig ermordet wurde und dessen Geist über längere Zeit nach Gerechtigkeit verlangt. Versengold vermitteln sehr gut, wie eine Sichtung dieser Gestalt sich anfühlen würde, auch wenn sie die Gonger etwas anders beschreiben. Hier hört man auch die hervorragende Arbeit beim Mastering des Albums heraus, denn jedes Instrument ist perfekt in Szene gesetzt und aus dem Mix herauszuhören. "Erde" erinnert mich vom Arrangement an einige Lieder aus älteren Versengoldalben. Thematisch geht es um den Kreislauf des Lebens und das ein Teil von uns niemals wirklich geht. Wer "Haut' mir kein Stein" und "Lautes Gedenken" kennt und mag, wird auch "Erde" sofort ins Herz schließen. Mit "Zwei Raben" ist auch schon das Ende des Albums erreicht. Langjährige Versengoldfans werden bei diesem Lied besonders aufhorchen. Ich musste sofort an das MPS und die vielen nächtlichen Feuer denken, denn "Zwei Raben" passt einfach perfekt in diese Atmosphäre hinein. Damit verlässt man "Eingenordet" mit einer Gänsehaut und der Vorfreude auf Konzerte und die nächste Nacht der Balladen, für die sich einige Lieder schon in der Studioversion anbieten.

Wer sich das Album in physischer Form als CD holt, bekommt wie immer noch etwas mehr, als nur die Musik. Ben Urban (HYGIN GRAPHIX) hat wieder einmal für ein wunderschönes Artwork gesorgt, welches "Eingenordet" auch optisch zu einem Genuss macht. Die Bilder von Thorben Ziegler runden das Ganze dann noch ab. Dass Versengold das Album nicht nur an einem Ort aufgenommen haben, sondern zum Beispiel im Farida Studio und FatCat Studio, hat der Qualität des Album in keiner Weise geschadet. Das Mastering von Robin Schmidt (24-96 Mastering) oder im Falle von "Falscher Leuchtturm" von Christoph Beyerlein (Seperate Sound Studio) ist ebenfalls makellos. Natürlich gibt es auch für "Eingenordet" eine limitierte Fanbox und diese sogar in verschiedenen Varianten. In jeder Box enthalten sind:

- "Eingenordet" CD im Digipack
- "Eingenordet" Emaille-Tasse
- 6 handsignierte Autogrammkarten
- "Eingenordet" Münze im Samt-Säckchen
- QR-Code, über den man das Making of Video anschauen kann
- Logbuch mit Einblicken in die Entstehung des Albums

Im Küstenkindshop gab es neben der normalen Fanbox noch eine bereits ausverkaufte Variante, die exklusiv einen Küstenkind Records Patch enthielt. Bei Amazon ist statt des Patches ein Magnet enthalten, der das Albumcover im Format der Fanbox darstellt. Die Box und alle Inhalte sind sehr hochwertig produziert worden und sehen dazu auch sehr schön aus. Damit ist die Box ein tolles Sammlerstück für alle Versengoldfans und die, die es werden möchten. Wer den Inhalt der Box genauer betrachten möchte, darf gern auf mein Instagram Profil gehen und dort nachschauen.




Mein Fazit: Versengold zeigen ein weiteres Mal, dass sie wahre Künstler darin sind, aktuelle Themen zu verarbeiten, ohne dabei den Spaß an ihrer Musik aus dem Auge zu verlieren. Dies liegt vor allem daran, dass sie in ihren Texten niemals versuchen, bestimmte Gruppen auszuschließen oder mit Nachdruck auf ihre Seite zu ziehen. Gleichzeitig fühlt und hört man, dass in jedem Lied das Herz und die Seele von Versengold stecken. Sie erzählen Geschichten, laden zum Feiern ein, regen hier und da auch zum Nachdenken an, und Balladen für die ein oder andere Gänsehaut sind auch vorhanden. Dadurch werden sowohl Fans der ersten Stunde mitgenommen als auch neue Hörer mit an Bord geholt. Für die kommende Festivalsaison ist jetzt schon vorhersehbar, dass laute Fanchöre zu den neuen Liedern erschallen werden. Die Kritik an einigen Liedern ist aufgrund der hohen Qualität des Albums fast schon Meckern auf höchstem Niveau. Insgesamt ist "Eingenordet" wieder ein hervorragendes Album, von dem ich kein Lied während des Anhörens wegdrücken würde. Versengold selbst singen, dass ihr Kompass nach Norden zeigt. Der Kurs für "Eingenordet" dürfte ohne Zweifel auch in Richtung der deutschen Albumcharts-Spitze stehen. Meine Anspieltipps sind "Der Tag mag kommen", "Falscher Leuchtturm", "Krug voll Mondenschein" und "Klopapier". Zuletzt wie immer der Hinweis, dass ihr die Band am Besten unterstützt, indem ihr euch das Album als CD holt und nicht nur streamt und wenn möglich auch zu Konzerten geht. 

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Release: 09. Januar 2026
Label: Küstenkind Records


Tracklist:
01. Der Tag mag kommen
02. Klabauterfrau
03. Falscher Leuchtturm feat. Madsen
04. Eingenordet
05. Dans op de Deel
06. Krug voll Mondenschein
07. Die halbe Welt
08. Ein neuer Morgen
09. Theaterliebe
10. Klopapier
11. Die Gonger kommen
12. Erde
13. Zwei Raben


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Versengold sind:
Malte Hoyer: Gesang & Flöte
Alexander Willms: Nyckelharpa, Violine & Concertina
Florian Janoske: Violine & Mandoline
Daniel Gregory: Gitarre
Eike Otten: Bass
Sean Lang: Schlagzeug & Klavier
Gastmusiker/innen:
Sebastian Madsen: Gesang (Falscher Leuchtturm)
Hauke Horst Rüdiger Ludwig Quaer: Saxophone (Klopapier)
Felix Nolte: Trompete (Klopapier)


Versengold haben mit "Eingenordet" ihr zehntes Studioalbum veröffentlicht und zeigen erneut, dass man modernen Folkrock machen kann, ohne die eigenen Wurzeln zu vergessen. Die 13 neuen Songs nehmen die Hörer mit auf eine spannende Reise, auf der man nicht nur tanzen und feiern kann. Denn wie immer erfährt man auch viel über Dinge, die Versengold in den letzten Monaten beschäftigt haben.

Mit "Der Tag mag kommen" gibt es direkt einen sehr starken Einstieg ins Album. Die flotte Folkrocknummer fordert nicht nur auf, im Hier und Jetzt zu leben, sie kann auch als Motivationslied dienen, um Sorgen und Probleme nicht zum täglichen Hauptthema werden zu lassen. Der im Chor gesungene Refrain klingt selbst aus dem Studio schon sehr energiegeladen und Sean verleiht dem ganzen am Schlagzeug auch noch ordentlich Druck. Die "Klabauterfrau" ist bereits seit Juli 2025 als Single veröffentlicht worden, wodurch das Lied nun nicht mehr so ganz frisch wirkt. Rhythmus und Melodie eigenen sich gut zum Feiern und der Text ist schnell gelernt. Nicht tiefgründig, aber für gute Laune und Spaß beim Zuhören und Singen sorgt die Nummer auf jedem Fall. Wer lieber Texte hört, die eine tiefere Bedeutung haben, wird bei "Falscher Leuchtturm" voll mitgenommen. Falsch entzündete Leuchtfeuer wurden früher dafür genutzt, um Schiffe in eine Falle zu locken. Versengold beschreiben mit dem Symbol des falschen Leuchtturms Personen, die andere Menschen täuschen wollen und warnen vor diesen "Lichtgestalten", die man zur Zeit überall auf der Welt findet. Weiter geht es mit dem Titellied des Albums "Eingenordet". Schlagzeug und Bass bilden hier den Grundstein für ein Lied, bei dem live vor der Bühne auf jeden Fall gefeiert wird. Passend zur Liebeserklärung an den Norden geht es dann mit "Dans op de Deel" weiter. Den plattdeutschen Text versteht man vielleicht nicht beim ersten Mal vollständig, aber das wird mit jedem Durchgang einfacher. Versengold selbst haben gesagt, dass Flos Violinenspiel an "Cotton Eye Joe" von Rednex erinnert und dieser Vergleich passt tatsächlich. Es ist schade, dass es nicht einen zusätzlichen instrumentalen zweiten Teil gibt, wie Versengold es schon bei anderen Liedern gemacht haben, denn rein von der Spielzeit her wäre der Platz dafür auf dem Album vorhanden. 

Nach den sehr temporeichen Liedern kommt die erste Ballade des Albums genau richtig, um durchzuatmen. "Krug voll Mondenschein" ist eine dieser typischen Versengoldballaden, bei der man direkt eine Gänsehaut bekommt. Schon bei den ersten Gitarrenklängen taucht man in die melancholische Atmosphäre des Liedes ein - ein großes Lob an Dan an dieser Stelle. Malte hat hier einen seiner besten Texte abgeliefert und sein gefühlvoller Gesang erzählt die Geschichte des Liedes wunderschön.Der besungene Mondenschein ist der rotwelsche Begriff für "nichts", der zum Beispiel für eine leere Truhe benutzt worden ist, die dann entsprechend Mondenschein enthielt. Da es in "Krug voll Mondenschein" um Vergänglichkeit geht, hat Malte diesen Begriff in den Text eingebaut. Nach der kurzen Atempause geben Versengold direkt wieder Vollgas. Während andere Bands einen harten Kurs gegen Rechts fahren - Mr. Hurley & die Pulveraffen sind ein sehr gutes Beispiel - gehen Versengold einen anderen Weg. Vielleicht ist "Die halbe Welt" ein wenig übertrieben, was die familiären Verbindungen angeht, aber die Hand zum Gespräch zu reichen anstatt anders Gesinnte sofort auszuschließen und zu beleidigen, ist ein Ansatz, über den man mal nachdenken sollte. "Ein neuer Morgen" ist für mich ein wenig unstimmig, was Text und Gesang angeht, denn irgendwie hätte Malte mehr Gefühl in seine Stimme einbringen können. Nicht dass es schlecht klingen würde, denn die Melodie ist wirklich schön, der Funke mag trotzdem nicht so ganz überspringen. Bei "Theaterliebe" geht es um Situationen, bei denen man sich selbst schon ein gedankliches Bild und Erwartungen aufbaut, wie sich die Begegnung mit einem Menschen entwickeln kann und wie es dann wirklich stattfindet. Musikalisch sehr stark und der Text ist auch sehr gelungen, der Chorus braucht aber ein wenig, bis er wirklich zündet. Richtig stark geht es dann mit "Klopapier" weiter, denn man hat immer Personen um sich herum, deren Name sich auf einer Rolle Klopapier sehr gut machen würde. Schon beim Lesen des Titels musste ich an Maltes Projekt Rummel Racke denken und der Text wurde auf dem Album "Liebe auf den ersten Schluck" tatsächlich schon einmal musikalisch verarbeitet. Die Versengoldversion ist um einiges schneller und klingt sehr gut, an den Charme der Rummel Rackeversion kommt sie aber nicht ran. Da ist es einfach Geschmackssache, welche man lieber hört. 

Dass Versengold Legenden und Mythen des Norden in ihren Liedern erzählen, ist ihren Fans bestens bekannt und "Die Gonger kommen" reiht sich wunderbar in diese Erzählungen ein. Der Gonger ist eine nordfriesische Sagengestalt, die als Wiedergänger erscheint, wenn jemand im Watt unschuldig ermordet wurde und dessen Geist über längere Zeit nach Gerechtigkeit verlangt. Versengold vermitteln sehr gut, wie eine Sichtung dieser Gestalt sich anfühlen würde, auch wenn sie die Gonger etwas anders beschreiben. Hier hört man auch die hervorragende Arbeit beim Mastering des Albums heraus, denn jedes Instrument ist perfekt in Szene gesetzt und aus dem Mix herauszuhören. "Erde" erinnert mich vom Arrangement an einige Lieder aus älteren Versengoldalben. Thematisch geht es um den Kreislauf des Lebens und das ein Teil von uns niemals wirklich geht. Wer "Haut' mir kein Stein" und "Lautes Gedenken" kennt und mag, wird auch "Erde" sofort ins Herz schließen. Mit "Zwei Raben" ist auch schon das Ende des Albums erreicht. Langjährige Versengoldfans werden bei diesem Lied besonders aufhorchen. Ich musste sofort an das MPS und die vielen nächtlichen Feuer denken, denn "Zwei Raben" passt einfach perfekt in diese Atmosphäre hinein. Damit verlässt man "Eingenordet" mit einer Gänsehaut und der Vorfreude auf Konzerte und die nächste Nacht der Balladen, für die sich einige Lieder schon in der Studioversion anbieten.

Wer sich das Album in physischer Form als CD holt, bekommt wie immer noch etwas mehr, als nur die Musik. Ben Urban (HYGIN GRAPHIX) hat wieder einmal für ein wunderschönes Artwork gesorgt, welches "Eingenordet" auch optisch zu einem Genuss macht. Die Bilder von Thorben Ziegler runden das Ganze dann noch ab. Dass Versengold das Album nicht nur an einem Ort aufgenommen haben, sondern zum Beispiel im Farida Studio und FatCat Studio, hat der Qualität des Album in keiner Weise geschadet. Das Mastering von Robin Schmidt (24-96 Mastering) oder im Falle von "Falscher Leuchtturm" von Christoph Beyerlein (Seperate Sound Studio) ist ebenfalls makellos. Natürlich gibt es auch für "Eingenordet" eine limitierte Fanbox und diese sogar in verschiedenen Varianten. In jeder Box enthalten sind:

- "Eingenordet" CD im Digipack
- "Eingenordet" Emaille-Tasse
- 6 handsignierte Autogrammkarten
- "Eingenordet" Münze im Samt-Säckchen
- QR-Code, über den man das Making of Video anschauen kann
- Logbuch mit Einblicken in die Entstehung des Albums

Im Küstenkindshop gab es neben der normalen Fanbox noch eine bereits ausverkaufte Variante, die exklusiv einen Küstenkind Records Patch enthielt. Bei Amazon ist statt des Patches ein Magnet enthalten, der das Albumcover im Format der Fanbox darstellt. Die Box und alle Inhalte sind sehr hochwertig produziert worden und sehen dazu auch sehr schön aus. Damit ist die Box ein tolles Sammlerstück für alle Versengoldfans und die, die es werden möchten. Wer den Inhalt der Box genauer betrachten möchte, darf gern auf mein Instagram Profil gehen und dort nachschauen.




Mein Fazit: Versengold zeigen ein weiteres Mal, dass sie wahre Künstler darin sind, aktuelle Themen zu verarbeiten, ohne dabei den Spaß an ihrer Musik aus dem Auge zu verlieren. Dies liegt vor allem daran, dass sie in ihren Texten niemals versuchen, bestimmte Gruppen auszuschließen oder mit Nachdruck auf ihre Seite zu ziehen. Gleichzeitig fühlt und hört man, dass in jedem Lied das Herz und die Seele von Versengold stecken. Sie erzählen Geschichten, laden zum Feiern ein, regen hier und da auch zum Nachdenken an, und Balladen für die ein oder andere Gänsehaut sind auch vorhanden. Dadurch werden sowohl Fans der ersten Stunde mitgenommen als auch neue Hörer mit an Bord geholt. Für die kommende Festivalsaison ist jetzt schon vorhersehbar, dass laute Fanchöre zu den neuen Liedern erschallen werden. Die Kritik an einigen Liedern ist aufgrund der hohen Qualität des Albums fast schon Meckern auf höchstem Niveau. Insgesamt ist "Eingenordet" wieder ein hervorragendes Album, von dem ich kein Lied während des Anhörens wegdrücken würde. Versengold selbst singen, dass ihr Kompass nach Norden zeigt. Der Kurs für "Eingenordet" dürfte ohne Zweifel auch in Richtung der deutschen Albumcharts-Spitze stehen. Meine Anspieltipps sind "Der Tag mag kommen", "Falscher Leuchtturm", "Krug voll Mondenschein" und "Klopapier". Zuletzt wie immer der Hinweis, dass ihr die Band am Besten unterstützt, indem ihr euch das Album als CD holt und nicht nur streamt und wenn möglich auch zu Konzerten geht. 

]]> https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=887 Tue, 23 Dec 2025 15:33:06 +0100 https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=887



Release: 04. Dezember 2025
Label: TIMEZONE Records


Tracklist:
01. The Village Of Moonfleet - Narration
02. The Light On The Bay
03. Have A Care
04. The Storm
05. Leave Her Johnny
06. Three Sea Captains
07. Isle Of Hope
08. Whip Jamboree
09. Fiddler's Green
10. The Silence We Pay
11. The Last Of The Great Whales
12. Excursion Around The Bay (Live)
13. Out On The Ocean & Rocking The Boat
14. Donegal Bay
15. Endeavour
16. South Australia (Live)
17. The Mermaid
18. What Does The Deep Sea Say
19. Seefahrt-Medley


Homepage
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Die Kilkenny Band sind:
Julie Ann Cimino-Boyle: Gesang, Bodhrán, Banjolele & Akkordeon
Jascha Kemper: Gesang, Gitarre, Mandoline, Banjo & Whistles
Dennis Fehlauer: Gesang, Gitarre & Bass
Marc Joel "MJ" Schmitt: Fiddle, Gitarre & Backing Vocals
Gastmusiker*innen:
Shawn Hellmann: Gitarre & Backing Vocals
Stephan Niebler: Akkordeon & Backing Vocals
Matthias Schmitt: Gitarre & Backing Vocals
Matthias Lohmöller: Streichquartett
Fiona Cimino: Backing Vocals
Noemi Cimino: Backing Vocals
Mr. Hurley: Backing Vocals


"Stormy Seas Ahead" ist das siebte Studioalbum der Kilkenny Band, nach dem sie auch ihre aktuelle Kirchentour benannt haben. Wie immer setzen sie auf eine Mischung aus Balladen, Reels und Liedern, die zum Feiern einladen. Wer außer meiner Beschreibung noch Hintergründe über die Lieder erfahren möchte, der sollte sich das Album auf CD holen, da es im Booklet sehr viele Informationen gibt, die ich hier nicht einfach so verraten möchte. 

Direkt zum Start zeigt das Folk-Quartett erneut, dass es bei der Songauswahl keine Scheuklappen trägt, denn die ersten vier Tracks stammen aus dem Chris de Burgh Album "Moonfleet and Other Stories". Dort geht es um John Trenchard und dem berühmt-berüchtigten Piraten Blackbeard. Die Einleitung zur Geschichte hat Julie eingesprochen. Auch wenn "The Village Of Moonfleet - Narration" mit einer Minute sehr kurz ist, schafft es die Kilkenny Band, die Hörer sofort in ihren Bann zu ziehen. "The Light Of The Bay", "Have A Care" und "The Storm" erzählen die Geschichte nahtlos weiter und mit jedem Lied wird das Tempo etwas angehoben. Julies Gesang bringt das Feeling der Lieder perfekt 'rüber und sorgt direkt zum Start für die eine oder andere Gänsehaut. Dass die Stimmen aller Bandmitglieder wunderschön harmonieren, hört man in diesen Liedern bereits heraus und das wird bei "Leave Her Johnny" dann endgültig bewiesen. Wer die Band schon länger hört, der weiß, dass dieser sehr beliebte Shanty bereits auf "We'll Find It Someday" zu hören war. Zu dieser Zeit war Julie aber noch kein Teil der Band und so hat man nun die Chance, die aktuelle Variante auch auf CD genießen zu dürfen. Das erste Instrumentalstück "Three Sea Captains" lädt zum Schunkeln und Tanzen ein. Hier zeigt die Kilkenny Band, dass sie ihre Instrumente perfekt beherrschen. Eigentlich besteht das Lied aus zwei Tunes. Während "Three Sea Captains" recht ruhig ist, wird es im zweiten Teil mit "The Mulligar Races" schneller und tanzbarer. Wer dann noch ruhig sitzen bleibt, hat keine Musik im Blut. Auch "The Mulligar Races" war bereits auf einem Album zu hören, denn auf "Roving" gibt es ein Set, bei dem es zusammen mit "The Cooley's Reel" und "The Dawn" zu hören war. Mit "Isle Of Hope" folgt die nächste sehr bekannte Ballade. Besungen wird Ellis Island, eine Insel im Hafengebiet des Hudson River, die lange Zeit als Anlaufstelle für Immigranten gedient hat. Als "Isle Of Hope" wurde sie bezeichnet, da sie die Hoffnung der irischen Auswanderer auf eine bessere Zukunft symbolisiert hat, während Irland als "Isle Of Home" als wahre Heimat im Herzen blieb. 

Mit „Whip Jamboree“ steht ein weiterer beliebter Shanty an, bei dem man laut mitsingen kann. Der Enthusiasmus der Crew, den Heimathafen zu erreichen und die Reise erfolgreich abzuschließen, wird von der Melodie und dem energischen Gesang der Kilkenny Band sehr gut erfasst und macht sofort gute Laune. Ein wahrer Klassiker folgt mit „Fiddler's Green“ - ein Lied über das Paradies der Seeleute. Jascha ist hier nicht nur als Hauptstimme zu hören, er spielt auch die Mandoline mit einer Freude, die deutlich hörbar ist. Tragisch und zugleich sozialkritisch ist die Geschichte, die in „The Silence We Pay“ erzählt wird. Die ignorierte Warnung vor einem drohenden Deichbruch, führt zur unausweichlichen Katastrophe. Ähnliche Situationen, in denen die eigene Meinung über wichtigen Informationen und Fakten steht, führen auch heute immer wieder zu Unglücken, die man hätte verhindern können. „Last Of The Great Whales“ ist ein Beispiel dafür, dass es sich für Studioaufnahmen einiger Lieder lohnt, auf den richtigen Moment zu warten. Nach neun Jahren, in denen das Lied über das Walsterben nun schon im Programm der Kirchentouren ist, hat es nun den passenden Platz auf einem Album gefunden. Nach den ernsten Themen geht es mit einer Liveaufnahme von „Excursion Around The Bay“ weiter, die beim Tag der Niedersachsen in Osnabrück aufgenommen wurde. Die Energie und die Spielfreude überträgt sich hörbar auf das Publikum und sorgt auch bei den Hörern des Albums für gute Laune und dem Wunsch, laut mitzusingen. „Out On The Ocean / Rocking The Boat“ sorgt dafür, dass man direkt weiter tanzt. Die beiden Jigs ergänzen sich perfekt und man merkt erneut, wie viel Spielfreude in den Liedern steckt. Wer romantische Stücke mag, sollte bei „Donegal Bay“ nicht nur auf die Melodie, sondern auch auf den Text achten, denn es geht über Liebe, die über den Tod hinaus weiter besteht. Selbst wenn man nicht versteht, worum es in dem Lied geht, bekommt man durch den emotionalen Gesang von Julie eine Gänsehaut.


©Jannes Stroeve

Von der Liebe zwischen zwei Menschen kommen wir nun zur Liebe einer Crew zu ihrem Schiff, die ebenfalls über den Tod hinaus gehen wird, sollte das Schiff irgendwann sinken. Auch hier bekommt man beim Hören immer wieder eine Gänsehaut, was allgemein beweist, wie gut die selbstgeschriebenen Balladen der Kilkenny Band sind. Die Liveaufnahme von „South Australia“ stammt vom Konzert in der Konzertdiele „Lauenhänger Bauernhaus“, bei der Jonas Röllecke von La Kejoca die Kilkenny Band an der Geige begleitet hat. Auch hier hört man wieder, dass die Konzertbesucher voll in der Musik aufgehen und begeistert mitsingen und -klatschen. "The Mermaid" ist ein Klassiker der Folkszene und handelt von einer Meerjungfrau, die den Untergang eines Schiffes vorhersagt. Diese schwungvolle Umsetzung macht schon in der Studioversion viel Spaß und man kann bereits ahnen, wie genial es klingen wird, wenn Fans den Chorus live mitsingen. Bei "What Does The Deep Sea Say" ist eher Schunkeln und Genießen angesagt. Faszinierend ist, wie oft das Arrangement der Instrumente innerhalb dieses Liedes wechselt, ohne das der Flow verloren geht. Zum abschließenden „Seefahrt-Medley“ verrate ich nicht viel, denn im Booklet wird man aufgefordert, selbst alle Lieder und Gäste herauszuhören. Die Auswahl der einzelnen Lieder ist jedenfalls sehr gut und die acht Minuten wirken deutlich kürzer, weil man immer wieder mitsingt oder sich einfach über bekannte Melodien freut.

Kommen wir zu ein paar technischen Daten, die natürlich nicht fehlen dürfen. Für den hervorragenden Klang des Albums ist Matthias Lohmöller vom DocMaKlang Studio verantwortlich, der den Endmix und das Mastering, sowie einige zusätzlichen Aufnahmen übernommen hat. Das Album ist als Mediabook erschienen und enthält neben vielen Hintergrundinformationen und allen Texten auch noch sehr schöne Fotos. Das Artwork stammt erneut von Ben Urban (Hygin-Graphix), der auch mit anderen Bands wie zum Beispiel Mr. Hurley & die Pulveraffen, Die Habenichtse, Versengold und Corvus Corax zusammengearbeitet hat. Die Fotos stammen von Manfred Pollert, Schnellzeichnerin, Julie Ann Cimino-Boyle und Yannick Bonnes – genaue Angaben findet ihr im Booklet. Das Zusammenspiel dieser Komponenten ergibt ein wunderschönes Gesamtbild, das Streamingdienste oder digitale Käufe einfach nicht vermitteln können. Wer das volle „Stormy Seas Ahead“ Feeling erleben möchte, kommt um die CD nicht herum.

Mein Fazit: Von einer verflixten Sieben kann hier wirklich nicht gesprochen werden, denn „Stormy Seas Ahead“ ist ein wunderschönes und abwechslungsreiches Album. Die Mischung aus Klassikern, eigenen Stücken und Liedern, die man nicht unbedingt auf einem Folkalbum erwartet hätte, weiß immer wieder zu überraschen. Die live aufgenommenen Lieder zeigen, dass die Band nicht nur im Studio hervorragend klingt und dass die Fans bei den Konzerten ein Teil der Performance sind. In Zeiten von KI-generierter Musik ein Album zu hören, das so viel Herz und Seele besitzt, ist an sich schon ein unschlagbares Argument für „Stormy Seas Ahead“.

Die Entscheidung, das Album als Mediabook zu veröffentlichen, gibt „Stormy Seas Ahead“ nicht nur einen edlen Look, denn es fühlt sich auch gut an das Album in den Händen zu halten. Im Booklet erhält man nicht nur Informationen zu den Hintergründen der Lieder, man bekommt auch einen Einblick, welche Bands als Inspiration gedient haben. Eine gute Gelegenheit, auch mal in die Musik dieser genannten Bands hinein zuhören. Meine Anpieltipps sind „Leave Her Johnny“, „The Silence We Pay“, „Excursion Around The Bay“ und das „Seefahrt-Medley“.

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Release: 04. Dezember 2025
Label: TIMEZONE Records


Tracklist:
01. The Village Of Moonfleet - Narration
02. The Light On The Bay
03. Have A Care
04. The Storm
05. Leave Her Johnny
06. Three Sea Captains
07. Isle Of Hope
08. Whip Jamboree
09. Fiddler's Green
10. The Silence We Pay
11. The Last Of The Great Whales
12. Excursion Around The Bay (Live)
13. Out On The Ocean & Rocking The Boat
14. Donegal Bay
15. Endeavour
16. South Australia (Live)
17. The Mermaid
18. What Does The Deep Sea Say
19. Seefahrt-Medley


Homepage
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Shop


Die Kilkenny Band sind:
Julie Ann Cimino-Boyle: Gesang, Bodhrán, Banjolele & Akkordeon
Jascha Kemper: Gesang, Gitarre, Mandoline, Banjo & Whistles
Dennis Fehlauer: Gesang, Gitarre & Bass
Marc Joel "MJ" Schmitt: Fiddle, Gitarre & Backing Vocals
Gastmusiker*innen:
Shawn Hellmann: Gitarre & Backing Vocals
Stephan Niebler: Akkordeon & Backing Vocals
Matthias Schmitt: Gitarre & Backing Vocals
Matthias Lohmöller: Streichquartett
Fiona Cimino: Backing Vocals
Noemi Cimino: Backing Vocals
Mr. Hurley: Backing Vocals


"Stormy Seas Ahead" ist das siebte Studioalbum der Kilkenny Band, nach dem sie auch ihre aktuelle Kirchentour benannt haben. Wie immer setzen sie auf eine Mischung aus Balladen, Reels und Liedern, die zum Feiern einladen. Wer außer meiner Beschreibung noch Hintergründe über die Lieder erfahren möchte, der sollte sich das Album auf CD holen, da es im Booklet sehr viele Informationen gibt, die ich hier nicht einfach so verraten möchte. 

Direkt zum Start zeigt das Folk-Quartett erneut, dass es bei der Songauswahl keine Scheuklappen trägt, denn die ersten vier Tracks stammen aus dem Chris de Burgh Album "Moonfleet and Other Stories". Dort geht es um John Trenchard und dem berühmt-berüchtigten Piraten Blackbeard. Die Einleitung zur Geschichte hat Julie eingesprochen. Auch wenn "The Village Of Moonfleet - Narration" mit einer Minute sehr kurz ist, schafft es die Kilkenny Band, die Hörer sofort in ihren Bann zu ziehen. "The Light Of The Bay", "Have A Care" und "The Storm" erzählen die Geschichte nahtlos weiter und mit jedem Lied wird das Tempo etwas angehoben. Julies Gesang bringt das Feeling der Lieder perfekt 'rüber und sorgt direkt zum Start für die eine oder andere Gänsehaut. Dass die Stimmen aller Bandmitglieder wunderschön harmonieren, hört man in diesen Liedern bereits heraus und das wird bei "Leave Her Johnny" dann endgültig bewiesen. Wer die Band schon länger hört, der weiß, dass dieser sehr beliebte Shanty bereits auf "We'll Find It Someday" zu hören war. Zu dieser Zeit war Julie aber noch kein Teil der Band und so hat man nun die Chance, die aktuelle Variante auch auf CD genießen zu dürfen. Das erste Instrumentalstück "Three Sea Captains" lädt zum Schunkeln und Tanzen ein. Hier zeigt die Kilkenny Band, dass sie ihre Instrumente perfekt beherrschen. Eigentlich besteht das Lied aus zwei Tunes. Während "Three Sea Captains" recht ruhig ist, wird es im zweiten Teil mit "The Mulligar Races" schneller und tanzbarer. Wer dann noch ruhig sitzen bleibt, hat keine Musik im Blut. Auch "The Mulligar Races" war bereits auf einem Album zu hören, denn auf "Roving" gibt es ein Set, bei dem es zusammen mit "The Cooley's Reel" und "The Dawn" zu hören war. Mit "Isle Of Hope" folgt die nächste sehr bekannte Ballade. Besungen wird Ellis Island, eine Insel im Hafengebiet des Hudson River, die lange Zeit als Anlaufstelle für Immigranten gedient hat. Als "Isle Of Hope" wurde sie bezeichnet, da sie die Hoffnung der irischen Auswanderer auf eine bessere Zukunft symbolisiert hat, während Irland als "Isle Of Home" als wahre Heimat im Herzen blieb. 

Mit „Whip Jamboree“ steht ein weiterer beliebter Shanty an, bei dem man laut mitsingen kann. Der Enthusiasmus der Crew, den Heimathafen zu erreichen und die Reise erfolgreich abzuschließen, wird von der Melodie und dem energischen Gesang der Kilkenny Band sehr gut erfasst und macht sofort gute Laune. Ein wahrer Klassiker folgt mit „Fiddler's Green“ - ein Lied über das Paradies der Seeleute. Jascha ist hier nicht nur als Hauptstimme zu hören, er spielt auch die Mandoline mit einer Freude, die deutlich hörbar ist. Tragisch und zugleich sozialkritisch ist die Geschichte, die in „The Silence We Pay“ erzählt wird. Die ignorierte Warnung vor einem drohenden Deichbruch, führt zur unausweichlichen Katastrophe. Ähnliche Situationen, in denen die eigene Meinung über wichtigen Informationen und Fakten steht, führen auch heute immer wieder zu Unglücken, die man hätte verhindern können. „Last Of The Great Whales“ ist ein Beispiel dafür, dass es sich für Studioaufnahmen einiger Lieder lohnt, auf den richtigen Moment zu warten. Nach neun Jahren, in denen das Lied über das Walsterben nun schon im Programm der Kirchentouren ist, hat es nun den passenden Platz auf einem Album gefunden. Nach den ernsten Themen geht es mit einer Liveaufnahme von „Excursion Around The Bay“ weiter, die beim Tag der Niedersachsen in Osnabrück aufgenommen wurde. Die Energie und die Spielfreude überträgt sich hörbar auf das Publikum und sorgt auch bei den Hörern des Albums für gute Laune und dem Wunsch, laut mitzusingen. „Out On The Ocean / Rocking The Boat“ sorgt dafür, dass man direkt weiter tanzt. Die beiden Jigs ergänzen sich perfekt und man merkt erneut, wie viel Spielfreude in den Liedern steckt. Wer romantische Stücke mag, sollte bei „Donegal Bay“ nicht nur auf die Melodie, sondern auch auf den Text achten, denn es geht über Liebe, die über den Tod hinaus weiter besteht. Selbst wenn man nicht versteht, worum es in dem Lied geht, bekommt man durch den emotionalen Gesang von Julie eine Gänsehaut.


©Jannes Stroeve

Von der Liebe zwischen zwei Menschen kommen wir nun zur Liebe einer Crew zu ihrem Schiff, die ebenfalls über den Tod hinaus gehen wird, sollte das Schiff irgendwann sinken. Auch hier bekommt man beim Hören immer wieder eine Gänsehaut, was allgemein beweist, wie gut die selbstgeschriebenen Balladen der Kilkenny Band sind. Die Liveaufnahme von „South Australia“ stammt vom Konzert in der Konzertdiele „Lauenhänger Bauernhaus“, bei der Jonas Röllecke von La Kejoca die Kilkenny Band an der Geige begleitet hat. Auch hier hört man wieder, dass die Konzertbesucher voll in der Musik aufgehen und begeistert mitsingen und -klatschen. "The Mermaid" ist ein Klassiker der Folkszene und handelt von einer Meerjungfrau, die den Untergang eines Schiffes vorhersagt. Diese schwungvolle Umsetzung macht schon in der Studioversion viel Spaß und man kann bereits ahnen, wie genial es klingen wird, wenn Fans den Chorus live mitsingen. Bei "What Does The Deep Sea Say" ist eher Schunkeln und Genießen angesagt. Faszinierend ist, wie oft das Arrangement der Instrumente innerhalb dieses Liedes wechselt, ohne das der Flow verloren geht. Zum abschließenden „Seefahrt-Medley“ verrate ich nicht viel, denn im Booklet wird man aufgefordert, selbst alle Lieder und Gäste herauszuhören. Die Auswahl der einzelnen Lieder ist jedenfalls sehr gut und die acht Minuten wirken deutlich kürzer, weil man immer wieder mitsingt oder sich einfach über bekannte Melodien freut.

Kommen wir zu ein paar technischen Daten, die natürlich nicht fehlen dürfen. Für den hervorragenden Klang des Albums ist Matthias Lohmöller vom DocMaKlang Studio verantwortlich, der den Endmix und das Mastering, sowie einige zusätzlichen Aufnahmen übernommen hat. Das Album ist als Mediabook erschienen und enthält neben vielen Hintergrundinformationen und allen Texten auch noch sehr schöne Fotos. Das Artwork stammt erneut von Ben Urban (Hygin-Graphix), der auch mit anderen Bands wie zum Beispiel Mr. Hurley & die Pulveraffen, Die Habenichtse, Versengold und Corvus Corax zusammengearbeitet hat. Die Fotos stammen von Manfred Pollert, Schnellzeichnerin, Julie Ann Cimino-Boyle und Yannick Bonnes – genaue Angaben findet ihr im Booklet. Das Zusammenspiel dieser Komponenten ergibt ein wunderschönes Gesamtbild, das Streamingdienste oder digitale Käufe einfach nicht vermitteln können. Wer das volle „Stormy Seas Ahead“ Feeling erleben möchte, kommt um die CD nicht herum.

Mein Fazit: Von einer verflixten Sieben kann hier wirklich nicht gesprochen werden, denn „Stormy Seas Ahead“ ist ein wunderschönes und abwechslungsreiches Album. Die Mischung aus Klassikern, eigenen Stücken und Liedern, die man nicht unbedingt auf einem Folkalbum erwartet hätte, weiß immer wieder zu überraschen. Die live aufgenommenen Lieder zeigen, dass die Band nicht nur im Studio hervorragend klingt und dass die Fans bei den Konzerten ein Teil der Performance sind. In Zeiten von KI-generierter Musik ein Album zu hören, das so viel Herz und Seele besitzt, ist an sich schon ein unschlagbares Argument für „Stormy Seas Ahead“.

Die Entscheidung, das Album als Mediabook zu veröffentlichen, gibt „Stormy Seas Ahead“ nicht nur einen edlen Look, denn es fühlt sich auch gut an das Album in den Händen zu halten. Im Booklet erhält man nicht nur Informationen zu den Hintergründen der Lieder, man bekommt auch einen Einblick, welche Bands als Inspiration gedient haben. Eine gute Gelegenheit, auch mal in die Musik dieser genannten Bands hinein zuhören. Meine Anpieltipps sind „Leave Her Johnny“, „The Silence We Pay“, „Excursion Around The Bay“ und das „Seefahrt-Medley“.

]]> https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=869 Fri, 20 Jun 2025 19:13:21 +0200 https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=869


Release: 20. Juni 2025
Label: Metalville


Tracklist:
01. Paranoia
02. Korinth
03. Himmelsstern
04. Immermorgenland
05. Schwarzes Kleid
06. Mephistopheles
07. Chronos
08. Leere & Chaos
09. Vanitas Vanitatum
10. 10000 Jahre
11. Frei
12. Wir sind das Ende


Reliquiae melden sich nach 6 Jahren mit einem neuen Studioalbum zurück! Paranoia ist das bisher härteste und metallastigste Werk der Band – eine konsequente Weiterentwicklung nach »Babylon« (2019) und dem klassisch geprägten Intermezzo »gestrichen« (2022). Drums und Gitarren treiben nach vorne und das Tempo hat merklich angezogen, ohne den unverkennbaren, cleanen Gesang von Bastus aus dem Mittelpunkt zu verdrängen. Gemeinsam mit Dudelsack, Nyckelharpa, Drehleier und Geige entstehen vielschichtige Melodien, die dennoch ihr Ohrwurmpotenzial beibehalten. So entstehen nicht nur Kopfnicker und tanzbare Parts, sondern auch nachdenkliche, düsterere Momente. (Quelle: Reliquiae)


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Reliquiae sind:
Bastus: Gesang
Svea: Geige, Drehleier & Nyckelharpa

Coluber: Dudelsäcke & Schalmeien
Comatus: Keyboard

Morti: E-Bass

Breacán: E-Gitarren

Lasko: Schlagzeug


15 Jahre Reliquiae müssen gefeiert werden und was würde sich dafür besser anbieten als ein neues Studioalbum? Nach "Babylon" gab es zwar noch die "gestrichen" EP, die ebenfalls sehr hörenswert ist, wirklich neues Material gab es aber sechs Jahre lang nicht. Nun melden sich Reliquiae mit dem neuen Album "Paranoia" zurück, das in Form eines edlen Mediabooks erscheinen wird. Das 20-seitige Booklet ist passend zum Titel düster gestaltet und die handgeschriebenen Lyrics könnten so auch an den Wänden einer psychiatrischen Anstalt zu finden sein. Zum ersten Mal gibt es auch eine limitierte Fanbox, die zum Teil einzigartige Inhalte bietet, wie ein Stück Seil aus dem Video zur ersten Single "Frei" und ein von Svea handgefertigter Linoldruck. Das Wichtigste sind natürlich die neuen Lieder und ob diese überzeugen können, dass erfahrt ihr jetzt.

Den Anfang macht das Titellied "Paranoia", das mit einem treibenden Rhythmus das Gefühl vermittelt, gehetzt zu werden. Während der Gesang in den Strophen relativ ruhig von Schlagzeug, Bass und Drehleier begleitet wird, gibt es immer wieder harte Parts, die einen starken Kontrast zum Gesang bilden. Im Chorus verbinden sich dann alle Instrumente zu einem wahren Brett, bei dem man das Headbangen nicht unterdrücken kann. Die im Text besungenen Dämonen bewachen und beurteilen den Protagonisten, der diesen inneren Stimmen hilflos ausgeliefert ist. Weiter geht es mit "Korinth", das auf Goethes "Die Braut von Korinth" basiert. Es geht um Liebe, Lust und die tödliche Gefahr durch das übernatürliche Wesen. "Korinth" überzeugt weniger durch Härte, dafür mit einer wirklich sehr eingängigen Melodie, bei der vor allem Svea an der Geige positiv auffällt. Den Chorus bekommt man so schnell nicht mehr aus dem Kopf und die Fanchöre bei Konzerten werden dem Lied noch viel mehr Energie verleihen. Mit einer bezaubernden Drehleiermelodie beginnt "Himmelsstern". Die Geschichte einer Sängerin mit wunderschöner Stimme, die ihre Freiheit liebt, und eines von Liebe besessenen Verehrers wird fesselnd erzählt. Durch musikalische Stilelemente wird hervorgehoben, wie sehr sich die beiden Charaktere unterscheiden. Wenn es um die Sängerin geht, ist die Melodie ruhig und wirkt durch die Drehleier schön sanft. Sobald es um ihren Verehrer geht, kommt die E-Gitarre ins Spiel und Bastus Gesang vermittelt etwas Bedrohliches. Dadurch wird deutlich, dass es nicht nur um Liebe, sondern auch um Besitz geht, der die Freiheit der Sängerin beenden würde. Für ihn entwickelt sich dadurch eine Sehnsucht, die Schmerzen verursacht und der er sich hilflos hingibt. Reliquiae erweisen sich hier mal wieder als großartige Geschichtenerzähler, die mit Text und Musik eine grandiose Atmosphäre entstehen lassen. "Immermorgenland" startet temporeich mit Svea an der Geige. Auch in diesem Lied gibt es zwei Klangwelten, die aufeinander prallen. Die schnelle, melodische Welt, in der Versprechen gemacht werden und härtere Klänge, die durchblicken lassen, dass sich dahinter nichts Gutes verbirgt und hinter dem Licht nur noch mehr Schatten warten.

Mit "Schwarzes Kleid" folgt das kürzeste Lied des Albums und nichtsdestotrotz steht es den anderen Liedern in nichts nach. Erneut beweisen Reliquiae, wie gut sie mit Wörtern umgehen können und trotz des düsteren Themas ist "Schwarzes Kleid" eine tanzbare Nummer, die melodisch im Chorus auftrumpft. Die richtige Gelegenheit, sein eigenes schwarzes Kleid für ein paar Minuten abzulegen und sich im Klang der Musik fallenzulassen. "Mephistopheles" führt uns noch einmal an Goethes Werke heran, denn hier haben sich Reliquiae von Goethes "Faust" inspirieren lassen. Auch wenn das Angebot des Teufels gut erscheint, man lässt wohl lieber die Finger davon. Teuflisch gut sind dafür die harten Gitarrenriffs, die dem Sound und der Geschichte ordentlich Biss geben. Wie hervorragend Simon Michael als Produzent gearbeitet hat, hört man bei "Chronos" sehr gut. Die Abmischung, die jedes kleine Detail richtig in Szene setzt, ist wirklich beeindruckend. Was Svea und Morti aus ihren Instrumenten herausholen, ist ebenfalls grandios und das Gitarrensolo dürfte gern länger sein. Während man die harten Klängen von "Chronos" noch nachbeben spürt, wird man von "Leere & Chaos" in eine völlig andere Klangwelt entführt. Mit Geigen- und Pianoklängen bekommt man die Atempause, die man nach der Achterbahnfahrt der ersten sieben Liedern dringend braucht. Nicht nur durch die wunderschöne Melodie ziehen Reliquiae die HörerInnen mühelos in ihren Bann. Bastus Gesang bringt die Gefühle, die in "Leere & Chaos" beschrieben werden, unglaublich emotional und authentisch rüber. Durch den Kontrast zu den anderen Liedern sticht "Leere & Chaos" besonders hervor und verursacht nicht nur einmal eine Gänsehaut beim Anhören.



©Reliquiae

Ihre Liebe zur klassischen Literatur zeigen Reliquiae auch in "Vanitas Vanitatum". Der Titel entstammt der Ode des deutschen Barock-Dichters Andreas Gryphius aus dem Jahr 1643. Es geht um Eitelkeit und den Wunsch, den Schein zu wahren, dass Geld und Erfolg ewig hält und man damit über anderen Menschen steht. Es gibt bestimmt einige Influencer, die beim Text kopfschüttelnd davoneilen würden, weil sie sich vor dem Tag fürchten, an dem ihr Trugbild zerbricht. Auch für "Vanitas Vanitatum" haben Reliquiae wieder ein episches Klangbild erschaffen. "10000 Jahre" ruhelos auf dem Meer zu verbringen, gepeinigt von Schuld und getrieben vom Wahnsinn ist wahrlich keine schöne Vorstellung. Nicht nur im Text wird die Geschichte erzählt. Die Instrumente übernehmen dies auch in einem instrumentalen Intermezzo, bei dem man die Hilflosigkeit, der See und ihren Launen ausgeliefert zu sein, spüren kann. Ganz großes Klangkino! Damit man nicht zu sehr in dieser düsteren Welt gefangen bleibt, folgt mit "Frei" der musikalische Befreiungsschlag, den man sehr schnell laut mitsingt. Bei allen Dingen, die sich auch heute noch wie Ketten anfühlen, ist es eine Wohltat das Lied laut aufzudrehen und die Sorgen und Pflichten einfach mal zu vergessen. Bei dem Tempo, das "Frei" vorgibt, ist stillsitzen und einfach nur zuhören aber auch völlig fehl am Platz. Mit "Wir sind das Ende" hat man auch tatsächlich das Ende des Albums erreicht. Doch auch zum Schluss gehen Reliquiae nicht vom Gaspedal und entfesseln in dieser Hymne die vier Reiter der Apokalypse, die sich auf die Welt stürzen und sie beenden wollen. Unser Glück ist es, dass es nicht unsere Welt ist, die zerstört werden soll, denn so kann man "Paranoia" direkt wieder anhören, wenn die letzten Klänge verstummt sind.

Wie schon erwähnt haben sich Reliquiae für ihr 15-jähriges Bandjubiläum erneut mit Simon Michael zusammengetan, der als Drummer bei Subway to Sally tätig ist und als Produzent mit Bands wie Feuerschwanz, Letzte Instanz, Harpyie und Oomph! zusammengearbeitet hat. Seine Erfahrung und sein Gespür für die richtige Abmischung von traditonellen und modernen Instrumenten hat auch bei "Paranoia" für ein episches Ergebnis gesorgt. Am Sound gibt es nichts zu meckern und selbst wenn man sich das Album mehrfach angehört hat, gibt es immer wieder Neues zu entdecken. Für das Artwork haben sie sich Thomas Ewerhard an Bord geholt, der unter anderem Artworks für Avantasia und Amon Amarth designt hat. Die handschriftlichen Lyrics im Booklet sind Fluch und Segen zugleich. Sie sehen beeindruckend aus und vermitteln ein Gefühl von Wahnsinn, was jedoch auf Kosten der Lesbarkeit geht. Die Texte sind in verschiedenen Formen und auch nicht immer in einer direkten Abfolge geschrieben worden. Wer die Texte lernen mag, sollte sie als Unterstützung sehen, nicht als eine einfache Quelle. Zusammen mit dem Artwork und den Bandfotos im Booklet ergibt sich dann allerdings ein stimmiges Gesamtbild, was die Kritik an der Darstellung etwas relativiert. Die Spieldauer von knapp 46 Minuten erscheint sehr ordentlich, es fühlt sich aber deutlich kürzer an.  

Mein Fazit: Reliquiae haben verstanden, wie man das eigene 15-jährige Bestehen richtig feiert. Man bringt ein Album raus, das auch über die Mittelalterszene hinaus HörerInnen finden wird. Reliquiae haben sich schon immer durch ihren eigenen Sound von vielen anderen Bands hervorgehoben. Wenn man "Paranoia" mit den aktuellen Veröffentlichungen der Szenekollegen vergleicht, gibt es nur wenige, die auf dem selben Niveau abliefern. Erfrischend ist auch, dass hier nicht der Weg eines Best of - Albums gegangen wurde, denn davon gibt es auf dem Markt genug und abgesehen von eventuellen Neuaufnahmen wäre das halt doch nur aufgebackene Ware. Wer Reliquiae noch nicht kennt und sich nicht sicher ist, ob das Album etwas für einen ist, sollte sich auf dem YouTube Kanal (Verlinkung weiter oben) einfach mal die aktuellen Videos ansehen. Ansonsten emfehle ich "Schwarzes Kleid". "Mephistoteles", "Leere & Chaos" und "Frei" als erste Hörproben. Wer Mittelalterrock mit eingängigen Melodien und tiefgründigen Texten mag, der darf meiner Meinung nach bedenkenlos zugreifen, vielleicht ja auch bei der wirklich guten Fanbox, wenn man etwas besonderes haben möchte. 


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Release: 20. Juni 2025
Label: Metalville


Tracklist:
01. Paranoia
02. Korinth
03. Himmelsstern
04. Immermorgenland
05. Schwarzes Kleid
06. Mephistopheles
07. Chronos
08. Leere & Chaos
09. Vanitas Vanitatum
10. 10000 Jahre
11. Frei
12. Wir sind das Ende


Reliquiae melden sich nach 6 Jahren mit einem neuen Studioalbum zurück! Paranoia ist das bisher härteste und metallastigste Werk der Band – eine konsequente Weiterentwicklung nach »Babylon« (2019) und dem klassisch geprägten Intermezzo »gestrichen« (2022). Drums und Gitarren treiben nach vorne und das Tempo hat merklich angezogen, ohne den unverkennbaren, cleanen Gesang von Bastus aus dem Mittelpunkt zu verdrängen. Gemeinsam mit Dudelsack, Nyckelharpa, Drehleier und Geige entstehen vielschichtige Melodien, die dennoch ihr Ohrwurmpotenzial beibehalten. So entstehen nicht nur Kopfnicker und tanzbare Parts, sondern auch nachdenkliche, düsterere Momente. (Quelle: Reliquiae)


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Reliquiae sind:
Bastus: Gesang
Svea: Geige, Drehleier & Nyckelharpa

Coluber: Dudelsäcke & Schalmeien
Comatus: Keyboard

Morti: E-Bass

Breacán: E-Gitarren

Lasko: Schlagzeug


15 Jahre Reliquiae müssen gefeiert werden und was würde sich dafür besser anbieten als ein neues Studioalbum? Nach "Babylon" gab es zwar noch die "gestrichen" EP, die ebenfalls sehr hörenswert ist, wirklich neues Material gab es aber sechs Jahre lang nicht. Nun melden sich Reliquiae mit dem neuen Album "Paranoia" zurück, das in Form eines edlen Mediabooks erscheinen wird. Das 20-seitige Booklet ist passend zum Titel düster gestaltet und die handgeschriebenen Lyrics könnten so auch an den Wänden einer psychiatrischen Anstalt zu finden sein. Zum ersten Mal gibt es auch eine limitierte Fanbox, die zum Teil einzigartige Inhalte bietet, wie ein Stück Seil aus dem Video zur ersten Single "Frei" und ein von Svea handgefertigter Linoldruck. Das Wichtigste sind natürlich die neuen Lieder und ob diese überzeugen können, dass erfahrt ihr jetzt.

Den Anfang macht das Titellied "Paranoia", das mit einem treibenden Rhythmus das Gefühl vermittelt, gehetzt zu werden. Während der Gesang in den Strophen relativ ruhig von Schlagzeug, Bass und Drehleier begleitet wird, gibt es immer wieder harte Parts, die einen starken Kontrast zum Gesang bilden. Im Chorus verbinden sich dann alle Instrumente zu einem wahren Brett, bei dem man das Headbangen nicht unterdrücken kann. Die im Text besungenen Dämonen bewachen und beurteilen den Protagonisten, der diesen inneren Stimmen hilflos ausgeliefert ist. Weiter geht es mit "Korinth", das auf Goethes "Die Braut von Korinth" basiert. Es geht um Liebe, Lust und die tödliche Gefahr durch das übernatürliche Wesen. "Korinth" überzeugt weniger durch Härte, dafür mit einer wirklich sehr eingängigen Melodie, bei der vor allem Svea an der Geige positiv auffällt. Den Chorus bekommt man so schnell nicht mehr aus dem Kopf und die Fanchöre bei Konzerten werden dem Lied noch viel mehr Energie verleihen. Mit einer bezaubernden Drehleiermelodie beginnt "Himmelsstern". Die Geschichte einer Sängerin mit wunderschöner Stimme, die ihre Freiheit liebt, und eines von Liebe besessenen Verehrers wird fesselnd erzählt. Durch musikalische Stilelemente wird hervorgehoben, wie sehr sich die beiden Charaktere unterscheiden. Wenn es um die Sängerin geht, ist die Melodie ruhig und wirkt durch die Drehleier schön sanft. Sobald es um ihren Verehrer geht, kommt die E-Gitarre ins Spiel und Bastus Gesang vermittelt etwas Bedrohliches. Dadurch wird deutlich, dass es nicht nur um Liebe, sondern auch um Besitz geht, der die Freiheit der Sängerin beenden würde. Für ihn entwickelt sich dadurch eine Sehnsucht, die Schmerzen verursacht und der er sich hilflos hingibt. Reliquiae erweisen sich hier mal wieder als großartige Geschichtenerzähler, die mit Text und Musik eine grandiose Atmosphäre entstehen lassen. "Immermorgenland" startet temporeich mit Svea an der Geige. Auch in diesem Lied gibt es zwei Klangwelten, die aufeinander prallen. Die schnelle, melodische Welt, in der Versprechen gemacht werden und härtere Klänge, die durchblicken lassen, dass sich dahinter nichts Gutes verbirgt und hinter dem Licht nur noch mehr Schatten warten.

Mit "Schwarzes Kleid" folgt das kürzeste Lied des Albums und nichtsdestotrotz steht es den anderen Liedern in nichts nach. Erneut beweisen Reliquiae, wie gut sie mit Wörtern umgehen können und trotz des düsteren Themas ist "Schwarzes Kleid" eine tanzbare Nummer, die melodisch im Chorus auftrumpft. Die richtige Gelegenheit, sein eigenes schwarzes Kleid für ein paar Minuten abzulegen und sich im Klang der Musik fallenzulassen. "Mephistopheles" führt uns noch einmal an Goethes Werke heran, denn hier haben sich Reliquiae von Goethes "Faust" inspirieren lassen. Auch wenn das Angebot des Teufels gut erscheint, man lässt wohl lieber die Finger davon. Teuflisch gut sind dafür die harten Gitarrenriffs, die dem Sound und der Geschichte ordentlich Biss geben. Wie hervorragend Simon Michael als Produzent gearbeitet hat, hört man bei "Chronos" sehr gut. Die Abmischung, die jedes kleine Detail richtig in Szene setzt, ist wirklich beeindruckend. Was Svea und Morti aus ihren Instrumenten herausholen, ist ebenfalls grandios und das Gitarrensolo dürfte gern länger sein. Während man die harten Klängen von "Chronos" noch nachbeben spürt, wird man von "Leere & Chaos" in eine völlig andere Klangwelt entführt. Mit Geigen- und Pianoklängen bekommt man die Atempause, die man nach der Achterbahnfahrt der ersten sieben Liedern dringend braucht. Nicht nur durch die wunderschöne Melodie ziehen Reliquiae die HörerInnen mühelos in ihren Bann. Bastus Gesang bringt die Gefühle, die in "Leere & Chaos" beschrieben werden, unglaublich emotional und authentisch rüber. Durch den Kontrast zu den anderen Liedern sticht "Leere & Chaos" besonders hervor und verursacht nicht nur einmal eine Gänsehaut beim Anhören.



©Reliquiae

Ihre Liebe zur klassischen Literatur zeigen Reliquiae auch in "Vanitas Vanitatum". Der Titel entstammt der Ode des deutschen Barock-Dichters Andreas Gryphius aus dem Jahr 1643. Es geht um Eitelkeit und den Wunsch, den Schein zu wahren, dass Geld und Erfolg ewig hält und man damit über anderen Menschen steht. Es gibt bestimmt einige Influencer, die beim Text kopfschüttelnd davoneilen würden, weil sie sich vor dem Tag fürchten, an dem ihr Trugbild zerbricht. Auch für "Vanitas Vanitatum" haben Reliquiae wieder ein episches Klangbild erschaffen. "10000 Jahre" ruhelos auf dem Meer zu verbringen, gepeinigt von Schuld und getrieben vom Wahnsinn ist wahrlich keine schöne Vorstellung. Nicht nur im Text wird die Geschichte erzählt. Die Instrumente übernehmen dies auch in einem instrumentalen Intermezzo, bei dem man die Hilflosigkeit, der See und ihren Launen ausgeliefert zu sein, spüren kann. Ganz großes Klangkino! Damit man nicht zu sehr in dieser düsteren Welt gefangen bleibt, folgt mit "Frei" der musikalische Befreiungsschlag, den man sehr schnell laut mitsingt. Bei allen Dingen, die sich auch heute noch wie Ketten anfühlen, ist es eine Wohltat das Lied laut aufzudrehen und die Sorgen und Pflichten einfach mal zu vergessen. Bei dem Tempo, das "Frei" vorgibt, ist stillsitzen und einfach nur zuhören aber auch völlig fehl am Platz. Mit "Wir sind das Ende" hat man auch tatsächlich das Ende des Albums erreicht. Doch auch zum Schluss gehen Reliquiae nicht vom Gaspedal und entfesseln in dieser Hymne die vier Reiter der Apokalypse, die sich auf die Welt stürzen und sie beenden wollen. Unser Glück ist es, dass es nicht unsere Welt ist, die zerstört werden soll, denn so kann man "Paranoia" direkt wieder anhören, wenn die letzten Klänge verstummt sind.

Wie schon erwähnt haben sich Reliquiae für ihr 15-jähriges Bandjubiläum erneut mit Simon Michael zusammengetan, der als Drummer bei Subway to Sally tätig ist und als Produzent mit Bands wie Feuerschwanz, Letzte Instanz, Harpyie und Oomph! zusammengearbeitet hat. Seine Erfahrung und sein Gespür für die richtige Abmischung von traditonellen und modernen Instrumenten hat auch bei "Paranoia" für ein episches Ergebnis gesorgt. Am Sound gibt es nichts zu meckern und selbst wenn man sich das Album mehrfach angehört hat, gibt es immer wieder Neues zu entdecken. Für das Artwork haben sie sich Thomas Ewerhard an Bord geholt, der unter anderem Artworks für Avantasia und Amon Amarth designt hat. Die handschriftlichen Lyrics im Booklet sind Fluch und Segen zugleich. Sie sehen beeindruckend aus und vermitteln ein Gefühl von Wahnsinn, was jedoch auf Kosten der Lesbarkeit geht. Die Texte sind in verschiedenen Formen und auch nicht immer in einer direkten Abfolge geschrieben worden. Wer die Texte lernen mag, sollte sie als Unterstützung sehen, nicht als eine einfache Quelle. Zusammen mit dem Artwork und den Bandfotos im Booklet ergibt sich dann allerdings ein stimmiges Gesamtbild, was die Kritik an der Darstellung etwas relativiert. Die Spieldauer von knapp 46 Minuten erscheint sehr ordentlich, es fühlt sich aber deutlich kürzer an.  

Mein Fazit: Reliquiae haben verstanden, wie man das eigene 15-jährige Bestehen richtig feiert. Man bringt ein Album raus, das auch über die Mittelalterszene hinaus HörerInnen finden wird. Reliquiae haben sich schon immer durch ihren eigenen Sound von vielen anderen Bands hervorgehoben. Wenn man "Paranoia" mit den aktuellen Veröffentlichungen der Szenekollegen vergleicht, gibt es nur wenige, die auf dem selben Niveau abliefern. Erfrischend ist auch, dass hier nicht der Weg eines Best of - Albums gegangen wurde, denn davon gibt es auf dem Markt genug und abgesehen von eventuellen Neuaufnahmen wäre das halt doch nur aufgebackene Ware. Wer Reliquiae noch nicht kennt und sich nicht sicher ist, ob das Album etwas für einen ist, sollte sich auf dem YouTube Kanal (Verlinkung weiter oben) einfach mal die aktuellen Videos ansehen. Ansonsten emfehle ich "Schwarzes Kleid". "Mephistoteles", "Leere & Chaos" und "Frei" als erste Hörproben. Wer Mittelalterrock mit eingängigen Melodien und tiefgründigen Texten mag, der darf meiner Meinung nach bedenkenlos zugreifen, vielleicht ja auch bei der wirklich guten Fanbox, wenn man etwas besonderes haben möchte. 


]]> https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=867 Thu, 12 Jun 2025 08:14:19 +0200 https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=867


Release: 11. Mai 2025
Label: Eigenvertrieb 


Tracklist:
01. Rabensang
02. Nie wieder trinken wir
03. Des Königs Thron
04. Nur hier sind wir frei
05. Gauklerherz
06. Odin lädt uns zum Tanze ein
07. Die Götter 2.0
08. Der Teufel lacht uns aus
09. Untergang 2.0
10. Heut tanzen wir
11. Liebesgedicht


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Taurus Ferus sind:
Pasquale der Saitling: Gesang & Irish Bouzouki
Randalf der Weisse: Bass & Backing Vocals
Thoromir der Rattenfänger: Dudelsack, Schalmei, Flöte & Backing Vocals
Helkingh die Klaue: E-Gitarre & Backing Vocals
Lord Svens a lot: Schlagzeug & Backing Vocals


"Heut tanzen wir" heißt das zweite Album der Mittelalterrockband Taurus Ferus, die mit "Niemand sink(g)t allein" schon ein sehr gutes Debütalbum raus gehauen haben. Aus diesem Album stammen auch die beiden 2.0 Versionen von "Die Götter" und "Untergang", mehr dazu später. Eröffnet wird das Album mit dem "Rabensang". Getragen von Bass und Rabenrufen baut sich der Song langsam auf. Zum ersten Chorus hin wird dann ordentlich aufs Gaspedal gedrückt. Spätestens in diesem Moment wird man dann auch richtig vom Sound und Gesang mitgenommen. Nicht nur der Leadgesang von Pasquale klingt sehr gut, auch die harmonischen Chöre sind hervorragend. Raben werden oft als Unheilsbringer verflucht. Wer sich jedoch mit ihnen beschäftigt, weiß, dass diese hochintelligenten Vögel alles andere als bösartig sind, dafür aber eine durchaus mystische Aura haben. Genau um diese unterschiedlichen Gefühle und Ansichten geht es bei "Rabensang". "Nie wieder trinken wir": Wer hat das nicht selbst schon am Morgen einer durchzechten Nacht gedacht. Diesem nicht ernstgemeintem Schwur haben Taurus Ferus eine Hymne geschrieben. Beim Chorus darf nicht nur laut mitgesungen werden. Wer dabei noch einen vollen Krug oder ein volles Horn in der Hand hebt, macht alles richtig. Während die ersten Lieder ein ruhigeres Intro hatten, geben Taurus Ferus bei "Des Königs Thron" direkt Vollgas. Das Brett aus E-Gitarre und Dudelsack macht direkt Laune auf den Song, der als eine Hymne der Demokratie geschrieben worden ist. Entsprechend wird zum Sturz des Königs aufgerufen, der sein eigenes Volk tyrannisiert. Dass Musik eine Befreiung von den Lasten des Alltags ist, hat sich über die Jahrhunderte bis heute nicht geändert. "Nur hier sind wir frei" behandelt genau diese Macht, die in der Musik steckt. Wer gerade eine schwere Zeit durchmacht, sollte den Titel des Liedes laut mitsingen, denn allein das hat schon eine befreiende Wirkung für die Seele.

"Gauklerherz" wagt einen Blick hinter die Maske, die Gaukler für das Publikum aufsetzen. Während die Freude daran, die Menschen zu unterhalten, das Gauklerherz höher schlagen lässt, sind die ruhigen Stunden ohne Publikum schwer zu ertragen. Auch wenn die Thematik ernst ist, bleiben die Melodie und das Tempo sehr tanzbar. Eine akustische Version, die eher in Richtung Ballade geht, wäre bei diesem Song wirklich sehr interessant. Donnergrollen, Trommeln und Hörner kündigen das Erscheinen von Wikingern an. Wenn der Moment des Kampfes erreicht war und sich alle Emotionen in einen wilden Rausch entluden, dann wussten alle: "Odin lädt uns zum Tanze ein". Taurus Ferus erschaffen durch das Intro und den Text eine dichte Atmosphäre. Dass man das recht hohe Tempo der bisherigen Lieder für "Odin lädt uns zum Tanze ein" gedrosselt hat, war eine sehr gute Entscheidung. Dadurch wirkt die Geschichte nicht gehetzt, sondern schreitet langsam voran, wie es in der wirklichen Situation auch der Fall gewesen wäre. "Die Götter" war wie anfangs erwähnt schon auf dem Debütalbum der Band vorhanden und hat mit "Die Götter 2.0" eine rockige Version bekommen. Beide sind sehr hörenswert und passen entsprechend auf einen Mittelaltermarkt oder eine Clubbühne. Die Frage, ob die Götter ihre Macht durch große Mengen Alkohol oder durch einen Hammer oder Weisheit haben, wird zwar nicht beantwortet. Dafür kann man laut mitsingen und das Getränk nach Wahl beim Zuhören genießen. Der Kampf zwischen Gut und Böse wird in "Der Teufel lacht uns aus" ausgefochten. Entscheidet man sich für das Gute oder das Böse, für die Vernunft oder die Wut und den Hass? Während man sich selbst noch für eine Seite entscheiden muss, lacht der Teufel laut in den Momenten, wo das Böse triumphiert, ganz unabhängig davon, ob er den finalen Sieg davon tragen wird. Taurus Ferus beweisen auch in diesem Lied, dass sie nicht nur Musiker, sondern auch Geschichtenerzähler sind.



©Taurus Ferus

"Der Untergang 2.0" ist die zweite alternative Version eines Liedes, das bereits auf "Niemand sink(g)t allein" zu hören war und diesem Album zu seinem Namen verholfen hat, da der Titel ein Zitat aus dem Chorus ist. Durch die E-Gitarre und die Drums bekommt das Lied mehr Kraft und Druck in den Sound und wird so zu einer Hymne, die bei Konzerten sicherlich für laute Fanchöre sorgen wird. Weiter geht es mit dem Titellied "Heut tanzen wir", in dem es darum geht, den Moment zu genießen, weil man nie weiß, wann der letzte Tanz ansteht. Auch dieses Lied beginnt erst recht ruhig und wird dann im Verlauf schneller und auch härter. Spätestens wenn das Gaspedal durchgedrückt wird, folgt man der Aufforderung zum Tanz automatisch. Zum Abschluss folgt noch ein "Liebesgedicht" und eine ordentliche Portion Humor. Denn ein Gedicht vorzutragen verlangt eben auch nach der richtigen Situation, um seine Wirkung zu entfalten oder überhaupt vorgetragen zu werden. Mit dieser "Wie man es nicht macht"-Anleitung für Verliebte, haben Taurus Ferus einen sehr guten finalen Song für ihr Album ausgesucht, denn so verabschiedet man sich mit einem Lachen im Gesicht von "Heut tanzen wir". 

Nicht nur musikalisch ist "Heut tanzen wir" sehr gut gelungen, auch optisch gibt es viel zu entdecken, wenn man sich das Album als CD gegönnt hat. Leider gibt es keinerlei Hinweise, wer für das Artwork des Albums verantwortlich ist. Das Design und die Bilder lassen den Einsatz einer KI vermuten, dies sollte dann mit einem kurzen Hinweis erwähnt werden. Auch eine konkrete Angabe, wer genau für die Texte und die Musik verantwortlich ist, fehlt. Es gibt den Hinweis im Booklet, dass Pasquale der Saitling das Songwriting übernommen hatte, ob andere mitverantwortlich waren, bleibt also offen. Dafür gibt es zu jedem Lied Informationen zum Hintergrund und welche Bedeutung er aus Sicht von Taurus Ferus hat. Aufgenommen wurde das Album in der Wellenschmiede in Hamburg, die den Sound der Band wunderbar eingefangen hat. 

Mein Fazit: Taurus Ferus haben mit "Heut tanzen wir" ein sehr starkes Album veröffentlicht. Beim Hören ist mir aufgefallen, dass Taurus Ferus sehr gerne Schlagwörter als Chorus benutzen. So werden zum Beispiel "Nur hier sind wir frei" und auch "Odin lädt uns zum Tanze ein" zwar oft und laut wiederholt, aber unabhängig vom restlichen Text. Dies nimmt aber nichts vom sehr guten Songwriting weg. Dass man zwei Liedern ein neues Gewand geschneidert hat, ist auch sehr passend, denn den Wunsch, bekannte Lieder so zu hören, wie sie aktuell gespielt werden, kennt man von anderen Bands. Mit einer Spieldauer von knapp 51 Minuten hat das Album auch eine sehr angenehme Länge und das ohne einen Lückenfüller in der Liste zu haben. Wer das Album als Gesamtkonzept erleben mag, sollte zur CD greifen. Zwar gibt es das Album kostenlos zum Streamen im Internet, das graphische Design des Albums geht so aber natürlich unter. "Heut tanzen wir" macht nicht nur Lust auf mehr Musik von Taurus Ferus, sondern auch auf einen Konzertbesuch, um die Energie der Lieder mit anderen zusammen zu spüren. Wer jenseits der hoch und runter gespielten Bands der Mittelalterrockszene Neues entdecken mag, sollte sich Taurus Ferus auf jeden Fall einmal anhören. Meine Anspieltipps sind "Rabensang", "Nur hier sind wir frei", "Odin lädt uns zum Tanze ein", "Gauklerherz" und "Liebesgedicht".



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Release: 11. Mai 2025
Label: Eigenvertrieb 


Tracklist:
01. Rabensang
02. Nie wieder trinken wir
03. Des Königs Thron
04. Nur hier sind wir frei
05. Gauklerherz
06. Odin lädt uns zum Tanze ein
07. Die Götter 2.0
08. Der Teufel lacht uns aus
09. Untergang 2.0
10. Heut tanzen wir
11. Liebesgedicht


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Taurus Ferus sind:
Pasquale der Saitling: Gesang & Irish Bouzouki
Randalf der Weisse: Bass & Backing Vocals
Thoromir der Rattenfänger: Dudelsack, Schalmei, Flöte & Backing Vocals
Helkingh die Klaue: E-Gitarre & Backing Vocals
Lord Svens a lot: Schlagzeug & Backing Vocals


"Heut tanzen wir" heißt das zweite Album der Mittelalterrockband Taurus Ferus, die mit "Niemand sink(g)t allein" schon ein sehr gutes Debütalbum raus gehauen haben. Aus diesem Album stammen auch die beiden 2.0 Versionen von "Die Götter" und "Untergang", mehr dazu später. Eröffnet wird das Album mit dem "Rabensang". Getragen von Bass und Rabenrufen baut sich der Song langsam auf. Zum ersten Chorus hin wird dann ordentlich aufs Gaspedal gedrückt. Spätestens in diesem Moment wird man dann auch richtig vom Sound und Gesang mitgenommen. Nicht nur der Leadgesang von Pasquale klingt sehr gut, auch die harmonischen Chöre sind hervorragend. Raben werden oft als Unheilsbringer verflucht. Wer sich jedoch mit ihnen beschäftigt, weiß, dass diese hochintelligenten Vögel alles andere als bösartig sind, dafür aber eine durchaus mystische Aura haben. Genau um diese unterschiedlichen Gefühle und Ansichten geht es bei "Rabensang". "Nie wieder trinken wir": Wer hat das nicht selbst schon am Morgen einer durchzechten Nacht gedacht. Diesem nicht ernstgemeintem Schwur haben Taurus Ferus eine Hymne geschrieben. Beim Chorus darf nicht nur laut mitgesungen werden. Wer dabei noch einen vollen Krug oder ein volles Horn in der Hand hebt, macht alles richtig. Während die ersten Lieder ein ruhigeres Intro hatten, geben Taurus Ferus bei "Des Königs Thron" direkt Vollgas. Das Brett aus E-Gitarre und Dudelsack macht direkt Laune auf den Song, der als eine Hymne der Demokratie geschrieben worden ist. Entsprechend wird zum Sturz des Königs aufgerufen, der sein eigenes Volk tyrannisiert. Dass Musik eine Befreiung von den Lasten des Alltags ist, hat sich über die Jahrhunderte bis heute nicht geändert. "Nur hier sind wir frei" behandelt genau diese Macht, die in der Musik steckt. Wer gerade eine schwere Zeit durchmacht, sollte den Titel des Liedes laut mitsingen, denn allein das hat schon eine befreiende Wirkung für die Seele.

"Gauklerherz" wagt einen Blick hinter die Maske, die Gaukler für das Publikum aufsetzen. Während die Freude daran, die Menschen zu unterhalten, das Gauklerherz höher schlagen lässt, sind die ruhigen Stunden ohne Publikum schwer zu ertragen. Auch wenn die Thematik ernst ist, bleiben die Melodie und das Tempo sehr tanzbar. Eine akustische Version, die eher in Richtung Ballade geht, wäre bei diesem Song wirklich sehr interessant. Donnergrollen, Trommeln und Hörner kündigen das Erscheinen von Wikingern an. Wenn der Moment des Kampfes erreicht war und sich alle Emotionen in einen wilden Rausch entluden, dann wussten alle: "Odin lädt uns zum Tanze ein". Taurus Ferus erschaffen durch das Intro und den Text eine dichte Atmosphäre. Dass man das recht hohe Tempo der bisherigen Lieder für "Odin lädt uns zum Tanze ein" gedrosselt hat, war eine sehr gute Entscheidung. Dadurch wirkt die Geschichte nicht gehetzt, sondern schreitet langsam voran, wie es in der wirklichen Situation auch der Fall gewesen wäre. "Die Götter" war wie anfangs erwähnt schon auf dem Debütalbum der Band vorhanden und hat mit "Die Götter 2.0" eine rockige Version bekommen. Beide sind sehr hörenswert und passen entsprechend auf einen Mittelaltermarkt oder eine Clubbühne. Die Frage, ob die Götter ihre Macht durch große Mengen Alkohol oder durch einen Hammer oder Weisheit haben, wird zwar nicht beantwortet. Dafür kann man laut mitsingen und das Getränk nach Wahl beim Zuhören genießen. Der Kampf zwischen Gut und Böse wird in "Der Teufel lacht uns aus" ausgefochten. Entscheidet man sich für das Gute oder das Böse, für die Vernunft oder die Wut und den Hass? Während man sich selbst noch für eine Seite entscheiden muss, lacht der Teufel laut in den Momenten, wo das Böse triumphiert, ganz unabhängig davon, ob er den finalen Sieg davon tragen wird. Taurus Ferus beweisen auch in diesem Lied, dass sie nicht nur Musiker, sondern auch Geschichtenerzähler sind.



©Taurus Ferus

"Der Untergang 2.0" ist die zweite alternative Version eines Liedes, das bereits auf "Niemand sink(g)t allein" zu hören war und diesem Album zu seinem Namen verholfen hat, da der Titel ein Zitat aus dem Chorus ist. Durch die E-Gitarre und die Drums bekommt das Lied mehr Kraft und Druck in den Sound und wird so zu einer Hymne, die bei Konzerten sicherlich für laute Fanchöre sorgen wird. Weiter geht es mit dem Titellied "Heut tanzen wir", in dem es darum geht, den Moment zu genießen, weil man nie weiß, wann der letzte Tanz ansteht. Auch dieses Lied beginnt erst recht ruhig und wird dann im Verlauf schneller und auch härter. Spätestens wenn das Gaspedal durchgedrückt wird, folgt man der Aufforderung zum Tanz automatisch. Zum Abschluss folgt noch ein "Liebesgedicht" und eine ordentliche Portion Humor. Denn ein Gedicht vorzutragen verlangt eben auch nach der richtigen Situation, um seine Wirkung zu entfalten oder überhaupt vorgetragen zu werden. Mit dieser "Wie man es nicht macht"-Anleitung für Verliebte, haben Taurus Ferus einen sehr guten finalen Song für ihr Album ausgesucht, denn so verabschiedet man sich mit einem Lachen im Gesicht von "Heut tanzen wir". 

Nicht nur musikalisch ist "Heut tanzen wir" sehr gut gelungen, auch optisch gibt es viel zu entdecken, wenn man sich das Album als CD gegönnt hat. Leider gibt es keinerlei Hinweise, wer für das Artwork des Albums verantwortlich ist. Das Design und die Bilder lassen den Einsatz einer KI vermuten, dies sollte dann mit einem kurzen Hinweis erwähnt werden. Auch eine konkrete Angabe, wer genau für die Texte und die Musik verantwortlich ist, fehlt. Es gibt den Hinweis im Booklet, dass Pasquale der Saitling das Songwriting übernommen hatte, ob andere mitverantwortlich waren, bleibt also offen. Dafür gibt es zu jedem Lied Informationen zum Hintergrund und welche Bedeutung er aus Sicht von Taurus Ferus hat. Aufgenommen wurde das Album in der Wellenschmiede in Hamburg, die den Sound der Band wunderbar eingefangen hat. 

Mein Fazit: Taurus Ferus haben mit "Heut tanzen wir" ein sehr starkes Album veröffentlicht. Beim Hören ist mir aufgefallen, dass Taurus Ferus sehr gerne Schlagwörter als Chorus benutzen. So werden zum Beispiel "Nur hier sind wir frei" und auch "Odin lädt uns zum Tanze ein" zwar oft und laut wiederholt, aber unabhängig vom restlichen Text. Dies nimmt aber nichts vom sehr guten Songwriting weg. Dass man zwei Liedern ein neues Gewand geschneidert hat, ist auch sehr passend, denn den Wunsch, bekannte Lieder so zu hören, wie sie aktuell gespielt werden, kennt man von anderen Bands. Mit einer Spieldauer von knapp 51 Minuten hat das Album auch eine sehr angenehme Länge und das ohne einen Lückenfüller in der Liste zu haben. Wer das Album als Gesamtkonzept erleben mag, sollte zur CD greifen. Zwar gibt es das Album kostenlos zum Streamen im Internet, das graphische Design des Albums geht so aber natürlich unter. "Heut tanzen wir" macht nicht nur Lust auf mehr Musik von Taurus Ferus, sondern auch auf einen Konzertbesuch, um die Energie der Lieder mit anderen zusammen zu spüren. Wer jenseits der hoch und runter gespielten Bands der Mittelalterrockszene Neues entdecken mag, sollte sich Taurus Ferus auf jeden Fall einmal anhören. Meine Anspieltipps sind "Rabensang", "Nur hier sind wir frei", "Odin lädt uns zum Tanze ein", "Gauklerherz" und "Liebesgedicht".



]]> https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=863 Wed, 21 May 2025 17:59:02 +0200 https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=863


Release: 30. Mai 2025
Label: record jet


Tracklist:
01. Lasst die Sorgen zurück
02. Molly Malone
03. Schockschwerenot
04. Si maritau Rosa
05. A Lavandeira da noite - España Cañi
06. Mein Weib will mich verlassen
07. Es saß ein klein wild Vögelein
08. Mit dem Wind
09. Hamborger Veermaster
10. Adele
11. Walpurgisnacht
12. Dat du min Leevsten büst
13. Roll the Old Chariot Along
14. Wenn der Abend naht


Homepage
Facebook
Shop
Youtube
Instagram


Spielleute Skadefryd sind:
Günter Butz / Gunnar, der Trobador: Gesang & Percussion
Andrea Griesser / Nephilim, das Goldkehlchen; Gesang, Flöte & Percussion
Thomas Reinacher / Gevatter, der schwarze Barde: Gitarre, Cister, Dulcister & Gesang
Markus Schlienger / Graf Markus, der Fähnrich: Bannerträger
Hendrik Pfeifer, genannt Henne: Davul, Geräusche & Gesang


"Voll auf die 12!" heißt das vierte Studioalbum von Spielleute Skadefryd, das pünktlich zur Sommersaison 2025 in den Startlöchern steht. Mit 14 neuen Liedern möchten euch die Spielleute unterhalten und euch den Alltag vergessen lassen. Passend zu diesem Vorhaben startet das Album mit "Lasst die Sorgen zurück" von Die Ritter der Feder - einer Einladung zum Singen, Tanzen und mit einem Glas Wein den Moment zu genießen. Ein wahrer Klassiker der Folkszene folgt mit "Molly Malone". Das Leben und der Tod dieser irischen Schönheit aus Dublin werden in diesem traditionellen Lied besungen. Das bekannte "Alive, alive, oh" darf natürlich auch in dieser schönen Version mitgesungen werden. Auch wenn viele Mittelalterfans vermuten, dass "Schockschwerenot" von Duivelspack stammt, ist dieses Lied im Original von der Band Horch. Spielleute Skadefryd haben das Lied nun auf ihre eigene Art umgesetzt und werden mit ihrer Version neue und alte Fans des Liedes zum Schmunzeln bringen. Nach Italien wird man mit "Si maritau Rose" entführt, nach Sizilien um genau zu sein, aus dem dieses traditionelle Stück stammt. Besungen wird die Geschichte einer jungen Frau, die miterlebt, wie ihre Freundinnen nach und nach heiraten und selbst keinen Ehemann findet. In der Zeit, aus dem "Si maritau Rosa" stammt, war die Ehe das höchste Lebensziel einer Frau. Von Italien aus reisen die Spielleute mit "A Lavandeira da noite - España Cañi" musikalisch nach Spanien weiter. Der Text von "A Lavandeire da noite" übersetzen die Spielleute zum Teil ins Deutsche, um den Hörern die Geschichte so näherzubringen. Kombiniert wird das Lied dann mit Ausschnitten aus dem bekannten Lied "España Cañi" von Pascual Marquina Narro. 

Mit "Mein Weib will mich verlassen" von Georg Kreisler bringen Spielleute Skadefryd erneut ein Schmunzeln in die Gesichter ihrer Hörer, da der Text nicht nur einmal mit ihren Erwartungen spielt. Ein Lied Georg Kreislers, der als österreichischer Jude mit seiner Familie nach dem Anschluss Österreichs ans nationalsozialistische Deutschland in die USA flüchten musste, könnte hier durchaus als Statement gegen Hass, Hetze und Diskriminierung gewählt worden sein. "Es war ein klein wild Vögelein" ist ein traditionelles Lied aus der Mitte des 19. Jahrhunderts. Es gibt unterschiedliche Interpretationen des Textes. Auf der einen Seite könnte es den Wunsch nach Freiheit und Ungebundenheit des Vögeleins ausdrücken, doch nach 1945 gibt es unter anderem auch eine Sichtweise mit ernsterem Hintergrund. So soll das Vögelein für die vertriebenen und ausgewanderten Völker stehen, die ihre Heimat verloren haben. Diese Hintergründe ändern aber nichts daran, dass "Es saß ein klein wild Vögelein" auch einfach als traurig-schöne Ballade gehört werden kann.

"Mit dem Wind" stammt aus der Feder von Andrea Griesser / Nephilim, das Goldkehlchen, und ich musste mich an dieser Stelle fragen, warum nicht mehr eigene Stücke auf dem Album gelandet sind. Die Geschichte handelt vom Wunsch nach Freiheit, den Verlusten und Sehnsüchten, die ein Wikinger während langer Seefahrten erlebt und der endgültigen Heimkehr nach all diesen Abenteuern mit Siegen und Niederlagen. Die wunderschön-melancholische Melodie verstärkt die besungenen Emotionen und sorgt für die eine oder andere Gänsehaut. Den "Hamborger Veermaster" kennt eigentlich jeder, der sich mit Shantys beschäftigt. Spielleute Skadefryd bringen hier mit viel Spielfreude und Schwung auch den stursten Seebären zum Schunkeln. Wer Zweideutigkeiten und Wortspielereien mag, wird mit "Adele" sehr viel Freude haben. Das Lied ist sowohl in der Mittelalter- als auch LARP-Szene sehr beliebt und ist auch in dieser Umsetzung ein Garant für gute Laune. Mit "Walpurgisnacht" haben sich die Spielleute an ein Lied der bekannten Pagan Folk Band Faun herangewagt. Wer das Original kennt und mag, sollte sich auch dieses Cover unbedingt anhören, da es einen ganz eigenen Klang bekommen hat, ohne den Zauber des Originals zu verlieren.


©Urs Rindisbacher - FarbigePixel

"Dat du min Leevsten büst" ist ein traditionelles Lied, das in den letzten Jahren einige Male neu aufgenommen worden ist und so wieder mehr an Beliebtheit gewonnen hat. Auch die Interpretation der Spielleute Skadefryd ist sehr hörenswert und schön umgesetzt worden. Ein weiteres Shanty gibt es in Form von "Roll the Old Chariot Along", bei dem die Spielleute beweisen, dass sie auch a capella überzeugen können. Was fehlt, sind eigentlich nur das Knistern eines Lagerfeuers und ein guter Rum in der Hand. Beim Titel "Wenn der Abend naht" ahnt man schon, dass man am Ende des Albums angekommen ist. Das Lied ist nicht nur in der Folk- und Bardenszene sehr beliebt, sondern auch in Pfadfindergruppen. Geschrieben wurde es von Erik "Mac" Martin und ist ein passender und schöner Abschluss für "Voll auf die 12!". Die zwei Chöre der zweistimmigen Melodie klingen sehr schön und bringen die Melancholie zum Abschied sehr gut rüber.

Mein Fazit: "Voll auf die 12!" bietet mit insgesamt 14 Liedern eine sehr abwechslungsreiche Liedauswahl, die traditionelles mit modernem Liedgut und eigener Musik verbindet. Jedes Lied bekommt durch den Stil der Spielleute einen neuen Klang, ohne seinen eigenen Charakter zu verlieren. Ein gutes Beispiel dafür ist "Walpurgisnacht" von Faun, das schon durch die Instrumentenauswahl ganz anders klingt. Während man beim Original tief und isoliert in einem Wald ums Feuer herumtanzen mag, kommt hier eher der Wunsch auf, an einem großen Feuer auf einem Mittelaltermarkt gemeinsam zu tanzen. Während man gerade auf den ersten Alben den Wunsch nach Perfektionismus herausgehört hat, kommt jetzt auch die Spielfreude und Lust am Musikmachen durch. Dies bedeutet nicht, dass die Aufnahmen an Qualität verloren haben, sie wirken einfach weniger steril und dafür mehr nach einem Liveauftritt, dem man gerade zuhören darf. Während das Hauptaugenmerk eindeutig auf der Musik liegt, ist das Album von der graphischen Gestaltung eher schlicht gehalten. Das Cover zeigt ein Foto der Band, während man auf der Rückseite eine Burgruine und die Tracklist des Albums sieht, ein Booklet ist allerdings nicht vorhanden. Zur Stimmung des Albums und der Musik passen die Bilder dennoch sehr gut und die Spielzeit von knapp 44 Minuten ist ein weiteres Argument, das Album als CD in die eigene Sammlung aufzunehmen. Die Tatsache, dass man mit dem Kauf einer CD im Bandshop die Band auch direkt unterstützt, sollte einen weiteren Pluspunkt darstellen. 

"Voll auf die 12!" reiht sich perfekt in die Diskographie der Band ein und ist erneut ein großer Schritt nach vorn in der Entwicklung der Band. Die Lieder sind so arrangiert worden, wie man sie auch live auf einem Markt hören kann. Damit eignet sich das Album sowohl für die heimischen Playlisten, als auch für Tavernen und andere mittelalterliche Veranstaltungen. Durch die Liederauswahl muss man auch keine Sorge haben, ständig die gefühlt hundertste Variante eines Klassikers zu hören, den irgendwie jede Band schon eingespielt hat. Meine Anspieltipps zum Release am 30. Mai sind "Si maritau Rosa", "Mein Weib will mich verlassen", "Mit dem Wind" und "Walpurgisnacht". 

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Release: 30. Mai 2025
Label: record jet


Tracklist:
01. Lasst die Sorgen zurück
02. Molly Malone
03. Schockschwerenot
04. Si maritau Rosa
05. A Lavandeira da noite - España Cañi
06. Mein Weib will mich verlassen
07. Es saß ein klein wild Vögelein
08. Mit dem Wind
09. Hamborger Veermaster
10. Adele
11. Walpurgisnacht
12. Dat du min Leevsten büst
13. Roll the Old Chariot Along
14. Wenn der Abend naht


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Spielleute Skadefryd sind:
Günter Butz / Gunnar, der Trobador: Gesang & Percussion
Andrea Griesser / Nephilim, das Goldkehlchen; Gesang, Flöte & Percussion
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Markus Schlienger / Graf Markus, der Fähnrich: Bannerträger
Hendrik Pfeifer, genannt Henne: Davul, Geräusche & Gesang


"Voll auf die 12!" heißt das vierte Studioalbum von Spielleute Skadefryd, das pünktlich zur Sommersaison 2025 in den Startlöchern steht. Mit 14 neuen Liedern möchten euch die Spielleute unterhalten und euch den Alltag vergessen lassen. Passend zu diesem Vorhaben startet das Album mit "Lasst die Sorgen zurück" von Die Ritter der Feder - einer Einladung zum Singen, Tanzen und mit einem Glas Wein den Moment zu genießen. Ein wahrer Klassiker der Folkszene folgt mit "Molly Malone". Das Leben und der Tod dieser irischen Schönheit aus Dublin werden in diesem traditionellen Lied besungen. Das bekannte "Alive, alive, oh" darf natürlich auch in dieser schönen Version mitgesungen werden. Auch wenn viele Mittelalterfans vermuten, dass "Schockschwerenot" von Duivelspack stammt, ist dieses Lied im Original von der Band Horch. Spielleute Skadefryd haben das Lied nun auf ihre eigene Art umgesetzt und werden mit ihrer Version neue und alte Fans des Liedes zum Schmunzeln bringen. Nach Italien wird man mit "Si maritau Rose" entführt, nach Sizilien um genau zu sein, aus dem dieses traditionelle Stück stammt. Besungen wird die Geschichte einer jungen Frau, die miterlebt, wie ihre Freundinnen nach und nach heiraten und selbst keinen Ehemann findet. In der Zeit, aus dem "Si maritau Rosa" stammt, war die Ehe das höchste Lebensziel einer Frau. Von Italien aus reisen die Spielleute mit "A Lavandeira da noite - España Cañi" musikalisch nach Spanien weiter. Der Text von "A Lavandeire da noite" übersetzen die Spielleute zum Teil ins Deutsche, um den Hörern die Geschichte so näherzubringen. Kombiniert wird das Lied dann mit Ausschnitten aus dem bekannten Lied "España Cañi" von Pascual Marquina Narro. 

Mit "Mein Weib will mich verlassen" von Georg Kreisler bringen Spielleute Skadefryd erneut ein Schmunzeln in die Gesichter ihrer Hörer, da der Text nicht nur einmal mit ihren Erwartungen spielt. Ein Lied Georg Kreislers, der als österreichischer Jude mit seiner Familie nach dem Anschluss Österreichs ans nationalsozialistische Deutschland in die USA flüchten musste, könnte hier durchaus als Statement gegen Hass, Hetze und Diskriminierung gewählt worden sein. "Es war ein klein wild Vögelein" ist ein traditionelles Lied aus der Mitte des 19. Jahrhunderts. Es gibt unterschiedliche Interpretationen des Textes. Auf der einen Seite könnte es den Wunsch nach Freiheit und Ungebundenheit des Vögeleins ausdrücken, doch nach 1945 gibt es unter anderem auch eine Sichtweise mit ernsterem Hintergrund. So soll das Vögelein für die vertriebenen und ausgewanderten Völker stehen, die ihre Heimat verloren haben. Diese Hintergründe ändern aber nichts daran, dass "Es saß ein klein wild Vögelein" auch einfach als traurig-schöne Ballade gehört werden kann.

"Mit dem Wind" stammt aus der Feder von Andrea Griesser / Nephilim, das Goldkehlchen, und ich musste mich an dieser Stelle fragen, warum nicht mehr eigene Stücke auf dem Album gelandet sind. Die Geschichte handelt vom Wunsch nach Freiheit, den Verlusten und Sehnsüchten, die ein Wikinger während langer Seefahrten erlebt und der endgültigen Heimkehr nach all diesen Abenteuern mit Siegen und Niederlagen. Die wunderschön-melancholische Melodie verstärkt die besungenen Emotionen und sorgt für die eine oder andere Gänsehaut. Den "Hamborger Veermaster" kennt eigentlich jeder, der sich mit Shantys beschäftigt. Spielleute Skadefryd bringen hier mit viel Spielfreude und Schwung auch den stursten Seebären zum Schunkeln. Wer Zweideutigkeiten und Wortspielereien mag, wird mit "Adele" sehr viel Freude haben. Das Lied ist sowohl in der Mittelalter- als auch LARP-Szene sehr beliebt und ist auch in dieser Umsetzung ein Garant für gute Laune. Mit "Walpurgisnacht" haben sich die Spielleute an ein Lied der bekannten Pagan Folk Band Faun herangewagt. Wer das Original kennt und mag, sollte sich auch dieses Cover unbedingt anhören, da es einen ganz eigenen Klang bekommen hat, ohne den Zauber des Originals zu verlieren.


©Urs Rindisbacher - FarbigePixel

"Dat du min Leevsten büst" ist ein traditionelles Lied, das in den letzten Jahren einige Male neu aufgenommen worden ist und so wieder mehr an Beliebtheit gewonnen hat. Auch die Interpretation der Spielleute Skadefryd ist sehr hörenswert und schön umgesetzt worden. Ein weiteres Shanty gibt es in Form von "Roll the Old Chariot Along", bei dem die Spielleute beweisen, dass sie auch a capella überzeugen können. Was fehlt, sind eigentlich nur das Knistern eines Lagerfeuers und ein guter Rum in der Hand. Beim Titel "Wenn der Abend naht" ahnt man schon, dass man am Ende des Albums angekommen ist. Das Lied ist nicht nur in der Folk- und Bardenszene sehr beliebt, sondern auch in Pfadfindergruppen. Geschrieben wurde es von Erik "Mac" Martin und ist ein passender und schöner Abschluss für "Voll auf die 12!". Die zwei Chöre der zweistimmigen Melodie klingen sehr schön und bringen die Melancholie zum Abschied sehr gut rüber.

Mein Fazit: "Voll auf die 12!" bietet mit insgesamt 14 Liedern eine sehr abwechslungsreiche Liedauswahl, die traditionelles mit modernem Liedgut und eigener Musik verbindet. Jedes Lied bekommt durch den Stil der Spielleute einen neuen Klang, ohne seinen eigenen Charakter zu verlieren. Ein gutes Beispiel dafür ist "Walpurgisnacht" von Faun, das schon durch die Instrumentenauswahl ganz anders klingt. Während man beim Original tief und isoliert in einem Wald ums Feuer herumtanzen mag, kommt hier eher der Wunsch auf, an einem großen Feuer auf einem Mittelaltermarkt gemeinsam zu tanzen. Während man gerade auf den ersten Alben den Wunsch nach Perfektionismus herausgehört hat, kommt jetzt auch die Spielfreude und Lust am Musikmachen durch. Dies bedeutet nicht, dass die Aufnahmen an Qualität verloren haben, sie wirken einfach weniger steril und dafür mehr nach einem Liveauftritt, dem man gerade zuhören darf. Während das Hauptaugenmerk eindeutig auf der Musik liegt, ist das Album von der graphischen Gestaltung eher schlicht gehalten. Das Cover zeigt ein Foto der Band, während man auf der Rückseite eine Burgruine und die Tracklist des Albums sieht, ein Booklet ist allerdings nicht vorhanden. Zur Stimmung des Albums und der Musik passen die Bilder dennoch sehr gut und die Spielzeit von knapp 44 Minuten ist ein weiteres Argument, das Album als CD in die eigene Sammlung aufzunehmen. Die Tatsache, dass man mit dem Kauf einer CD im Bandshop die Band auch direkt unterstützt, sollte einen weiteren Pluspunkt darstellen. 

"Voll auf die 12!" reiht sich perfekt in die Diskographie der Band ein und ist erneut ein großer Schritt nach vorn in der Entwicklung der Band. Die Lieder sind so arrangiert worden, wie man sie auch live auf einem Markt hören kann. Damit eignet sich das Album sowohl für die heimischen Playlisten, als auch für Tavernen und andere mittelalterliche Veranstaltungen. Durch die Liederauswahl muss man auch keine Sorge haben, ständig die gefühlt hundertste Variante eines Klassikers zu hören, den irgendwie jede Band schon eingespielt hat. Meine Anspieltipps zum Release am 30. Mai sind "Si maritau Rosa", "Mein Weib will mich verlassen", "Mit dem Wind" und "Walpurgisnacht". 

]]> https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=862 Sat, 17 May 2025 22:04:34 +0200 https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=862


Release: 23. Mai 2025
Label: Redfield Record


Tracklist:
01. Fasan Alarm
02. Und 'n Tripper
03. Muschelbusen
04. Kupfer und Gold
05. Der Metmeister
06. Rammlerina
07. Koboldkeilerei
08. Der Klügere kippt nach
09. Met Kasalla uss Valhalla
10. Zombie Malone


Kupfergold sind gerade der heiße Scheiß der deutschen Folk-Szene. Die bescheidenen Rheinländer um Frontfrau Bonnie Banks wissen selbst nicht genau, wie es dazu kam, aber arrangieren sich zunehmend damit, als “Newcomer-Sensation” und “Überflieger” bezeichnet zu werden. Ebenso arrangiert sich die Band mit immer größeren Bühnen, wie zum Beispiel beim Wacken Open Air, Summer Breeze, Rock Harz und vielen weiteren Festivals. Kupfergold ist ein fester Bestandteil der MPSFamilie geworden; hat sich nebenbei noch einen Namen im Kölner Karneval gemacht und von den ersten 10 eigenen Headliner-Shows gleich 6 ausverkauft. Im Sommer 2025 setzt sich die Band mit ihrem neuen Album FASAN ALARM ein kupfergoldenes Krönchen auf die eigenen Häupter. Mit neuem Sound, neuer Instrumentierung und neuen Geschichten aus dem Goldenen Rammler ist die Band bestens gewappnet, um ihren Höhenflug durch die Festival-Landschaft fortzusetzen. (Quelle: Pressetext)


Homepage
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Instagram


Kupfergold sind:
Bonnie Banks: Gesang
Bumm Bumm Basti: Schlagzeug & Percussion und weitere Instrumente
Eric Rhymes: Laute
Kai der Hai:  Bass
Flint Stone: E-Gitarre


Für mich als langjährigen Kupfergold-Fan ist es ein wenig merkwürdig, wenn Kupfergold immer noch als Newcomer oder Geheimtipp gehandelt werden. Dies wird sogar selbst von Kupfergold in den neuen Liedern angesprochen. Vielleicht liegt dies einfach an einer Mischung aus Bescheidenheit und dem Unglauben, wie viel zwischen "Lichtermeer" und "Fasan Alarm" passiert ist. Viele grandiose Auftritte und ein deutlicher Anstieg beim Bekanntheitsgrad der Band sprechen eigentlich für sich. Zwei Fragen stehen nun natürlich im Raum, die Fans für sich wahrscheinlich schon beantwortet haben. Kann "Fasan Alarm" den Erfolg fortsetzen und werden Kupfergold es schaffen, sich einen festen Platz in der Folkrock-Szene sichern? Tauchen wir doch einfach ins Album ein, um die Antworten zu finden.

"Fasan Alarm" ist das erste Album der Band, das bei einem Label erscheint. Redfield Records helfen dabei nicht nur beim Verkauf, sondern auch beim Marketing des Albums und da kann man schonmal sagen, dass Kupfergold eine gute Wahl getroffen haben. Das Album beginnt ohne unnötiges Intro direkt mit dem Titellied. Im ersten Moment habe ich gedacht, dass ich gerade ein neues Versengold Lied höre. Spätestens wenn Bonnie anfängt zu singen, ist aber klar, dass man Kupfergold hört. Hier stellen sich Kupfergold direkt als "die Neuen" vor. Dabei wäre ein "Wir sind wieder da" angebrachter. An Selbstbewusstsein fehlt es der Band dennoch nicht und das machen sie im Text auch deutlich. Die schnelle, sehr tanzbare Nummer sorgt für gute Laune und ist ein perfekter Start, der Lust auf die nächsten Lieder macht. "Und 'n Tripper" erinnert ein wenig an "Virus" von LaFee, aber auf seine ganz eigene Art und Weise. Wer sich danach noch mit Bonnie anlegen möchte, dürfte schon ein wenig lebensmüde sein. Das Schöne an dem Lied ist, dass es nicht an eine bestimmte Person gerichtet ist und man sich selbst so die Freiheit gönnen kann, an jeden beliebigen Menschen denken zu können. Für Frust- und Stressabbau wird hier bestens gesorgt. Wer "Laich mich ein" von Knasterbart kennt, wird bei "Muschelbusen" schnell merken, dass hier die Sicht der Meerjungfrau besungen wird. Wortspiele und Zweideutigkeiten gibt es hier in Hülle und Fülle. Irgendwie hatte ich nach dem Anhören Lust auf einen guten Schluck Rum und den Gedanken, mal wieder bei Knasterbart reinzuhören.

Nachdem man nun gesungen und getanzt hat, wird es Zeit, wirklich ein wenig Luft zu holen und etwas zu trinken. Zum Glück geht es Kupfergold auch so, denn mit "Der Metmeister" wird ein wenig Tempo herausgenommen und direkt ein Getränkevorschlag mitgeliefert. Schunkeln und anstoßen bietet sich bei dem Lied natürlich weiter an. Übertreibt es aber nicht, denn wir sind ja noch lange nicht am Ende des Albums angekommen. Die erste Ballade folgt mit "Rammlerina". Die wunderschöne Melodie verursacht nicht nur einmal eine Gänsehaut und man merkt einmal mehr, dass Kupfergold mehr als nur eine Partyband sind. "Rammlerina" ist dazu noch ein Lied, bei dem man das Gefühl hat, einen kleinen Einblick in eine viel größere Geschichte zu haben, von der man mehr hören möchte. "Koboldkeilerei" gibt direkt wieder Vollgas und ist nicht nur eine Geschichte über irische Kobolde, die ihren Goldschatz bewachen. Wer die Alben von Kupfergold kennt, sieht in dem Titel auch einen Rückblick ans Debütalbum "Koboldkeile". Während es auf "Koboldkeile" bekannte Lieder der Folkszene zu hören gibt, sind auf "Fasan Alarm" nur noch eigene Stücke zu hören. Wer weiterhört, wird aber feststellen, dass man sich nicht ganz von den traditionellen Stücken getrennt hat. "Der Klügere kippt nach" ist eine Rückkehr in den Goldenen Rammler und der Wirtin Rosie. So ein kaltes Getränk, um den Alltagsstress herunterzuspülen, ist auf jeden Fall besser, als sich zu viele Gedanken zu machen. Auch wenn es so klingt, als wenn es nur ein weiteres Trinklied ist, solltet ihr unbedingt auf den Text achten. Was da im Rammler alles passiert, ist zu lustig, um es aus Versehen zu überhören. "Met Kassalla uss Valhalla" ist schon eine ganze Weile überall zu hören, was dem Partyfaktor dieser kölschen Nummer in keinster Weise geschadet hat. "Zombie Malone" ist die angesprochene Rückkehr zu einer traditionellen Geschichte. Molly Malone lebt als Untote weiter und bringt so Unheil über Dublin. Die Melodie stammt von Kupfergold. Im Text wird das Lied "Molly Malone" mehrfach zitiert, die Geschichte stammt aber auch von Kupfergold selbst. Da zum Beispiel offen bleibt, warum sie als Zombie wiederkehrt, könnte man auch hier weitere Lieder folgen lassen, um die Geschichte abzurunden. Damit ist man dann auch schon am Ende angekommen, was gefühlt einfach viel zu schnell der Fall ist.


(Foto: Alina Hartwig)

Das Album ist musikalisch und optisch ein wahrer Genuss. Bei der Abmischung wurde darauf geachtet, dass auch kleine Details nicht verloren gehen und jedes Instrument gut hörbar ist. Der Gesang ist wie immer klar und deutlich zu hören und der größere Chor ist ein echter Gewinn für die Lieder. Das Artwork passt perfekt zur Musik und sticht sofort ins Auge. Auf technischer Seite gibt es also keinen Grund zu meckern. Ob der neue, rockigere Sound gut ankommt, ist Geschmackssache. Aus den Texten und Melodien hört man Kupfergold eindeutig heraus und Ähnlichkeiten zu anderen Bands, die ähnliche Instrumente benutzen, sind halt nicht zu vermeiden.

Mein Fazit: Üh-Üh! Den Fasan Alarm wird man dieses Jahr definitiv laut und deutlich vernehmen, denn Kupfergold haben erneut ein geniales Album abgeliefert. Mit neuen Bandmitgliedern und mehr Instrumenten präsentieren sich Kupfergold motiviert und spielfreudig wie eh und je. In den Texten wird kein Blatt vor den Mund genommen und hie und da auch mal ne Ohrfeige verteilt - oder 'n Tripper. E-Gitarre und Schlagzeug sorgen für mehr Druck im Sound, ohne den bekannten Kupfergoldklang zu vertreiben. Auf Balladen muss man als Fan auch in der neuen Folkrock-Era nicht verzichten und die Platzierung der ruhigeren Stücke ist sehr gut gewählt, um immer mal wieder Luft holen zu können. Die Spielzeit von knapp 32 Minuten erweist sich als Fluch und Segen zugleich. Der Segen besteht unter anderem darin, dass es keinen einzigen Lückenfüller gibt, mit dem man versucht hat, künstlich mehr Spielzeit zu erreichen. Da "Fasan Alarm" aber das kürzeste Album der Band ist und die Preise für CDs angestiegen sind, ist die Kürze des Albums vielleicht schon ein Faktor, weshalb man eher auf eine digitale Version zurückgreift oder das Album über einen Streamingdienst hören möchte. Dies ist aber nur ein kleiner Wehmutstropfen.

Die oben gestellten Fragen kann ich nur mit einem deutlichen "Ja" beantworten. "Fasan Alarm" macht dort weiter, wo Kupfergold mit "Lichtermeer" aufgehört haben und geht sogar noch einen großen Schritt in der Entwicklung der Band nach vorn. Begriffe wie Newcomer, Geheimtipp oder "die Neuen" sollten spätestens nach dem Festivalsommer 2025 der Vergangenheit angehören. An "Fasan Alarm" kommt man dieses Jahr einfach nicht vorbei, wenn man sich als Kenner der Folk- und Festivalszenen bezeichnen möchte. Mit den Singles "Met Kasalla uss Valhalla", "Und 'n Tripper" und "Kupfer und Gold" könnt ihr euch schon perfekt auf das Album einstimmen. Fans können bedenkenlos zugreifen und wer Bands wie Die Habenichtse, Versengold, Knasterbart und Mr. Hurley & die Pulveraffen mag, wird das Album ebenfalls feiern. Von mir gibt es eine klare Kaufempfehlung, denn gute Laune und Partystimmung sind mit dem Album garantiert. Falls ihr das Album lieber streamen möchtet, dann bringt die Leitungen der Streamingdienste ab dem 23. Mai zum Glühen, damit auch andere eine Empfehlung zum Reinhören bekommen. 
 
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Release: 23. Mai 2025
Label: Redfield Record


Tracklist:
01. Fasan Alarm
02. Und 'n Tripper
03. Muschelbusen
04. Kupfer und Gold
05. Der Metmeister
06. Rammlerina
07. Koboldkeilerei
08. Der Klügere kippt nach
09. Met Kasalla uss Valhalla
10. Zombie Malone


Kupfergold sind gerade der heiße Scheiß der deutschen Folk-Szene. Die bescheidenen Rheinländer um Frontfrau Bonnie Banks wissen selbst nicht genau, wie es dazu kam, aber arrangieren sich zunehmend damit, als “Newcomer-Sensation” und “Überflieger” bezeichnet zu werden. Ebenso arrangiert sich die Band mit immer größeren Bühnen, wie zum Beispiel beim Wacken Open Air, Summer Breeze, Rock Harz und vielen weiteren Festivals. Kupfergold ist ein fester Bestandteil der MPSFamilie geworden; hat sich nebenbei noch einen Namen im Kölner Karneval gemacht und von den ersten 10 eigenen Headliner-Shows gleich 6 ausverkauft. Im Sommer 2025 setzt sich die Band mit ihrem neuen Album FASAN ALARM ein kupfergoldenes Krönchen auf die eigenen Häupter. Mit neuem Sound, neuer Instrumentierung und neuen Geschichten aus dem Goldenen Rammler ist die Band bestens gewappnet, um ihren Höhenflug durch die Festival-Landschaft fortzusetzen. (Quelle: Pressetext)


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Kupfergold sind:
Bonnie Banks: Gesang
Bumm Bumm Basti: Schlagzeug & Percussion und weitere Instrumente
Eric Rhymes: Laute
Kai der Hai:  Bass
Flint Stone: E-Gitarre


Für mich als langjährigen Kupfergold-Fan ist es ein wenig merkwürdig, wenn Kupfergold immer noch als Newcomer oder Geheimtipp gehandelt werden. Dies wird sogar selbst von Kupfergold in den neuen Liedern angesprochen. Vielleicht liegt dies einfach an einer Mischung aus Bescheidenheit und dem Unglauben, wie viel zwischen "Lichtermeer" und "Fasan Alarm" passiert ist. Viele grandiose Auftritte und ein deutlicher Anstieg beim Bekanntheitsgrad der Band sprechen eigentlich für sich. Zwei Fragen stehen nun natürlich im Raum, die Fans für sich wahrscheinlich schon beantwortet haben. Kann "Fasan Alarm" den Erfolg fortsetzen und werden Kupfergold es schaffen, sich einen festen Platz in der Folkrock-Szene sichern? Tauchen wir doch einfach ins Album ein, um die Antworten zu finden.

"Fasan Alarm" ist das erste Album der Band, das bei einem Label erscheint. Redfield Records helfen dabei nicht nur beim Verkauf, sondern auch beim Marketing des Albums und da kann man schonmal sagen, dass Kupfergold eine gute Wahl getroffen haben. Das Album beginnt ohne unnötiges Intro direkt mit dem Titellied. Im ersten Moment habe ich gedacht, dass ich gerade ein neues Versengold Lied höre. Spätestens wenn Bonnie anfängt zu singen, ist aber klar, dass man Kupfergold hört. Hier stellen sich Kupfergold direkt als "die Neuen" vor. Dabei wäre ein "Wir sind wieder da" angebrachter. An Selbstbewusstsein fehlt es der Band dennoch nicht und das machen sie im Text auch deutlich. Die schnelle, sehr tanzbare Nummer sorgt für gute Laune und ist ein perfekter Start, der Lust auf die nächsten Lieder macht. "Und 'n Tripper" erinnert ein wenig an "Virus" von LaFee, aber auf seine ganz eigene Art und Weise. Wer sich danach noch mit Bonnie anlegen möchte, dürfte schon ein wenig lebensmüde sein. Das Schöne an dem Lied ist, dass es nicht an eine bestimmte Person gerichtet ist und man sich selbst so die Freiheit gönnen kann, an jeden beliebigen Menschen denken zu können. Für Frust- und Stressabbau wird hier bestens gesorgt. Wer "Laich mich ein" von Knasterbart kennt, wird bei "Muschelbusen" schnell merken, dass hier die Sicht der Meerjungfrau besungen wird. Wortspiele und Zweideutigkeiten gibt es hier in Hülle und Fülle. Irgendwie hatte ich nach dem Anhören Lust auf einen guten Schluck Rum und den Gedanken, mal wieder bei Knasterbart reinzuhören.

Nachdem man nun gesungen und getanzt hat, wird es Zeit, wirklich ein wenig Luft zu holen und etwas zu trinken. Zum Glück geht es Kupfergold auch so, denn mit "Der Metmeister" wird ein wenig Tempo herausgenommen und direkt ein Getränkevorschlag mitgeliefert. Schunkeln und anstoßen bietet sich bei dem Lied natürlich weiter an. Übertreibt es aber nicht, denn wir sind ja noch lange nicht am Ende des Albums angekommen. Die erste Ballade folgt mit "Rammlerina". Die wunderschöne Melodie verursacht nicht nur einmal eine Gänsehaut und man merkt einmal mehr, dass Kupfergold mehr als nur eine Partyband sind. "Rammlerina" ist dazu noch ein Lied, bei dem man das Gefühl hat, einen kleinen Einblick in eine viel größere Geschichte zu haben, von der man mehr hören möchte. "Koboldkeilerei" gibt direkt wieder Vollgas und ist nicht nur eine Geschichte über irische Kobolde, die ihren Goldschatz bewachen. Wer die Alben von Kupfergold kennt, sieht in dem Titel auch einen Rückblick ans Debütalbum "Koboldkeile". Während es auf "Koboldkeile" bekannte Lieder der Folkszene zu hören gibt, sind auf "Fasan Alarm" nur noch eigene Stücke zu hören. Wer weiterhört, wird aber feststellen, dass man sich nicht ganz von den traditionellen Stücken getrennt hat. "Der Klügere kippt nach" ist eine Rückkehr in den Goldenen Rammler und der Wirtin Rosie. So ein kaltes Getränk, um den Alltagsstress herunterzuspülen, ist auf jeden Fall besser, als sich zu viele Gedanken zu machen. Auch wenn es so klingt, als wenn es nur ein weiteres Trinklied ist, solltet ihr unbedingt auf den Text achten. Was da im Rammler alles passiert, ist zu lustig, um es aus Versehen zu überhören. "Met Kassalla uss Valhalla" ist schon eine ganze Weile überall zu hören, was dem Partyfaktor dieser kölschen Nummer in keinster Weise geschadet hat. "Zombie Malone" ist die angesprochene Rückkehr zu einer traditionellen Geschichte. Molly Malone lebt als Untote weiter und bringt so Unheil über Dublin. Die Melodie stammt von Kupfergold. Im Text wird das Lied "Molly Malone" mehrfach zitiert, die Geschichte stammt aber auch von Kupfergold selbst. Da zum Beispiel offen bleibt, warum sie als Zombie wiederkehrt, könnte man auch hier weitere Lieder folgen lassen, um die Geschichte abzurunden. Damit ist man dann auch schon am Ende angekommen, was gefühlt einfach viel zu schnell der Fall ist.


(Foto: Alina Hartwig)

Das Album ist musikalisch und optisch ein wahrer Genuss. Bei der Abmischung wurde darauf geachtet, dass auch kleine Details nicht verloren gehen und jedes Instrument gut hörbar ist. Der Gesang ist wie immer klar und deutlich zu hören und der größere Chor ist ein echter Gewinn für die Lieder. Das Artwork passt perfekt zur Musik und sticht sofort ins Auge. Auf technischer Seite gibt es also keinen Grund zu meckern. Ob der neue, rockigere Sound gut ankommt, ist Geschmackssache. Aus den Texten und Melodien hört man Kupfergold eindeutig heraus und Ähnlichkeiten zu anderen Bands, die ähnliche Instrumente benutzen, sind halt nicht zu vermeiden.

Mein Fazit: Üh-Üh! Den Fasan Alarm wird man dieses Jahr definitiv laut und deutlich vernehmen, denn Kupfergold haben erneut ein geniales Album abgeliefert. Mit neuen Bandmitgliedern und mehr Instrumenten präsentieren sich Kupfergold motiviert und spielfreudig wie eh und je. In den Texten wird kein Blatt vor den Mund genommen und hie und da auch mal ne Ohrfeige verteilt - oder 'n Tripper. E-Gitarre und Schlagzeug sorgen für mehr Druck im Sound, ohne den bekannten Kupfergoldklang zu vertreiben. Auf Balladen muss man als Fan auch in der neuen Folkrock-Era nicht verzichten und die Platzierung der ruhigeren Stücke ist sehr gut gewählt, um immer mal wieder Luft holen zu können. Die Spielzeit von knapp 32 Minuten erweist sich als Fluch und Segen zugleich. Der Segen besteht unter anderem darin, dass es keinen einzigen Lückenfüller gibt, mit dem man versucht hat, künstlich mehr Spielzeit zu erreichen. Da "Fasan Alarm" aber das kürzeste Album der Band ist und die Preise für CDs angestiegen sind, ist die Kürze des Albums vielleicht schon ein Faktor, weshalb man eher auf eine digitale Version zurückgreift oder das Album über einen Streamingdienst hören möchte. Dies ist aber nur ein kleiner Wehmutstropfen.

Die oben gestellten Fragen kann ich nur mit einem deutlichen "Ja" beantworten. "Fasan Alarm" macht dort weiter, wo Kupfergold mit "Lichtermeer" aufgehört haben und geht sogar noch einen großen Schritt in der Entwicklung der Band nach vorn. Begriffe wie Newcomer, Geheimtipp oder "die Neuen" sollten spätestens nach dem Festivalsommer 2025 der Vergangenheit angehören. An "Fasan Alarm" kommt man dieses Jahr einfach nicht vorbei, wenn man sich als Kenner der Folk- und Festivalszenen bezeichnen möchte. Mit den Singles "Met Kasalla uss Valhalla", "Und 'n Tripper" und "Kupfer und Gold" könnt ihr euch schon perfekt auf das Album einstimmen. Fans können bedenkenlos zugreifen und wer Bands wie Die Habenichtse, Versengold, Knasterbart und Mr. Hurley & die Pulveraffen mag, wird das Album ebenfalls feiern. Von mir gibt es eine klare Kaufempfehlung, denn gute Laune und Partystimmung sind mit dem Album garantiert. Falls ihr das Album lieber streamen möchtet, dann bringt die Leitungen der Streamingdienste ab dem 23. Mai zum Glühen, damit auch andere eine Empfehlung zum Reinhören bekommen. 
 
]]> https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=854 Mon, 31 Mar 2025 14:02:46 +0200 https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=854


Release: 20. Juni 2024
Label: Eigenvertrieb


Tracklist:
01. Intro (feat. Thomas Kramer)
02. Unter uns'rer Flagge
03. Oh! Upps... naja
04. Keine Rippchen mehr
05. Klimperwerk
06. Der fahrende Händler
07. Aus den Augen, aus dem Sinn
08. Der Bierbär
09. Der schwarze Klabauter
10. Existenzjubiläumslied (Geburtstag kommt, Geburtstag geht)
11. Der letzte Tanz (ft. Mirjam Abramowski)
12. Fjorims Schlaflied
13. Der trunk'ne Spielmann
14. Piratenpoesie


Tales of Tinnef sind drei räudige Halunken, die Fortunas Segen hinterm Horizont suchen. Zwischen (Irish) Folk, Maritimem, Piratigem und Geselligem segeln Tales of Tinnef immer "unter uns'rer Flagge" und "hart am Rum". Stolz präsentieren wir unser zweites Album – wir dringen in neue, unbekannte Gefilde vor; hissen unseren Jolly Roger, verschütten Schnaps, bekommen nichts mehr zu beißen, musizieren und mahnen, treffen allerlei merkwürdiges Getier, feiern, tanzen und (versuchen zu) schlafen. (Quelle: Tales of Tinnef)


Homepage
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Tales of Tinnef sind:
Käpt’n Middach (Michael Wieholt): Gitarre, Cajon, Irish Bouzouki & Gesang
The Longest Jan (Jan Stephan Dowe):  Gitarre & Mandoline
Fjorim der Hüne (Tim dos Santos): Tin-Whistles (Pennywhistle, Alto, Low-Whistle), Mundharmonika, Akkordeon & Fiddle
Gäste:
Thomas Kramer: Sprecher (Intro)
Mirjam Abramowski (Nathanael): Violine (Track 6, 9 & 11)


Tales of Tinnef stechen mit ihrem zweiten Studioalbum "Unter uns'rer Flagge" erneut in See und erzählen euch von ihren neuen Abenteuern. Eingeleitet wird das Album durch die charismatische Stimme von Thomas Kramer, den man unter anderem als den Sprecher von Aidan Quinn in der Hörspielreihe "Wayne McLair" kennt. Musikalisch geht es dann mit dem Titelsong los, der direkt für enorm gute Laune sorgt. Während man erfährt, was man unter der Flagge von Tales of Tinnef alles erwarten darf, steigert sich die Lust zu tanzen und einen ordentlichen Schluck Rum zu trinken stetig weiter. "Oh! Upps...naja" heißt es in mehreren Situationen, in der Alkohol lieber sofort getrunken wird, bevor er durch Missgeschicke ausläuft oder anderweitig verloren geht. Bei der Anhäufung dieser Missgeschicke würde es dann aber vielleicht doch auffallen, dass so nach und nach Vorräte verschwinden. Eine wilde Crew  muss natürlich auch ordentlich essen, doch leider gibt es "Keine Rippchen mehr". Als wäre das nicht schlimm genug, sind auch noch andere Vorräte aufgebraucht. Während die Crew leidet, fängt man durch den Rhythmus an zu schunkeln. Ein mitleidendes "Ooooh.." sollte bei Konzerten dennoch ertönen. Schon Die Habenichtse wussten "Kupfer ist das neue Gold". Daher freuen sich auch Tales of Tinnef über Kupfermünzen als Hutgeld, wenn sie mit ihrem "Klimperwerk" für gute Laune und Unterhaltung sorgen. Bei so eingängigen Melodien und Texten dürften viele Münzen wie von allein den Besitzer wechseln. Mit "Der fahrende Händler" sind Tales of Tinnef auf dem Sampler der Spielleute gegen Rechts vertreten. Im Lied geht es darum, dass man sich nicht durch Hetze und falsche Werte in die Irre führen lassen, sondern stattdessen für Vielfalt und Toleranz einstehen soll. Ein paar geschickt eingebaute Seitenhiebe auf ein bekanntes Parteilogo zeigen auf, dass es schon immer Menschen gab, die mit Hass und Zwietracht gehandelt haben. Hier werden Tales of Tinnef zum ersten Mal von Mirjam Abramowski von Nathanael und ihrer Violine begleitet.

Gefühlvoll wird es dann bei "Aus den Augen, aus dem Sinn", denn dieses Sprichwort trifft eben nicht auf alles zu. Trotz der Liebe zur See wird die wahre Liebe daheim nicht vergessen und die Sehnsucht nach ihr wird im Text sehr deutlich. Wesentlich schneller präsentiert sich "Der Bierbär", bei dem kein Humpen voll bleiben sollte. Während man den Chorus laut mitsingen kann, wird dazwischen getrunken und neues Bier bestellt, damit man beim nächsten Chorus wieder anstoßen kann. Wer da keine gute Laune bekommt, braucht dringend ein Bier! Wo es um Seefahrten und Saufgelage geht, da muss auch eine düstere Geschichte erzählt werden. Auch wenn "Der schwarze Klabauter" am Ende nur Seemannsgarn ist, bauen Tales of Tinnef mit Unterstützung von Mirjam Abramowski dennoch eine unheimliche Atmosphäre auf, bei der man bereit ist, die Geschichte zu glauben. Wer zum Geburtstag ein Ständchen hören möchte, für den ist das "Existenzjubiläumslied" genau richtig. Hier kann man sich als Jubilant besingen lassen, während man sich ein kühles Getränk gönnt. Ruhiger und melancholischer wird "Der letzte Tanz" besungen. Der Glanz alter Zeiten wird besungen und, von Mirjam Abramowskis Violine begleitet, geisterhaft im Mondlicht getanzt.

"Fjorims Schlaflied" verrät, warum Fjorim nachts nicht schlafen kann. Während die meisten Lieder die Abenteuer der Seefahrt erzählen, geht es hier um Sorgen und Gedanken, die Fjorim durch den Kopf gehen. Es wird nicht wenige geben, die diese Situation aus dem eigenen Leben kennen werden und ein ähnliches Schlaflied singen könnten. Über "Der trunk'ne Spielmann" muss man eigentlich nicht viel erzählen. Die Melodie des "Drunken Sailor" ist bekannt und Situationen mit betrunkenen Spielmännern kennt man von vielen Märkten. Einige Strafen sind allerdings schon sehr Fis. Äh, ich meine natürlich fies. Zum Ende hin gibt es noch ein wenig "Piratenpoesie". Eine perfekte Gelegenheit, dem Gedicht zu lauschen und noch einen letzten Humpen zu leeren.

Wenn man sich "Unter uns'rer Flagge" anhört, mag man kaum glauben, dass das Album komplett selbst aus dem Hause Tales of Tinnef stammt. Die Aufnahmen, der Mix und das Mastering hat Jan Stephan Dowe übernommen und dabei hervorragende Arbeit geleistet, denn das Album muss sich vom Sound her hinter keiner großen Produktion verstecken. Die Gestaltung des Covers stammt von Tim dos Santos und obwohl es den Hinweis gibt, dass kein Exemplar der Gattung "Ursus Cervisia" geschädigt worden ist, sieht man dort ein Bild des Bierbären mit einem Dolch an den Mast genagelt. Thomas Kramer ist als Sprecher des Intros eine ausgezeichnete Wahl gewesen und Mirjam Abramowski verleiht den Liedern, in denen sie mit ihrer Violine zu hören ist, eine besondere Note.

Mein Fazit: Tales of Tinnef haben mit "Unter unsr'er Flagge" ein abwechslungsreiches Album erschaffen, bei dem man zwischen mitsingen, tanzen und der Lust auf den ein oder anderen Humpen hin und her wechselt. Dabei beweist das Trio auch, dass sie wahre Geschichtenerzähler sind und diese mit schönen Melodien verbinden können. Dies beweisen sie zum Beispiel bei "Fjorims Schlaflied" und "Der letzte Tanz". Während man bei Liedern wie "Unter uns'rer Flagge", "Klimperwerk" und "Der Bierbär" am liebsten in einer geselligen Runde feiern möchte, wird mit "Der fahrende Händler" auch ein politisches Statement gesetzt, ohne dabei aufdringlich oder belehrend zu wirken. Eine Stärke des Albums wird dabei sehr schnell deutlich. Jedes Lied wirkt so, als würde man gerade an einem Lagerfeuer oder in einer Taverne sitzen und der Band live zuhören. Der eigene Klang und Stil der Band sind ein weiterer Pluspunkt, wodurch sie sich aus der Masse an Bands hervorheben, die sich ähnlichen Themen widmen. "Unter uns'rer Flagge" macht auf jeden Fall Lust auf mehr von Tales of Tinnef. Als Anspieltipp empfehle ich "Unter uns'rer Flagge", "Der Bierbär" und "Der letzte Tanz". Da man das Album unter anderem auf bandcamp kostenlos streamen kann, ist reinhören zum Glück kein Problem und bei bandcamp kann man sich das Album auch direkt bestellen, wenn man die Musik mag.
 

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Release: 20. Juni 2024
Label: Eigenvertrieb


Tracklist:
01. Intro (feat. Thomas Kramer)
02. Unter uns'rer Flagge
03. Oh! Upps... naja
04. Keine Rippchen mehr
05. Klimperwerk
06. Der fahrende Händler
07. Aus den Augen, aus dem Sinn
08. Der Bierbär
09. Der schwarze Klabauter
10. Existenzjubiläumslied (Geburtstag kommt, Geburtstag geht)
11. Der letzte Tanz (ft. Mirjam Abramowski)
12. Fjorims Schlaflied
13. Der trunk'ne Spielmann
14. Piratenpoesie


Tales of Tinnef sind drei räudige Halunken, die Fortunas Segen hinterm Horizont suchen. Zwischen (Irish) Folk, Maritimem, Piratigem und Geselligem segeln Tales of Tinnef immer "unter uns'rer Flagge" und "hart am Rum". Stolz präsentieren wir unser zweites Album – wir dringen in neue, unbekannte Gefilde vor; hissen unseren Jolly Roger, verschütten Schnaps, bekommen nichts mehr zu beißen, musizieren und mahnen, treffen allerlei merkwürdiges Getier, feiern, tanzen und (versuchen zu) schlafen. (Quelle: Tales of Tinnef)


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Tales of Tinnef sind:
Käpt’n Middach (Michael Wieholt): Gitarre, Cajon, Irish Bouzouki & Gesang
The Longest Jan (Jan Stephan Dowe):  Gitarre & Mandoline
Fjorim der Hüne (Tim dos Santos): Tin-Whistles (Pennywhistle, Alto, Low-Whistle), Mundharmonika, Akkordeon & Fiddle
Gäste:
Thomas Kramer: Sprecher (Intro)
Mirjam Abramowski (Nathanael): Violine (Track 6, 9 & 11)


Tales of Tinnef stechen mit ihrem zweiten Studioalbum "Unter uns'rer Flagge" erneut in See und erzählen euch von ihren neuen Abenteuern. Eingeleitet wird das Album durch die charismatische Stimme von Thomas Kramer, den man unter anderem als den Sprecher von Aidan Quinn in der Hörspielreihe "Wayne McLair" kennt. Musikalisch geht es dann mit dem Titelsong los, der direkt für enorm gute Laune sorgt. Während man erfährt, was man unter der Flagge von Tales of Tinnef alles erwarten darf, steigert sich die Lust zu tanzen und einen ordentlichen Schluck Rum zu trinken stetig weiter. "Oh! Upps...naja" heißt es in mehreren Situationen, in der Alkohol lieber sofort getrunken wird, bevor er durch Missgeschicke ausläuft oder anderweitig verloren geht. Bei der Anhäufung dieser Missgeschicke würde es dann aber vielleicht doch auffallen, dass so nach und nach Vorräte verschwinden. Eine wilde Crew  muss natürlich auch ordentlich essen, doch leider gibt es "Keine Rippchen mehr". Als wäre das nicht schlimm genug, sind auch noch andere Vorräte aufgebraucht. Während die Crew leidet, fängt man durch den Rhythmus an zu schunkeln. Ein mitleidendes "Ooooh.." sollte bei Konzerten dennoch ertönen. Schon Die Habenichtse wussten "Kupfer ist das neue Gold". Daher freuen sich auch Tales of Tinnef über Kupfermünzen als Hutgeld, wenn sie mit ihrem "Klimperwerk" für gute Laune und Unterhaltung sorgen. Bei so eingängigen Melodien und Texten dürften viele Münzen wie von allein den Besitzer wechseln. Mit "Der fahrende Händler" sind Tales of Tinnef auf dem Sampler der Spielleute gegen Rechts vertreten. Im Lied geht es darum, dass man sich nicht durch Hetze und falsche Werte in die Irre führen lassen, sondern stattdessen für Vielfalt und Toleranz einstehen soll. Ein paar geschickt eingebaute Seitenhiebe auf ein bekanntes Parteilogo zeigen auf, dass es schon immer Menschen gab, die mit Hass und Zwietracht gehandelt haben. Hier werden Tales of Tinnef zum ersten Mal von Mirjam Abramowski von Nathanael und ihrer Violine begleitet.

Gefühlvoll wird es dann bei "Aus den Augen, aus dem Sinn", denn dieses Sprichwort trifft eben nicht auf alles zu. Trotz der Liebe zur See wird die wahre Liebe daheim nicht vergessen und die Sehnsucht nach ihr wird im Text sehr deutlich. Wesentlich schneller präsentiert sich "Der Bierbär", bei dem kein Humpen voll bleiben sollte. Während man den Chorus laut mitsingen kann, wird dazwischen getrunken und neues Bier bestellt, damit man beim nächsten Chorus wieder anstoßen kann. Wer da keine gute Laune bekommt, braucht dringend ein Bier! Wo es um Seefahrten und Saufgelage geht, da muss auch eine düstere Geschichte erzählt werden. Auch wenn "Der schwarze Klabauter" am Ende nur Seemannsgarn ist, bauen Tales of Tinnef mit Unterstützung von Mirjam Abramowski dennoch eine unheimliche Atmosphäre auf, bei der man bereit ist, die Geschichte zu glauben. Wer zum Geburtstag ein Ständchen hören möchte, für den ist das "Existenzjubiläumslied" genau richtig. Hier kann man sich als Jubilant besingen lassen, während man sich ein kühles Getränk gönnt. Ruhiger und melancholischer wird "Der letzte Tanz" besungen. Der Glanz alter Zeiten wird besungen und, von Mirjam Abramowskis Violine begleitet, geisterhaft im Mondlicht getanzt.

"Fjorims Schlaflied" verrät, warum Fjorim nachts nicht schlafen kann. Während die meisten Lieder die Abenteuer der Seefahrt erzählen, geht es hier um Sorgen und Gedanken, die Fjorim durch den Kopf gehen. Es wird nicht wenige geben, die diese Situation aus dem eigenen Leben kennen werden und ein ähnliches Schlaflied singen könnten. Über "Der trunk'ne Spielmann" muss man eigentlich nicht viel erzählen. Die Melodie des "Drunken Sailor" ist bekannt und Situationen mit betrunkenen Spielmännern kennt man von vielen Märkten. Einige Strafen sind allerdings schon sehr Fis. Äh, ich meine natürlich fies. Zum Ende hin gibt es noch ein wenig "Piratenpoesie". Eine perfekte Gelegenheit, dem Gedicht zu lauschen und noch einen letzten Humpen zu leeren.

Wenn man sich "Unter uns'rer Flagge" anhört, mag man kaum glauben, dass das Album komplett selbst aus dem Hause Tales of Tinnef stammt. Die Aufnahmen, der Mix und das Mastering hat Jan Stephan Dowe übernommen und dabei hervorragende Arbeit geleistet, denn das Album muss sich vom Sound her hinter keiner großen Produktion verstecken. Die Gestaltung des Covers stammt von Tim dos Santos und obwohl es den Hinweis gibt, dass kein Exemplar der Gattung "Ursus Cervisia" geschädigt worden ist, sieht man dort ein Bild des Bierbären mit einem Dolch an den Mast genagelt. Thomas Kramer ist als Sprecher des Intros eine ausgezeichnete Wahl gewesen und Mirjam Abramowski verleiht den Liedern, in denen sie mit ihrer Violine zu hören ist, eine besondere Note.

Mein Fazit: Tales of Tinnef haben mit "Unter unsr'er Flagge" ein abwechslungsreiches Album erschaffen, bei dem man zwischen mitsingen, tanzen und der Lust auf den ein oder anderen Humpen hin und her wechselt. Dabei beweist das Trio auch, dass sie wahre Geschichtenerzähler sind und diese mit schönen Melodien verbinden können. Dies beweisen sie zum Beispiel bei "Fjorims Schlaflied" und "Der letzte Tanz". Während man bei Liedern wie "Unter uns'rer Flagge", "Klimperwerk" und "Der Bierbär" am liebsten in einer geselligen Runde feiern möchte, wird mit "Der fahrende Händler" auch ein politisches Statement gesetzt, ohne dabei aufdringlich oder belehrend zu wirken. Eine Stärke des Albums wird dabei sehr schnell deutlich. Jedes Lied wirkt so, als würde man gerade an einem Lagerfeuer oder in einer Taverne sitzen und der Band live zuhören. Der eigene Klang und Stil der Band sind ein weiterer Pluspunkt, wodurch sie sich aus der Masse an Bands hervorheben, die sich ähnlichen Themen widmen. "Unter uns'rer Flagge" macht auf jeden Fall Lust auf mehr von Tales of Tinnef. Als Anspieltipp empfehle ich "Unter uns'rer Flagge", "Der Bierbär" und "Der letzte Tanz". Da man das Album unter anderem auf bandcamp kostenlos streamen kann, ist reinhören zum Glück kein Problem und bei bandcamp kann man sich das Album auch direkt bestellen, wenn man die Musik mag.
 

]]> https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=842 Thu, 28 Nov 2024 19:16:53 +0100 https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=842


Release: 22. November 2024
Label: ‎ Electrola (Universal Music)


Tracklist - Album:
01. Dämmerland (Dämmerland, Chris Harms, Anna Brunner, Alea, Malte Hoyer, Annie Hurdy Gurdy, Hannes Braun, Marina La Torraca & Tetzel) - Video
02. Verlorene Träume (Dämmerland & Saltatio Mortis) - Video
03. Was muss, dass muss (Dämmerland und Mr. Hurley & die Pulveraffen) - Video
04. Alles hat eine Geschichte (Dämmerland & Versengold) - Video
05. Licht und Schatten (Dämmerland & Chris Harms von Lords of the Lost)
06. Aber Kadabrah (Dämmerland & Anna Brunner von League of Distortion)
07. Fallender Stern (Dämmerland, Annie Hurdy Gurdy & Malte Hoyer)
08. Hunger hab ich (Dämmerland, Michael Rhein & Marco Zorzytzky von In Extremo)
09. Das Fast-Heldenepos (Dämmerland & Hannes Braun von Kissin' Dynamite)
10. Drachen machen Drachensachen (Dämmerland & Fiddler's Green)
11. Vergiss mein nicht (Dämmerland & Schandmaul)
12. Schimmer geht immer (Dämmerland & Eric Fish von Subway to Sally)
13. Brücken (Dämmerland & Tetzel von Asenblut)
14. Von Anstand und Moral (Dämmerland & Tim Bernard von dArtagnan)
15. Fallen ist ne Art zu fliegen (Dämmerland & Eike Otten von Versengold)
16. Spiegellabyrinth (Dämmerland & Annie Hurdy Gurdy)

Hörspiel - Kapitel:
CD 1:
Kapitel 1. Prolog
Kapitel 2. Alles hat eine Geschichte
Kapitel 3. Burg Rumpelstein und der Fast-Held
Kapitel 3.1
Kapitel 4. Die dampfenden Wälder
CD 2:
Kapitel 5. Der fliegende Hallimasch
Kapitel 6. In den Wurzelminen der Plackerlinge
Kapitel 7. 1
Kapitel 8. Das Labyrinth der Scherben
CD 3:
Kapitel 9. Ein Glotzkopp kommt selten allein
Kapitel 10. Fahrstuhl zum Glimmergipfel
Kapitel 11. Der Hüter der Welt
Kapitel 12. Die Geschichte der weißen Frau
Kapitel 12.1
CD 4:
Kapitel 13. Der Abersumpf
Kapitel 14. Otto und die Allianz der freien Fabelwesen
Kapitel 15. Der dunkle Graf und die Brombeerhecke
Kapitel 15.1
CD5:
Kapitel 16. Das gebrochene Herz Dämmerlands
Kapitel 16.1.
Kapitel 17. Paloma und der Sternenhimmel
Kapitel 18. Der letzte Wunsch
CD 6:
Kapitel 19. Die Schlacht an der vergessenen Brücke
Kapitel 20. Das Duell der Helden
Kapitel 21. Schloss Tränenstein


Dämmerland ist ein episches Audio-Abenteuer auf der Schnittstelle zwischen Fantasy und Musik. Konzipiert von den #1-Hitmakern Malte Hoyer (Versengold) und Hannes Braun (Kissin‘ Dynamite), ist DÄMMERLAND ein vielschichtiges Fantasy-Highlight für die ganze Familie: Buch-Debüt, inspirierendes Hörbuch-Highlight mit musikalischer Starbesetzung – und dazu ein komplettes Musikalbum mit epischen Songs, aufgenommen mit etlichen weiteren #1-Hitmachern auf der Schnittstelle zwischen Folk und Pop, Mittelalter-Rock und Metal. Gemeinsam mit rund 30 musikalischen Gästen aus 15 Bands vertonen die Köpfe von Versengold und Kissin’ Dynamite eine tiefgründige Fantasy-Geschichte, flankiert von 16 brandneuen Originalsongs. Ein Muss für Fans von „Alice im Wunderland“, „Narnia“ oder „Die unendliche Geschichte“! (Quelle: Pressetext)


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Dämmerland sind:
Malte Hoyer, Hannes Braun und Annie Hurdy Gurdy

Hörspiel:
Malte Hoyer: Autor
Hannes Braun: Musik, Toneffekte & Produktion
Sprecher:
Erzähler: Erzähler
Fiete: Hannes Braun
Paloma: Annie Hurdy Gurdy
Svepp: Eike Otten
Brummel: Stephan Benson
Ludger: Stephan Benson
Theodemir: Stephan Benson
Pleppo: Simon Erichsen
Runkelfunz: Ralf Albers
Erwin: Eric Fish
Kapuzenmann: Malte Hoyer
Mathilda: Anna Brunner
General Heinrich: Tim Bernard
Otto das Skelett: Alea
Gunther: Tetzel
Der dunkle Graf: Stephan Benson
Die weisse Frau: Julia Steele
Plackerlinge: Esther Erichsen, Johannes Erichsen und Christoph Erichsen
Spiesslinge & Glotzköpfe: Jendrik Bulk, Lars Meyer und Hannes Braun


Ein Werk wie "Dämmerland" zu rezensieren ist gar nicht so einfach. Was verrate ich euch und was entdeckt ihr lieber selbst? Falls euch also Details fehlen, die sonst völlig normal auftauchen, dann habe ich entschieden sie für den Spaß, selbst in die Geschichte einzutauchen, auszulassen. Starten wir also mit dem Album, das ohne die Geschichte auskommt und mit der Musik ins "Dämmerland" entführt. So startet das Album auch mit dem Titellied "Dämmerland" und gibt so einen Einblick, was auf den mutigen Abenteurer wartet und verrät, dass jeder selbst für seine Geschichte verantwortlich ist. Das Zusammenspiel der Stimmen klingt märchenhaft schön und die Melodie unterstreicht das Gefühl, bereits in die Geschichte eingetaucht zu sein. "Verlorene Träume" ist eine Ballade, die von den Verlusten durch einen Todesfall erzählt. Vor allem die Träume, die dadurch verloren gehen, stehen im Mittelpunkt und dass man sich in seinen noch möglichen Träumen an die Zeit erinnern soll, als all diese Träume noch lebendig waren. Alea singt mit sehr viel Gefühl und zusammen mit Annie im Duett fängt man wirklich an zu träumen. "Was muss, das muss" mit Mr Hurley und die Pulveraffen ist zwar sehr kurz, aber man erkennt sofort den typischen Stil der Band, auch wenn es dieses Mal nicht hinaus aufs Meer geht. Viel mehr geht es um harte Arbeit und das jemand sie halt erledigen muss. Mit diesem Lied fällt die Arbeit jedenfalls nicht schwer. Die nächste Gänsehaut bekommt man dann bei "Alles hat eine Geschichte". Wie in Fiete im Hörspiel erkennt man selbst bei genauerer Betrachtung, dass alles auf der Welt seine eigene Geschichte erzählen könnte und man selbst dazugehört. Düster wird es musikalisch mit "Licht und Schatten" und Chris Harms ist hier wirklich perfekt als Sänger gewählt worden. Die Art und Weise, wie er darüber singt, dass Licht und Schatten zusammengehören, ist faszinierend und fesselnd. Der Kontrast zu den bisherigen Liedern, lässt es noch unheimlicher wirken.

"Aber Kadabrah" ist kein Schreibfehler, denn es geht um den Abersumpf aus der Geschichte und Anna Brunner singt hier in ihrer Rolle der Mathilda. Hier wird das Tempo mal erhöht und man fängt automatisch an sich zu bewegen. Der euphorisch klingende Gesang macht außerdem gute Laune und man nimmt Anna Brunner komplett ab, dass sie für die Dauer des Liedes  in einer eigenen, magschen Welt eingetaucht ist. "Fallender Stern" ist die nächste traumhafte Ballade und auch hier geht es wieder um neugeborene Träume im Dämmerland. Auch wenn man wieder eingeladen wird ins "Dämmerland" zu folgen, erkennt man im Text erneut Hinweise darauf, dass die Geschichte auch ihre tragische Seiten haben muss. "Hunger hab ich" verrät von allein worum es geht und wenn Michael Rhein davon singt was auf seinem Speiseplan steht, sollten sich alle Fabelwesen in Sicherheit bringen. Für ein Festmahl beim nächsten LARP Event könnte man das Lied auff jeden Fall auch anstimmen. "Das Fast-Heldenepos" des Fast-Helden Theodemir sorgt für ein breites Grinsen während man erfäht was er fast alles als Held verbracht hätte. Dadurch erfährt man schon alles, was seinen Charakter ausmacht, welche Rolle er aber genau spielt muss man selbst lesen oder hören. Dass Fiddler's Green an "Drachen machen Drachensachen" beteilgit sind, hört man dem Lied sofort an. Die Melodie macht sofort gute Laune und das Lied ist eine Einladung zum Tanzen. Was Drachen so für Drachensachen klingt ein wenig nach Smaug aus "Der Herr der Ringe", nur ohne das Einäschern des Nachbardorfes. Hier freut dich der Drache über seinen Besuch, da er meistens allein in seiner Höhle hockt. "Vergiss mein nicht" sollte man eigentlich erst hören, wenn man die Geschichte schon komplett kennt. Wenn man hier die einzelnen Hinweise in den Liedern richtig deutet, wird ein wichtiger Teil der Geschichte gespoilert. Doch auch ohne die Geschichte bekommt man hier eine Gänsehaut und wer schon einmal eine wichtige Person im Leben verloren hat, sollte sich nicht schämen, wenn er beim Hören Tränen in den Augen hat. Das Lied ist wunderschön und ich kann nur noch einmal betonen, wie schön Annies Stimme auch hier wieder klingt.




"Schimmer geht immer" ist das Lied der Elstern und Eric Fish erzeugt mit seinem Gesang das perfekte Gefühl von Gier, Hinterhältigkeit und Schadenfreude, wie man es nach einem erfolgriechen Diebeszug einer Elster vorstellt. Es macht wirklich Spaß ihm zuzuhören und es macht neugierig, welche Rolle die Elstern wohl spielen. Bei "Brücken" kommt mit Tetzel von Asenblut auch mal ein wenig Folk-Metal ins Klangbild von "Dämmerland". Die Liebe zu Brücken wird hier von einem Troll beschrieben und das man seine Brücken lieber nicht zerstört, wenn man gesund weiterziehen möchte. Bei "Anstand und Moral" singt Tim Bernard von dArtagnan über die Armee Dämmerlands, die mit weißen Flaggen in die Schlacht zieht. Der epische Klang des Liedes passt perfekt dazu. Orientalische Klänge folgen bei "Fallen ist ne Art zu fliegen" und ist eine sehr optimistische Art einen Sturz zu betrachten. Da ist es sehr gut, dass jeder Pilz einen eigenen (Fall)Schirm besitzt. Ein "Spiegelkabinett" zum Abschluss könnte noch zum Verhängnis werden, wenn man sich nicht in Acht nimmt. Wer schon einmal versucht hat, so ein Labyrinth zu durchqueren, wird die Warnung aufzupassen und sich nicht zu verirren ernst nehmen. Die Melodie klingt auch, als würde sie von einem Jahrmarkt stammen und hat dabei einen unheimlichen Unterton.

Wäre "Dämmerland" nur das Album mit seinen Liedern, hätte ich als Hörer einige Fragen zu verschiedenen Liedern. Diese werden aber durch das Hörspiel/Buch geklärt, weshalb es sehr viel Sinn macht sich über die Musik hinaus mit "Dämmerland" zu beschäftigen. Für den wunderbaren Klang des Albums sind Hannes Braun (Produzent, Mix) und Christoph Beyerlein (Mastering) verantwortlich. Das Artwork und Design stammt von Ben Urban (Hygin Graphix), der mittlerweile vielen Fans der Folk- und Mittelalterszene ein Begriff ist. Seine Werke könnten  ein ganzes Buch füllen, das Fans sicherlich gerne kaufen würden. 



Zum Hörspiel möchte ich wie erwähnt so wenig wie möglich verraten, da es viel zu schön ist die Geschichte ohne Spoiler zu hören oder zu lesen, wenn man das Buch ebenfalls besitzt. Wie bei der Musik hört man die Liebe, die in Dämmerland investiert worden ist, aus jedem Detail heraus. Die Sprecher:innen geben ihren Charakteren nicht nur eine Stimme, sondern eigene Persönlichkeiten. Besonders hervorheben möchte ich Stephan Benson, der nicht nur als Erzähler zu hören ist, sondern auch noch als Brummel, Ludger, Theodemir und der dunkle Graf. Seine charismatische Stimme ist wirklich perfekt um die Hörer:innen durch die Geschichte Dämmerlands zu führen. Während des Hörspiels gibt es immer wieder Momente in denen der Spaß, den die Sprecher:innen bei den Aufnahmen hatten, auf die Hörer:innen überspringt und man hört mit einem breiten Grinsen im Gesicht zu. Alea als Skelett Otto ist ein sehr gutes Beispiel dafür. Doch auch in den ernsten und emotionalen Momenten wirken alle Sprecher:innen authentisch und man fühlt und fiebert mit ihren Rollen mit. Die Leistung von Annie und Hannes spricht schon für sich allein, denn egal ob es gerade humorvoll, spannend oder traurig ist, spürt man wie sehr sie gerade in ihren Rollen und deren Gefühle miterleben. 

Malte Hoyer und Hannes Braun haben hier wirklich etwas ganz besonderes erschaffen. Die Geschichte, in der die Lieder nicht nur Begleitung sondern auch Teil des Ganzen sind, fesselt von der erste Sekunde an. "Dämmerland" muss aber als Gesamtkunstwerk betrachtet werden. Musik, Buch, Hörspiel, Artwork und jedes noch so kleine Detail fließen zusammen und je mehr man davon kennt, umso mehr ist man in die Geschichte eingtaucht.


Mein Fazit: Dämmerland könnte ich mit einem Wort beschreiben - Wow! Es gab schon vorher Geschichten, die mit Musik verbunden worden sind, doch da hatte man eher das Gefühl, die Musik würde die Geschichte nur begleiten und nicht wirklich miterzählen. Bei Dämmerland ist diese Symbiose perfekt gelungen und vor allen Mitwirkenden kann ich nur den Hut ziehen. Trotz der Verbindung von Musik und Geschichte wirken die Lieder aber auch für sich. So kann man das Album komplett hören, ohne das Buch oder das Hörspiel zu kennen und wird dennoch von den Melodien und den Texten mitgerissen. Man sollte aber mit dem Hörspiel beginnen. Dort sind die Lieder eingebunden und man spoilert sich nicht vorab, weil man etwas erkannt hat oder Vorahnungen bestätigt werden. Es fällt mir wirklich schwer nur in superlativen zu schreiben, daher ist mein Tipp sich das Album einfach selbst anzuhören und wenn möglich auch Buch oder Hörspiel zu genießen. 


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Release: 22. November 2024
Label: ‎ Electrola (Universal Music)


Tracklist - Album:
01. Dämmerland (Dämmerland, Chris Harms, Anna Brunner, Alea, Malte Hoyer, Annie Hurdy Gurdy, Hannes Braun, Marina La Torraca & Tetzel) - Video
02. Verlorene Träume (Dämmerland & Saltatio Mortis) - Video
03. Was muss, dass muss (Dämmerland und Mr. Hurley & die Pulveraffen) - Video
04. Alles hat eine Geschichte (Dämmerland & Versengold) - Video
05. Licht und Schatten (Dämmerland & Chris Harms von Lords of the Lost)
06. Aber Kadabrah (Dämmerland & Anna Brunner von League of Distortion)
07. Fallender Stern (Dämmerland, Annie Hurdy Gurdy & Malte Hoyer)
08. Hunger hab ich (Dämmerland, Michael Rhein & Marco Zorzytzky von In Extremo)
09. Das Fast-Heldenepos (Dämmerland & Hannes Braun von Kissin' Dynamite)
10. Drachen machen Drachensachen (Dämmerland & Fiddler's Green)
11. Vergiss mein nicht (Dämmerland & Schandmaul)
12. Schimmer geht immer (Dämmerland & Eric Fish von Subway to Sally)
13. Brücken (Dämmerland & Tetzel von Asenblut)
14. Von Anstand und Moral (Dämmerland & Tim Bernard von dArtagnan)
15. Fallen ist ne Art zu fliegen (Dämmerland & Eike Otten von Versengold)
16. Spiegellabyrinth (Dämmerland & Annie Hurdy Gurdy)

Hörspiel - Kapitel:
CD 1:
Kapitel 1. Prolog
Kapitel 2. Alles hat eine Geschichte
Kapitel 3. Burg Rumpelstein und der Fast-Held
Kapitel 3.1
Kapitel 4. Die dampfenden Wälder
CD 2:
Kapitel 5. Der fliegende Hallimasch
Kapitel 6. In den Wurzelminen der Plackerlinge
Kapitel 7. 1
Kapitel 8. Das Labyrinth der Scherben
CD 3:
Kapitel 9. Ein Glotzkopp kommt selten allein
Kapitel 10. Fahrstuhl zum Glimmergipfel
Kapitel 11. Der Hüter der Welt
Kapitel 12. Die Geschichte der weißen Frau
Kapitel 12.1
CD 4:
Kapitel 13. Der Abersumpf
Kapitel 14. Otto und die Allianz der freien Fabelwesen
Kapitel 15. Der dunkle Graf und die Brombeerhecke
Kapitel 15.1
CD5:
Kapitel 16. Das gebrochene Herz Dämmerlands
Kapitel 16.1.
Kapitel 17. Paloma und der Sternenhimmel
Kapitel 18. Der letzte Wunsch
CD 6:
Kapitel 19. Die Schlacht an der vergessenen Brücke
Kapitel 20. Das Duell der Helden
Kapitel 21. Schloss Tränenstein


Dämmerland ist ein episches Audio-Abenteuer auf der Schnittstelle zwischen Fantasy und Musik. Konzipiert von den #1-Hitmakern Malte Hoyer (Versengold) und Hannes Braun (Kissin‘ Dynamite), ist DÄMMERLAND ein vielschichtiges Fantasy-Highlight für die ganze Familie: Buch-Debüt, inspirierendes Hörbuch-Highlight mit musikalischer Starbesetzung – und dazu ein komplettes Musikalbum mit epischen Songs, aufgenommen mit etlichen weiteren #1-Hitmachern auf der Schnittstelle zwischen Folk und Pop, Mittelalter-Rock und Metal. Gemeinsam mit rund 30 musikalischen Gästen aus 15 Bands vertonen die Köpfe von Versengold und Kissin’ Dynamite eine tiefgründige Fantasy-Geschichte, flankiert von 16 brandneuen Originalsongs. Ein Muss für Fans von „Alice im Wunderland“, „Narnia“ oder „Die unendliche Geschichte“! (Quelle: Pressetext)


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Dämmerland sind:
Malte Hoyer, Hannes Braun und Annie Hurdy Gurdy

Hörspiel:
Malte Hoyer: Autor
Hannes Braun: Musik, Toneffekte & Produktion
Sprecher:
Erzähler: Erzähler
Fiete: Hannes Braun
Paloma: Annie Hurdy Gurdy
Svepp: Eike Otten
Brummel: Stephan Benson
Ludger: Stephan Benson
Theodemir: Stephan Benson
Pleppo: Simon Erichsen
Runkelfunz: Ralf Albers
Erwin: Eric Fish
Kapuzenmann: Malte Hoyer
Mathilda: Anna Brunner
General Heinrich: Tim Bernard
Otto das Skelett: Alea
Gunther: Tetzel
Der dunkle Graf: Stephan Benson
Die weisse Frau: Julia Steele
Plackerlinge: Esther Erichsen, Johannes Erichsen und Christoph Erichsen
Spiesslinge & Glotzköpfe: Jendrik Bulk, Lars Meyer und Hannes Braun


Ein Werk wie "Dämmerland" zu rezensieren ist gar nicht so einfach. Was verrate ich euch und was entdeckt ihr lieber selbst? Falls euch also Details fehlen, die sonst völlig normal auftauchen, dann habe ich entschieden sie für den Spaß, selbst in die Geschichte einzutauchen, auszulassen. Starten wir also mit dem Album, das ohne die Geschichte auskommt und mit der Musik ins "Dämmerland" entführt. So startet das Album auch mit dem Titellied "Dämmerland" und gibt so einen Einblick, was auf den mutigen Abenteurer wartet und verrät, dass jeder selbst für seine Geschichte verantwortlich ist. Das Zusammenspiel der Stimmen klingt märchenhaft schön und die Melodie unterstreicht das Gefühl, bereits in die Geschichte eingetaucht zu sein. "Verlorene Träume" ist eine Ballade, die von den Verlusten durch einen Todesfall erzählt. Vor allem die Träume, die dadurch verloren gehen, stehen im Mittelpunkt und dass man sich in seinen noch möglichen Träumen an die Zeit erinnern soll, als all diese Träume noch lebendig waren. Alea singt mit sehr viel Gefühl und zusammen mit Annie im Duett fängt man wirklich an zu träumen. "Was muss, das muss" mit Mr Hurley und die Pulveraffen ist zwar sehr kurz, aber man erkennt sofort den typischen Stil der Band, auch wenn es dieses Mal nicht hinaus aufs Meer geht. Viel mehr geht es um harte Arbeit und das jemand sie halt erledigen muss. Mit diesem Lied fällt die Arbeit jedenfalls nicht schwer. Die nächste Gänsehaut bekommt man dann bei "Alles hat eine Geschichte". Wie in Fiete im Hörspiel erkennt man selbst bei genauerer Betrachtung, dass alles auf der Welt seine eigene Geschichte erzählen könnte und man selbst dazugehört. Düster wird es musikalisch mit "Licht und Schatten" und Chris Harms ist hier wirklich perfekt als Sänger gewählt worden. Die Art und Weise, wie er darüber singt, dass Licht und Schatten zusammengehören, ist faszinierend und fesselnd. Der Kontrast zu den bisherigen Liedern, lässt es noch unheimlicher wirken.

"Aber Kadabrah" ist kein Schreibfehler, denn es geht um den Abersumpf aus der Geschichte und Anna Brunner singt hier in ihrer Rolle der Mathilda. Hier wird das Tempo mal erhöht und man fängt automatisch an sich zu bewegen. Der euphorisch klingende Gesang macht außerdem gute Laune und man nimmt Anna Brunner komplett ab, dass sie für die Dauer des Liedes  in einer eigenen, magschen Welt eingetaucht ist. "Fallender Stern" ist die nächste traumhafte Ballade und auch hier geht es wieder um neugeborene Träume im Dämmerland. Auch wenn man wieder eingeladen wird ins "Dämmerland" zu folgen, erkennt man im Text erneut Hinweise darauf, dass die Geschichte auch ihre tragische Seiten haben muss. "Hunger hab ich" verrät von allein worum es geht und wenn Michael Rhein davon singt was auf seinem Speiseplan steht, sollten sich alle Fabelwesen in Sicherheit bringen. Für ein Festmahl beim nächsten LARP Event könnte man das Lied auff jeden Fall auch anstimmen. "Das Fast-Heldenepos" des Fast-Helden Theodemir sorgt für ein breites Grinsen während man erfäht was er fast alles als Held verbracht hätte. Dadurch erfährt man schon alles, was seinen Charakter ausmacht, welche Rolle er aber genau spielt muss man selbst lesen oder hören. Dass Fiddler's Green an "Drachen machen Drachensachen" beteilgit sind, hört man dem Lied sofort an. Die Melodie macht sofort gute Laune und das Lied ist eine Einladung zum Tanzen. Was Drachen so für Drachensachen klingt ein wenig nach Smaug aus "Der Herr der Ringe", nur ohne das Einäschern des Nachbardorfes. Hier freut dich der Drache über seinen Besuch, da er meistens allein in seiner Höhle hockt. "Vergiss mein nicht" sollte man eigentlich erst hören, wenn man die Geschichte schon komplett kennt. Wenn man hier die einzelnen Hinweise in den Liedern richtig deutet, wird ein wichtiger Teil der Geschichte gespoilert. Doch auch ohne die Geschichte bekommt man hier eine Gänsehaut und wer schon einmal eine wichtige Person im Leben verloren hat, sollte sich nicht schämen, wenn er beim Hören Tränen in den Augen hat. Das Lied ist wunderschön und ich kann nur noch einmal betonen, wie schön Annies Stimme auch hier wieder klingt.




"Schimmer geht immer" ist das Lied der Elstern und Eric Fish erzeugt mit seinem Gesang das perfekte Gefühl von Gier, Hinterhältigkeit und Schadenfreude, wie man es nach einem erfolgriechen Diebeszug einer Elster vorstellt. Es macht wirklich Spaß ihm zuzuhören und es macht neugierig, welche Rolle die Elstern wohl spielen. Bei "Brücken" kommt mit Tetzel von Asenblut auch mal ein wenig Folk-Metal ins Klangbild von "Dämmerland". Die Liebe zu Brücken wird hier von einem Troll beschrieben und das man seine Brücken lieber nicht zerstört, wenn man gesund weiterziehen möchte. Bei "Anstand und Moral" singt Tim Bernard von dArtagnan über die Armee Dämmerlands, die mit weißen Flaggen in die Schlacht zieht. Der epische Klang des Liedes passt perfekt dazu. Orientalische Klänge folgen bei "Fallen ist ne Art zu fliegen" und ist eine sehr optimistische Art einen Sturz zu betrachten. Da ist es sehr gut, dass jeder Pilz einen eigenen (Fall)Schirm besitzt. Ein "Spiegelkabinett" zum Abschluss könnte noch zum Verhängnis werden, wenn man sich nicht in Acht nimmt. Wer schon einmal versucht hat, so ein Labyrinth zu durchqueren, wird die Warnung aufzupassen und sich nicht zu verirren ernst nehmen. Die Melodie klingt auch, als würde sie von einem Jahrmarkt stammen und hat dabei einen unheimlichen Unterton.

Wäre "Dämmerland" nur das Album mit seinen Liedern, hätte ich als Hörer einige Fragen zu verschiedenen Liedern. Diese werden aber durch das Hörspiel/Buch geklärt, weshalb es sehr viel Sinn macht sich über die Musik hinaus mit "Dämmerland" zu beschäftigen. Für den wunderbaren Klang des Albums sind Hannes Braun (Produzent, Mix) und Christoph Beyerlein (Mastering) verantwortlich. Das Artwork und Design stammt von Ben Urban (Hygin Graphix), der mittlerweile vielen Fans der Folk- und Mittelalterszene ein Begriff ist. Seine Werke könnten  ein ganzes Buch füllen, das Fans sicherlich gerne kaufen würden. 



Zum Hörspiel möchte ich wie erwähnt so wenig wie möglich verraten, da es viel zu schön ist die Geschichte ohne Spoiler zu hören oder zu lesen, wenn man das Buch ebenfalls besitzt. Wie bei der Musik hört man die Liebe, die in Dämmerland investiert worden ist, aus jedem Detail heraus. Die Sprecher:innen geben ihren Charakteren nicht nur eine Stimme, sondern eigene Persönlichkeiten. Besonders hervorheben möchte ich Stephan Benson, der nicht nur als Erzähler zu hören ist, sondern auch noch als Brummel, Ludger, Theodemir und der dunkle Graf. Seine charismatische Stimme ist wirklich perfekt um die Hörer:innen durch die Geschichte Dämmerlands zu führen. Während des Hörspiels gibt es immer wieder Momente in denen der Spaß, den die Sprecher:innen bei den Aufnahmen hatten, auf die Hörer:innen überspringt und man hört mit einem breiten Grinsen im Gesicht zu. Alea als Skelett Otto ist ein sehr gutes Beispiel dafür. Doch auch in den ernsten und emotionalen Momenten wirken alle Sprecher:innen authentisch und man fühlt und fiebert mit ihren Rollen mit. Die Leistung von Annie und Hannes spricht schon für sich allein, denn egal ob es gerade humorvoll, spannend oder traurig ist, spürt man wie sehr sie gerade in ihren Rollen und deren Gefühle miterleben. 

Malte Hoyer und Hannes Braun haben hier wirklich etwas ganz besonderes erschaffen. Die Geschichte, in der die Lieder nicht nur Begleitung sondern auch Teil des Ganzen sind, fesselt von der erste Sekunde an. "Dämmerland" muss aber als Gesamtkunstwerk betrachtet werden. Musik, Buch, Hörspiel, Artwork und jedes noch so kleine Detail fließen zusammen und je mehr man davon kennt, umso mehr ist man in die Geschichte eingtaucht.


Mein Fazit: Dämmerland könnte ich mit einem Wort beschreiben - Wow! Es gab schon vorher Geschichten, die mit Musik verbunden worden sind, doch da hatte man eher das Gefühl, die Musik würde die Geschichte nur begleiten und nicht wirklich miterzählen. Bei Dämmerland ist diese Symbiose perfekt gelungen und vor allen Mitwirkenden kann ich nur den Hut ziehen. Trotz der Verbindung von Musik und Geschichte wirken die Lieder aber auch für sich. So kann man das Album komplett hören, ohne das Buch oder das Hörspiel zu kennen und wird dennoch von den Melodien und den Texten mitgerissen. Man sollte aber mit dem Hörspiel beginnen. Dort sind die Lieder eingebunden und man spoilert sich nicht vorab, weil man etwas erkannt hat oder Vorahnungen bestätigt werden. Es fällt mir wirklich schwer nur in superlativen zu schreiben, daher ist mein Tipp sich das Album einfach selbst anzuhören und wenn möglich auch Buch oder Hörspiel zu genießen. 


]]> https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=840 Fri, 22 Nov 2024 14:27:19 +0100 https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=840


Release: 12. November 2024
Eigenvertrieb durch die teilnehmenden Musiker:innen


Tracklist:
01. Incendium Reali  (Die Vertriebenen)
02. Braunen Schlangen (Epenklang)
03. Hexe (Verbal Fight)
04. Der letzte Drache (Meticus feat. Cesilia)
05. Ayla (Belinha Lutador)
06. Braunes Rauschen (Fiduz)
07. Der fahrende Händler (Tales of Tinnef)
08. Pestlied (Hinterhof)
09. Die schlesischen Weber (Tamias Striatus)
10. Changez (Psycomatic a.k.a. Rapkalibur feat. Memo Seyda)
11. Bürgerlied (Versifex und die Stadtwache)
12. Deichopfer II (Frisia non Cantat feat. Finn Faust)
13. Die Spielmannsträne (Papa Christian)
14. Das flammende Band (Gabria)
15. Die Gedanken (The Band with Folk in)
16. Hexe, Hexe (Ben aus Bielefeld)
17. Burning Leaves (Hauke Birkel)
18. Auf zum Rand der Welt (Ohrenpeyn)
19. Die Seuche 2.0 (Rabenzauber)
20. Hanging in the Old Barbed Wire (Curiositas & Friends)


Wir sind freie Spielleute! Unsere Instrumente kommen aus der ganzen Welt, genau wie unsere Melodien und Inspirationen. Wir singen Geschichten von Menschen für Menschen jeder Couleur. Unsere Quelle ist Vielfalt, Liebe und Frieden. Mit diesem Sampler stehen wir ein FÜR Demokratie, Vielfalt und Toleranz, GEGEN Faschismus, Antisemitismus und rechtes Gedankengut. Denn unsere Welt ist bunt - und so soll sie auch bleiben. (Quelle: Spielleute für Vielfalt und Toleranz)


Facebook - Spielleute gegen Rechts


"Wo man singt, da lass dich ruhig nieder, böse Menschen haben keine Lieder." So heißt es in einem berühmten Zitat von Johann Gottfried Seume und passender könnte man den Sampler "Spielfalt" wohl kaum beschreiben. 20 Lieder gegen Rechts und gegen Intoleranz jedem Menschen gegenüber sprechen eine deutliche Sprache. Schon die Ursprünge der einzelnen Projekte / Musiker:innen zeigt, wie bunt die deutschen LARP-, Folk- und Mittelalterszenen sind. Wer ebenfalls ein Zeichen gegen Rechts setzen möchte, macht beim Kauf des Samplers einen ersten Schritt. 

Den Anfang machen Die Vertriebenen mit ihrem Lied "Indencendium Reali", das aus dem zweiten Studioalbum "ExtraVagant" stammt. Mit ihrem mittelalterlichen Sound eröffnet die Band aus Schleswig-Holstein den Sampler mit ordentlich Druck im Schlagwerk und dem Klang von Dudelsäcken, Didgeridoo und Bouzouki. Epenklang haben mit "Braune Schlangen" ein neues Lied für "Spielfalt" veröffentlicht, in dem sie Warnungen gegen den rechten Abschaum aussprechen und zu Toleranz und Offenheit ermutigen. Die markante Stimme von Daniel Eisensaite unterstreicht diese Botschaft wunderbar und wird von einem Brett aus Dudelsack, E-Gitarre und Drums getragen. Mit Verbal Fight kommt harter Sound ins Spiel. "Hexe" handelt von der typischen historischen Hexenjagd, Verurteilung und Ermordung einer Frau. Ein Thema, das auch heute noch aktuell ist. Vielleicht geht es dabei nicht wirklich um Hexerei, aber Hetzjagden mit tödlichem Ausgang gibt es leider immer noch und viel zu oft. "Hexe" stammt aus dem Album "Raus aus dem Keller", auf dem es zwölf Lieder mit einem Mix aus Rock, Metal, Punk und Mittelalter zu hören gibt. "Der letzte Drache" wird von Meticus feat. Cesilia besungen. Cesilias Gesang bringt sehr viel Gefühl in die Ballade ein und wird dabei von Flöten und Synthesizerklängen  begleitet. Wer mehr von Meticus hören mag, sollte seinen Youtube Channel besuchen. Orientalische Klänge gibt es in "Ayla" von Belinha Lutador auf die Ohren. "Ayla" handelt von einer Frau, die sich durch alle Wirrungen und Probleme ihrer Zeit kämpfen muss und behandelt so ebenfalls ein immer noch aktuelles Thema.

Caspar Bierschmeichler singt mit Fiduz zusammen ein Lied über ein "Braunes Rauschen", das überall zu hören ist. Mit Seitenhieben gegen Braun und Blau und auch gegen die Vergangenheit unseres Landes, singen Fiduz gleichgesinnten Menschen Mut zu, die eigene Stimme zu nutzen, um das braune Rauschen zu übertönen und ihm die Macht zu nehmen. Fiduz' Stimme hat etwas fesselndes, wodurch das Lied noch mehr Bedeutung bekommt. Mit Drums, Geige und E-Gitarre wechseln sich sanfte Töne mit härteren Klängen ab. Tales of Tinnef warnen in "Der fahrende Händler" vor Scharlatanen und falschen Propheten, die mit ihren Worten Lügen und Hass verbreiten möchten. Die bunten Flaggen der Gaukler als Zeichen der Vielfalt und Toleranz stehen dabei gegen die Flagge der Scharlatane, die trotz ihrer Aufmachung irgendwann Brauntöne offenbaren. Tales of Tinnef beweisen mit "Der fahrende Händler", dass sie in der Lage sind, auch ernste Themen anzusprechen, auch wenn man die Band eher mit fröhlichen Trink- und Gute Laune Liedern kennt, wie sie auch auf dem aktuellen Album "Unter uns'rer Flagge" zu hören sind, aus dem auch "Der fahrende Händler" stammt. Das "Pestlied" von Hinterhof ist bereits 2013 auf dem Album "Hagge, Schnigge" erschienen. Da wir alle durch die braune Pest bedroht werden, kann man den Text auch dafür nutzen, um laut gegen diese anzusingen. Vom Sound her merkt man dem "Pestlied" sein Alter nicht an, denn das Album wurde damals sehr hochwertig produziert. Dass "Die schlesischen Weber" von der Produktionsseite her noch ausgearbeitet werden kann, sollte man der jungen Band Tamias Striatus nicht zum Vorwurf machen. Mit ihrem Beitrag zeigen Richard, Jonathan, Leni und Adrian, dass auch Kinder und Jugendliche die Gefahr von Rechts ernst nehmen. Normalerweise spielen sie mittelalterliche Marktmusik, doch auch die Umsetzung des Gedichts von Heinrich Heine zeigt, dass die Band Potential hat und man auf zukünftige Veröffentlichungen hoffen darf. Psychomatic a.k.a Rapkalibur besticht einmal mehr durch seine Rhymes und der verbundenen Liebe von Mittelalter und Hip Hop. Durch seine eigenen Alben und der beliebten "Verbündet" Sampler Reihe steht allein sein Name schon für Vielfalt und Toleranz und so wundert es mich nicht, dass er mit "Changez" seinen Teil zum Sampler beigetragen hat.



Versifex und die Stadtwache stimmen als nächstes zum "Bürgerlied" an. Das Lied von Adalbert Harnisch aus dem Jahr 1845 könnte auch eine aktuelle Komposition sein, denn die Welt soll weiter bunt bleiben und nicht braun werden. Versifex war bis 2005 Frontmann von Moskote und ist somit auch kein Unbekannter in der Mittelalterszene. Mit "Deichopfer II" von Frisia non Cantat feat. Finn Faust wird es wieder härter, denn Dudelsack und E-Gitarre beherrschen den Sound. Die Band aus Nordfriesland besingt das Schicksal einer Hexe, die geopfert wird, um einen drohenden Deichbruch zu verhindern. Aberglaube und Schuldzuweisungen sind auch bei Leugnern des Klimawandels stark vertreten. Das Lied wird leider nichts daran ändern, aber es übertönt wunderbar die heruntergerasselten Fakenews zu diesem Thema. Papa Christian ist nicht nur mit "Spielmannsträne" zu hören, sondern war auch für das Mastering des Samplers verantwortlich. Papa Christian ist ein sehr vielfältiger Musiker, der Punk, Metal und Mittelalter liebt und diese Liebe in den Liedern auch miteinander verbindet. Bei Spotify findet man seine Werke unter PapaChristian. Gabria ist wohl eine der meist beschäftigten Personen, die ich kenne. Egal ob mit PurPur oder als Solokünstlerin, ihre Stimme bezaubert jedes Mal auf's Neue. "Das flammende Band" ist nicht nur auf "Spielfalt" zu hören, sondern ist auch auf der "Lux Unita Lieder" EP vorhanden. Die Geschichte eines Barden, der sich in den General der gegnerischen Armee verliebt, ist eine wunderschöne queere Ballade. Da auch die Vielfalt der LGBTQ+ Community durch Rechts bedroht wird, ist es sehr schön und wichtig, auch dieses Thema auf "Spielfalt" anzusprechen beziehungsweise zu besingen. The Band with Folk in, die Urbesetzung von Heiter bis Folkig, haben mit "Die Gedanken" einen wahren Klassiker auf ihre eigene Art neu umgesetzt. Mit Gitarre und Mundharmonika laden The Band with Folk in zum Mitsingen ein, was bei der bekannten Melodie fast von alleine geschieht.

Ben aus Bielefeld ist ein Singer-Songwriter, der seine Lieder selbst schreibt und produziert. Auch hier wird die Schuld für eigene Fehler wieder einmal bei einer Hexe gesucht. "Hexe, Hexe" ist ein frecher Ohrwurm, der sich gerne mal länger im Gedächtnis der Hörer:innen hält. Instrumental geht es mit Hauke Birkel und "Burning Leaves" weiter. Bei der flotten Melodie können sich die Stimmbänder einmal ausruhen und dafür die Beine in die Hand genommen werden. Einziger Wermutstropfen an dem Lied ist die kurze Spieldauer von etwas über 2 Minuten, die gerade einmal zum Aufwärmen ausreicht. Mit Ohrenpeyn ist wieder eine sehr bekannte Band am Start, die mit "Auf zum Rand der Welt" einen scheinbar gefährlichen Kurs setzt, wenn man denn an eine Flache Erde glaubt. Ansonsten wird man zwar durchaus Abenteuer erleben, aber am Erdrand versinken wird man nicht. Nichtsdestotrotz macht das Lied gute Laune und Lust auf Meer und mehr von Ohrenpeyn. Das Lied stammt vom gleichnamigen Album, das 2016 erschienen ist. Mittelalterlich melden sich nun Rabenzauber zu Wort, die mit "Die Seuche 2.0" auf die braune Seuche aufmerksam machen wollen, die uns alle bedroht. Ursprünglich ist "Die Seuche" auf dem Album "Und es geht weiter" zu finden und ist ein Lied über die Coronapandemie  und deren Auswirkungen, doch auch der neue Text passt wie die Faust auf's (braune) Auge. Last but not least geben sich Curiositas & Friends die Ehre und beenden den Sampler mit "Hanging on the Old Barbed Wire". Hier wird auf sarkastische Art auf verschiedene Militärränge hingewiesen, die sich lieber um sich selbst kümmern, als um die Sorgen und Nöte ihrer Untergebenen. Der besungene Stacheldraht wurde im ersten Weltkrieg dazu genutzt, umkämpfte Gebiete von den eigenen Stellungen abzugrenzen, die damals in Form von Gräben üblich waren. Wer mutig genug war über diesen zu steigen, hat diesen Versuch meistens nicht überlebt und hing in diesem fest.



"Spielfalt" endet zwar mit einem unschönen und leider realen Bild der Vergangenheit, macht aber Mut dafür einzustehen, dass solche Dinge hier nicht mehr passieren. Die Spielleute für Vielfalt und Toleranz gehen mit gutem und lauten Beispiel voran. Das Cover wurde von Miri & Bruni gestaltet und würde sich auch hervorragend für Aufkleber anbieten, denn nicht nur Spielleute sind gegen Rechts, sondern auch ihre Hörer:innen. Das Mastering von Papa Christian möchte ich auch noch einmal lobend erwähnen, denn er hat aus vielen einzelnen Beiträgen ein große Ganzes gemacht, das sich wirklich hören lassen kann. Die Verantwortung der einzelnen Lieder liegt aber bei den jeweiligen Interpreten.

Mein Fazit: Aus dem Gedanken heraus, ein gemeinsames Zeichen gegen Rechts zu setzten, ist der Sampler "Spielfalt" entstanden. Die Vielfalt der Teilnehmer:innen und die unterschiedlichen Themen sind ein perfektes Symbolbild für den Wunsch, Vielfalt und Toleranz zu erhalten. Da jedes Lied einen eigenen Beitrag darstellt, dessen Produktion in der jeweiligen Verantwortung der Teilnehmer:innen liegt, ist die Tonqualität sehr unterschiedlich. Während die meisten Lieder professionelle Aufnahmen sind, haben andere eher den Charakter einer Demo-Aufnahme, die man nicht unbedingt bei jedem Durchlauf hören wird. Die ist auch der einzige Kritikpunkt, der jedoch aufgrund der Thematik nicht wirklich ins Gewicht fällt. Man kann dem Mut und das Herz, sich so offen gegen Rechts auszusprechen, nur mit Respekt begegnen. Da der Überschuss der Einnahmen auch noch für Spenden genutzt wird, ist jede Unterstützung sehr wünschenswert. Einen Anspieltipp gebe ich dieses Mal nicht, denn beim Preis von 5€ gibt es keinen Grund, diesen Sampler nicht zu kaufen. Ich drücke die Daumen, dass der Sampler viele Abnehmer findet und sollte "Spielfalt" zu einer Samplerreihe werden, wäre ich sehr gespannt, welche Namen man zukünftig noch lesen könnte. Zum Schluss noch ein Danke für diesen Sampler und an jede einzelne Person, die hinter diesem Projekt steht. Falls ihr den Sampler irgendwo entdeckt oder Teilnehmer:innen kennt, bei denen er erhältlich ist, dann nehmt ihn bedenkenlos mit und dreht die Lieder laut auf. 

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Release: 12. November 2024
Eigenvertrieb durch die teilnehmenden Musiker:innen


Tracklist:
01. Incendium Reali  (Die Vertriebenen)
02. Braunen Schlangen (Epenklang)
03. Hexe (Verbal Fight)
04. Der letzte Drache (Meticus feat. Cesilia)
05. Ayla (Belinha Lutador)
06. Braunes Rauschen (Fiduz)
07. Der fahrende Händler (Tales of Tinnef)
08. Pestlied (Hinterhof)
09. Die schlesischen Weber (Tamias Striatus)
10. Changez (Psycomatic a.k.a. Rapkalibur feat. Memo Seyda)
11. Bürgerlied (Versifex und die Stadtwache)
12. Deichopfer II (Frisia non Cantat feat. Finn Faust)
13. Die Spielmannsträne (Papa Christian)
14. Das flammende Band (Gabria)
15. Die Gedanken (The Band with Folk in)
16. Hexe, Hexe (Ben aus Bielefeld)
17. Burning Leaves (Hauke Birkel)
18. Auf zum Rand der Welt (Ohrenpeyn)
19. Die Seuche 2.0 (Rabenzauber)
20. Hanging in the Old Barbed Wire (Curiositas & Friends)


Wir sind freie Spielleute! Unsere Instrumente kommen aus der ganzen Welt, genau wie unsere Melodien und Inspirationen. Wir singen Geschichten von Menschen für Menschen jeder Couleur. Unsere Quelle ist Vielfalt, Liebe und Frieden. Mit diesem Sampler stehen wir ein FÜR Demokratie, Vielfalt und Toleranz, GEGEN Faschismus, Antisemitismus und rechtes Gedankengut. Denn unsere Welt ist bunt - und so soll sie auch bleiben. (Quelle: Spielleute für Vielfalt und Toleranz)


Facebook - Spielleute gegen Rechts


"Wo man singt, da lass dich ruhig nieder, böse Menschen haben keine Lieder." So heißt es in einem berühmten Zitat von Johann Gottfried Seume und passender könnte man den Sampler "Spielfalt" wohl kaum beschreiben. 20 Lieder gegen Rechts und gegen Intoleranz jedem Menschen gegenüber sprechen eine deutliche Sprache. Schon die Ursprünge der einzelnen Projekte / Musiker:innen zeigt, wie bunt die deutschen LARP-, Folk- und Mittelalterszenen sind. Wer ebenfalls ein Zeichen gegen Rechts setzen möchte, macht beim Kauf des Samplers einen ersten Schritt. 

Den Anfang machen Die Vertriebenen mit ihrem Lied "Indencendium Reali", das aus dem zweiten Studioalbum "ExtraVagant" stammt. Mit ihrem mittelalterlichen Sound eröffnet die Band aus Schleswig-Holstein den Sampler mit ordentlich Druck im Schlagwerk und dem Klang von Dudelsäcken, Didgeridoo und Bouzouki. Epenklang haben mit "Braune Schlangen" ein neues Lied für "Spielfalt" veröffentlicht, in dem sie Warnungen gegen den rechten Abschaum aussprechen und zu Toleranz und Offenheit ermutigen. Die markante Stimme von Daniel Eisensaite unterstreicht diese Botschaft wunderbar und wird von einem Brett aus Dudelsack, E-Gitarre und Drums getragen. Mit Verbal Fight kommt harter Sound ins Spiel. "Hexe" handelt von der typischen historischen Hexenjagd, Verurteilung und Ermordung einer Frau. Ein Thema, das auch heute noch aktuell ist. Vielleicht geht es dabei nicht wirklich um Hexerei, aber Hetzjagden mit tödlichem Ausgang gibt es leider immer noch und viel zu oft. "Hexe" stammt aus dem Album "Raus aus dem Keller", auf dem es zwölf Lieder mit einem Mix aus Rock, Metal, Punk und Mittelalter zu hören gibt. "Der letzte Drache" wird von Meticus feat. Cesilia besungen. Cesilias Gesang bringt sehr viel Gefühl in die Ballade ein und wird dabei von Flöten und Synthesizerklängen  begleitet. Wer mehr von Meticus hören mag, sollte seinen Youtube Channel besuchen. Orientalische Klänge gibt es in "Ayla" von Belinha Lutador auf die Ohren. "Ayla" handelt von einer Frau, die sich durch alle Wirrungen und Probleme ihrer Zeit kämpfen muss und behandelt so ebenfalls ein immer noch aktuelles Thema.

Caspar Bierschmeichler singt mit Fiduz zusammen ein Lied über ein "Braunes Rauschen", das überall zu hören ist. Mit Seitenhieben gegen Braun und Blau und auch gegen die Vergangenheit unseres Landes, singen Fiduz gleichgesinnten Menschen Mut zu, die eigene Stimme zu nutzen, um das braune Rauschen zu übertönen und ihm die Macht zu nehmen. Fiduz' Stimme hat etwas fesselndes, wodurch das Lied noch mehr Bedeutung bekommt. Mit Drums, Geige und E-Gitarre wechseln sich sanfte Töne mit härteren Klängen ab. Tales of Tinnef warnen in "Der fahrende Händler" vor Scharlatanen und falschen Propheten, die mit ihren Worten Lügen und Hass verbreiten möchten. Die bunten Flaggen der Gaukler als Zeichen der Vielfalt und Toleranz stehen dabei gegen die Flagge der Scharlatane, die trotz ihrer Aufmachung irgendwann Brauntöne offenbaren. Tales of Tinnef beweisen mit "Der fahrende Händler", dass sie in der Lage sind, auch ernste Themen anzusprechen, auch wenn man die Band eher mit fröhlichen Trink- und Gute Laune Liedern kennt, wie sie auch auf dem aktuellen Album "Unter uns'rer Flagge" zu hören sind, aus dem auch "Der fahrende Händler" stammt. Das "Pestlied" von Hinterhof ist bereits 2013 auf dem Album "Hagge, Schnigge" erschienen. Da wir alle durch die braune Pest bedroht werden, kann man den Text auch dafür nutzen, um laut gegen diese anzusingen. Vom Sound her merkt man dem "Pestlied" sein Alter nicht an, denn das Album wurde damals sehr hochwertig produziert. Dass "Die schlesischen Weber" von der Produktionsseite her noch ausgearbeitet werden kann, sollte man der jungen Band Tamias Striatus nicht zum Vorwurf machen. Mit ihrem Beitrag zeigen Richard, Jonathan, Leni und Adrian, dass auch Kinder und Jugendliche die Gefahr von Rechts ernst nehmen. Normalerweise spielen sie mittelalterliche Marktmusik, doch auch die Umsetzung des Gedichts von Heinrich Heine zeigt, dass die Band Potential hat und man auf zukünftige Veröffentlichungen hoffen darf. Psychomatic a.k.a Rapkalibur besticht einmal mehr durch seine Rhymes und der verbundenen Liebe von Mittelalter und Hip Hop. Durch seine eigenen Alben und der beliebten "Verbündet" Sampler Reihe steht allein sein Name schon für Vielfalt und Toleranz und so wundert es mich nicht, dass er mit "Changez" seinen Teil zum Sampler beigetragen hat.



Versifex und die Stadtwache stimmen als nächstes zum "Bürgerlied" an. Das Lied von Adalbert Harnisch aus dem Jahr 1845 könnte auch eine aktuelle Komposition sein, denn die Welt soll weiter bunt bleiben und nicht braun werden. Versifex war bis 2005 Frontmann von Moskote und ist somit auch kein Unbekannter in der Mittelalterszene. Mit "Deichopfer II" von Frisia non Cantat feat. Finn Faust wird es wieder härter, denn Dudelsack und E-Gitarre beherrschen den Sound. Die Band aus Nordfriesland besingt das Schicksal einer Hexe, die geopfert wird, um einen drohenden Deichbruch zu verhindern. Aberglaube und Schuldzuweisungen sind auch bei Leugnern des Klimawandels stark vertreten. Das Lied wird leider nichts daran ändern, aber es übertönt wunderbar die heruntergerasselten Fakenews zu diesem Thema. Papa Christian ist nicht nur mit "Spielmannsträne" zu hören, sondern war auch für das Mastering des Samplers verantwortlich. Papa Christian ist ein sehr vielfältiger Musiker, der Punk, Metal und Mittelalter liebt und diese Liebe in den Liedern auch miteinander verbindet. Bei Spotify findet man seine Werke unter PapaChristian. Gabria ist wohl eine der meist beschäftigten Personen, die ich kenne. Egal ob mit PurPur oder als Solokünstlerin, ihre Stimme bezaubert jedes Mal auf's Neue. "Das flammende Band" ist nicht nur auf "Spielfalt" zu hören, sondern ist auch auf der "Lux Unita Lieder" EP vorhanden. Die Geschichte eines Barden, der sich in den General der gegnerischen Armee verliebt, ist eine wunderschöne queere Ballade. Da auch die Vielfalt der LGBTQ+ Community durch Rechts bedroht wird, ist es sehr schön und wichtig, auch dieses Thema auf "Spielfalt" anzusprechen beziehungsweise zu besingen. The Band with Folk in, die Urbesetzung von Heiter bis Folkig, haben mit "Die Gedanken" einen wahren Klassiker auf ihre eigene Art neu umgesetzt. Mit Gitarre und Mundharmonika laden The Band with Folk in zum Mitsingen ein, was bei der bekannten Melodie fast von alleine geschieht.

Ben aus Bielefeld ist ein Singer-Songwriter, der seine Lieder selbst schreibt und produziert. Auch hier wird die Schuld für eigene Fehler wieder einmal bei einer Hexe gesucht. "Hexe, Hexe" ist ein frecher Ohrwurm, der sich gerne mal länger im Gedächtnis der Hörer:innen hält. Instrumental geht es mit Hauke Birkel und "Burning Leaves" weiter. Bei der flotten Melodie können sich die Stimmbänder einmal ausruhen und dafür die Beine in die Hand genommen werden. Einziger Wermutstropfen an dem Lied ist die kurze Spieldauer von etwas über 2 Minuten, die gerade einmal zum Aufwärmen ausreicht. Mit Ohrenpeyn ist wieder eine sehr bekannte Band am Start, die mit "Auf zum Rand der Welt" einen scheinbar gefährlichen Kurs setzt, wenn man denn an eine Flache Erde glaubt. Ansonsten wird man zwar durchaus Abenteuer erleben, aber am Erdrand versinken wird man nicht. Nichtsdestotrotz macht das Lied gute Laune und Lust auf Meer und mehr von Ohrenpeyn. Das Lied stammt vom gleichnamigen Album, das 2016 erschienen ist. Mittelalterlich melden sich nun Rabenzauber zu Wort, die mit "Die Seuche 2.0" auf die braune Seuche aufmerksam machen wollen, die uns alle bedroht. Ursprünglich ist "Die Seuche" auf dem Album "Und es geht weiter" zu finden und ist ein Lied über die Coronapandemie  und deren Auswirkungen, doch auch der neue Text passt wie die Faust auf's (braune) Auge. Last but not least geben sich Curiositas & Friends die Ehre und beenden den Sampler mit "Hanging on the Old Barbed Wire". Hier wird auf sarkastische Art auf verschiedene Militärränge hingewiesen, die sich lieber um sich selbst kümmern, als um die Sorgen und Nöte ihrer Untergebenen. Der besungene Stacheldraht wurde im ersten Weltkrieg dazu genutzt, umkämpfte Gebiete von den eigenen Stellungen abzugrenzen, die damals in Form von Gräben üblich waren. Wer mutig genug war über diesen zu steigen, hat diesen Versuch meistens nicht überlebt und hing in diesem fest.



"Spielfalt" endet zwar mit einem unschönen und leider realen Bild der Vergangenheit, macht aber Mut dafür einzustehen, dass solche Dinge hier nicht mehr passieren. Die Spielleute für Vielfalt und Toleranz gehen mit gutem und lauten Beispiel voran. Das Cover wurde von Miri & Bruni gestaltet und würde sich auch hervorragend für Aufkleber anbieten, denn nicht nur Spielleute sind gegen Rechts, sondern auch ihre Hörer:innen. Das Mastering von Papa Christian möchte ich auch noch einmal lobend erwähnen, denn er hat aus vielen einzelnen Beiträgen ein große Ganzes gemacht, das sich wirklich hören lassen kann. Die Verantwortung der einzelnen Lieder liegt aber bei den jeweiligen Interpreten.

Mein Fazit: Aus dem Gedanken heraus, ein gemeinsames Zeichen gegen Rechts zu setzten, ist der Sampler "Spielfalt" entstanden. Die Vielfalt der Teilnehmer:innen und die unterschiedlichen Themen sind ein perfektes Symbolbild für den Wunsch, Vielfalt und Toleranz zu erhalten. Da jedes Lied einen eigenen Beitrag darstellt, dessen Produktion in der jeweiligen Verantwortung der Teilnehmer:innen liegt, ist die Tonqualität sehr unterschiedlich. Während die meisten Lieder professionelle Aufnahmen sind, haben andere eher den Charakter einer Demo-Aufnahme, die man nicht unbedingt bei jedem Durchlauf hören wird. Die ist auch der einzige Kritikpunkt, der jedoch aufgrund der Thematik nicht wirklich ins Gewicht fällt. Man kann dem Mut und das Herz, sich so offen gegen Rechts auszusprechen, nur mit Respekt begegnen. Da der Überschuss der Einnahmen auch noch für Spenden genutzt wird, ist jede Unterstützung sehr wünschenswert. Einen Anspieltipp gebe ich dieses Mal nicht, denn beim Preis von 5€ gibt es keinen Grund, diesen Sampler nicht zu kaufen. Ich drücke die Daumen, dass der Sampler viele Abnehmer findet und sollte "Spielfalt" zu einer Samplerreihe werden, wäre ich sehr gespannt, welche Namen man zukünftig noch lesen könnte. Zum Schluss noch ein Danke für diesen Sampler und an jede einzelne Person, die hinter diesem Projekt steht. Falls ihr den Sampler irgendwo entdeckt oder Teilnehmer:innen kennt, bei denen er erhältlich ist, dann nehmt ihn bedenkenlos mit und dreht die Lieder laut auf. 

]]> https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=838 Thu, 14 Nov 2024 17:03:42 +0100 https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=838


Release: 15. November 2024
Label: Warner Records (Warner)


Tracklist:
01. From Zero (Intro)
02. The Emptiness Machine - Video
03. Cut The Bridge
04. Heavy Is The Crown - Video
05. Over Each Other - Video
06. Casualty
07. Overflow
08. Two Faced - Video
09. Stained
10. IGYEIH
11. Good Things Go


Über sieben Jahre nach ihrem letzten Album und dem Suizid ihres Sängers Chester Bennington melden sich Linkin Park mit "From Zero" zurück. Auf dem Album gibt es nicht nur neue Musik zu hören, denn Emily Armstrong steht nun neben Mike Shinoda als Leadstimme am Mikrofon. Schon beim ersten Liveauftritt konnte Emily die Linkin Park Fans von ihrer Stimme überzeugen und beweisen, dass sie als Nachfolgerin - nicht Ersatz - Chester Benningtons eine ausgezeichnete Wahl ist. Mit den Singles "The Emptiness Machine", "Heavy Is The Crown" und "Over Each Other" haben Linkin Park nicht nur an ihre bisherigen Erfolge nahtlos angeknüpft, denn "The Emptiness Machine" wurde zur ersten #1 Single in den deutschen Singlecharts in der Geschichte der Band. "From Zero" ist nicht nur eine Anspielung auf den Neustart, sondern auch an den ersten Bandnamen Xero, unter dem die Gründungsmitglieder auftraten,  bevor zusammen mit Chester Bennington als Linkin Park der internationale Durchbruch gelang. 


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Linkin Park sind:
Mike Shinoda: Gesang, Rap, Lead-Gitarre, Rhythmus-Gitarre, Keyboard, Klavier & Synthesizer
Emily Armstrong: Gesang
Brad Delson: Lead-Gitarre & Backing Vocals
Dave "Phoenix" Farrell: E-Bass & Backing Vocals
Joe Hahn: DJ & Backing Vocals
Colin Brittain: Schlagzeug


Das mit 22 Sekunden sehr kurze Intro startet mit einem Chor und endet mit einer Sprachaufnahme, in der kurz über den Albumnamen und seine doppelte Bedeutung gesprochen wird. Der erste vollwertige Song "The Emptiness Machine" kam vorab als erste von vier Singles heraus und hat gezeigt, dass Linkin Park nichts von dem eingebüßt haben, was sie vor ihrer langen Pause ausgemacht hat. Der Text geht unter die Haut und das Wechselspiel der Leadstimmen erinnert stark an die ersten Hits der Band. Mike beweist wieder einmal, dass er nicht nur als Rapper Skills besitzt und singt die erste Strophe allein. Im Chorus hört man dann erstmals Emilys Stimme, die vom ersten Ton an fesselt. Der Kontrast zwischen den Stimmen erinnert sofort an "Hybrid Theory" und "Meteora", auf denen Mike und Chester sehr ähnlich miteinander agiert haben. Wer sich vor der Pause beschwert hat, dass Linkin Park im Sound zu soft geworden sind, wird sich über die Rückkehr zu ihren Wurzeln freuen. Da wundert es auch niemanden mehr, dass genau dieser Song als erste Single veröffentlicht worden ist, um den Hype auf "From Zero" zu starten. Zurück zu den Wurzeln gilt auch für "Cut The Bridge", bei dem Effekte eher im Hintergrund zu hören sind und dafür ein Brett aus Gitarren und Drums die Basis für diesen Song bilden. Eigentlich gehen Linkin Park hier in zwei Richtungen. Zum Einen klingt er wie Songs aus der Zeit vor "Hybrid Theory" und dann doch nach "Minutes To Midnight", denn der Aufbau des Songs erinnert stark an "Bleed It Out". Die Strophen werden diesmal von Mike gerappt und Emily übernimmt den Chorus und wird dabei vom Chor ihrer Kollegen begleitet. Definitiv ein Song, bei dem Konzertbesucher laut mitsingen sollen. Bei "Cut The Bridge" darf Colin Brittain mit seinen Skills an den Drums glänzen. Dies fällt besonders ins Gewicht, da er ansonsten sehr im Hintergrund der Produktion steht und er eher wie Beiwerk wirkt.


Mit der zweiten vorab veröffentlichen Single "Heavy Is The Crown" geht es weiter, die auch als offizielle Hymne der League of Legends World Finals ausgewählt worden ist. Dort sind Linkin Park auch live aufgetreten und haben den Einmarsch der Finalisten musikalisch begleitet. Den Auftritt kann man sich bei YouTube anschauen. Fans der späteren Alben werden sich über die Fusion von Rock und elektronischen Elementen freuen, wobei der Rockanteil deutlich im Vordergrund steht. Spätestens hier werden auch die letzten Skeptiker von Emily den Hut vor ihr ziehen, wenn sie den "this is what you asked for" Scream hören werden, den Emily 17 Sekunden hält - eine Leistung, die von Chester Bennington bei "Given up" vorgelegt worden ist. "Over Each Other" ist die erste ruhige Nummer auf "From Zero" (wenn man das Intro mal außen vor lässt) und wird allein von Emilys Stimme getragen. Diese überzeugt durch eine Mischung aus sehr emotionalen und doch gefühlvollen Gesang. Das Video zur dritten Singleauskopplung des Albums unterstreicht mit seiner Geschichte und dem unerwarteten Ende die Emotionen sehr gut. Doch auch für sich erzeugt der Song nicht nur eine Gänsehaut beim Anhören. Am Ende gibt es eine kleine Einspielung, in der Mike sagt, Emily soll ihre Screaming Pants anziehen, die sie im nächsten Song auch definitiv nötig hat. "Casualty" beginnt nämlich mit Screams von Emily und eröffnet so den härtesten Song des Album. Auch Mike klingt ungewöhnlich aggressiv in seinem Part. Die harten Gitarren, die treibenden Drums und das höhere Tempo im Chorus eignen sich hervorragend für Circle Pits. Definitiv ein Song für Livecrowds, der ohne Effekte einfach mal aufs Maul haut. Dieser Biss im Sound ist seit "Meteora" vielen abgegangen, weshalb spätestens nach "Minutes To Midnight" viele Fans abgesprungen sind, die den alten Sound geliebt haben. Es ist Balsam für die Seele, dass Linkin Park auch in diesem Punkt wieder zu sich selbst zurückgefunden haben.



Direkt danach wird wieder viel Härte und Tempo aus dem Song raus genommen. "Overflow" ist eine Ballade, die sehr gut zum Album "The Hunting Party" gepasst hätte. Hier stehen eindeutig Effekte und Gesang im Vordergrund, denn die Gitarren sind hier kaum zu hören und werden erst zum Schluss hin präsenter. Zum Luft holen kommt der Song aber genau richtig und bringt auch ordentlich Abwechslung ins Album. In "Two Faced" vereinen sich die einzelnen Elemente wieder zu einer amtlichen Rocknummer. Hier gehen Linkin Park einen deutlichen Schritt zurück zu ihren Wurzeln, denn der Song könnte sich nahtlos in die Songlisten von "Hybrid Theory" und "Meteora" einreihen, da der Song Stilelemente aus beiden Alben enthält. Mike und Emily pushen sich hier gegenseitig zur Höchstleistung und als letzte Single vor dem Release haben Linkin Park allen Hatern, die meinen, Linkin Park würden wie eine andere Band klingen, einen musikalischen Maulkorb verpasst. Bei "Stained" scheint man nicht ganz einig gewesen zu sein, ob man nun eine reine Ballade oder einen weiteren Banger abliefern wollte. Herausgekommen ist eine Mischung aus beidem und die ist sehr gut gelungen. Erneut fesselt Emilys Stimme im Chorus und der Flow von Mike in seinen Parts ist einfach genial. Ungebremst und mit ordentlich Druck im Sound geht es mit "IGYEIH" (I Gave You Everything I Had) weiter, der thematisch da weiter macht, wo "The Emptiness Machine" aufgehört hat. Wer sich gerade von einem narzisstischen Menschen getrennt hat, wird diesen Song fühlen und noch eine Stufe lauter stellen. Der Downpart baut sich langsam auf und würde man das bekannte "Shut up when I'm talking to you" von Chester neben Emilys "From now on I don't need you" stellen, würde es sich perfekt verbinden. "Good Things Go" ist nicht nur nur eine epische Ballade, sondern auch ein passender Titel zum Abschluss des Albums. Linkin Park haben zum Ende noch einmal alle Stärken des Albums vereint und produktionstechnisch auch nochmal alles in den Song gepackt, damit man das Album direkt wieder hören möchte. Da ist es wohl kein Zufall, dass am Ende eine perfekte Brücke zum Intro zu hören ist und man im Repeatmodus quasi gar nicht bemerkt, dass man wieder bei Null, also "From Zero" angefangen hat und im nächsten Loop ist.

Da das Album gewohnt auf höchstem Niveau produziert worden ist, braucht man sich über den Sound gar keine Gedanken machen. Anlage aufdrehen und den Rest erledigen Linkin Park von allein. Beim Cover des Albums bin ich mir selbst nicht sicher, was ich davon halten soll. Da es wie eine Anspielung auf die Symbionten Venom und Carnage aus Spider-Man wirkt, könnte es durchaus als der Übergang zwischen der Vergangenheit und Zukunft interpretiert werden. Die schwarze Trauerphase der Band wird vom neuen Farbklang von Emilys Stimme mit neuem Leben gefüllt und die Symbiose aus diesen beiden Faktoren ergibt den Sound von "From Zero".


Mein Fazit: Linkin Park melden sich mit einem absoluten Banger als Album zurück, das schon vor dem Release ein kommerzieller Erfolg ist. Die Views der einzelnen Singles bei YouTube allein beweisen schon, wie Fans die neuen Songs feiern. Die Tracklist offenbart ein Highlight nach dem anderen, wobei man sich das Intro hätte sparen können. Es bringt keinen Mehrwert  und ein weiterer Song hätte auch der sehr kurzen Laufzeit von knapp 32 Minuten sehr gut getan, was einen der wenigen Kritikpunkte darstellt. Das Best of Album "Papercuts" war als Abschluss der Chester Bennington Era eine sehr gute Wahl. Natürlich schmerzt der endgültige Abschied von Chester immer noch und das darf er auch. Immerhin hat seine Stimme Millionen Menschen Kraft und Hoffnung gegeben.Die Wahl, eine weiblichen Stimme die Chance zu geben, seine Nachfolge anzutreten, ist meiner Meinung nach aber die richtige gewesen. "From Zero" ist der Beginn der nächsten Linkin Park Era und die Band dürfte noch sehr lange auf der Erfolgswelle von "From Zero" reiten. Wer nicht zu den Emily-Kritikern gehört, sollte sich das Album einfach im Ganzen gönnen. Die Videos als Einstieg sind genau der richtige Weg, um die letzten Stunden bis zum Release noch zu verkürzen. Danach bin ich mir sicher, dass die Server der Streamingdienste glühen werden.

Ist die Rückkehr gelungen? Definitiv. Geben Linkin Park etwas auf die Kommentare, die sich gegen Emily stellen und das Album ablehnen? Absolut nicht und gerade das Video zu "Two Faced" zeigt, dass sie es einfach nur genießen, wieder Musik zu machen. Genau dies sollten die Hörer:innen des Albums auch machen. Bleibt nur noch abzuwarten, welchen Platz das Album in den Albumcharts einnehmen wird. Nachdem "The Emptiness Machine" schon die erste Nummer Eins Single in Deutschland für Linkin Park geworden ist, stehen die Zeichen dort ebenfalls auf Kurs gen Chartsspitze.


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Release: 15. November 2024
Label: Warner Records (Warner)


Tracklist:
01. From Zero (Intro)
02. The Emptiness Machine - Video
03. Cut The Bridge
04. Heavy Is The Crown - Video
05. Over Each Other - Video
06. Casualty
07. Overflow
08. Two Faced - Video
09. Stained
10. IGYEIH
11. Good Things Go


Über sieben Jahre nach ihrem letzten Album und dem Suizid ihres Sängers Chester Bennington melden sich Linkin Park mit "From Zero" zurück. Auf dem Album gibt es nicht nur neue Musik zu hören, denn Emily Armstrong steht nun neben Mike Shinoda als Leadstimme am Mikrofon. Schon beim ersten Liveauftritt konnte Emily die Linkin Park Fans von ihrer Stimme überzeugen und beweisen, dass sie als Nachfolgerin - nicht Ersatz - Chester Benningtons eine ausgezeichnete Wahl ist. Mit den Singles "The Emptiness Machine", "Heavy Is The Crown" und "Over Each Other" haben Linkin Park nicht nur an ihre bisherigen Erfolge nahtlos angeknüpft, denn "The Emptiness Machine" wurde zur ersten #1 Single in den deutschen Singlecharts in der Geschichte der Band. "From Zero" ist nicht nur eine Anspielung auf den Neustart, sondern auch an den ersten Bandnamen Xero, unter dem die Gründungsmitglieder auftraten,  bevor zusammen mit Chester Bennington als Linkin Park der internationale Durchbruch gelang. 


Homepage
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Linkin Park sind:
Mike Shinoda: Gesang, Rap, Lead-Gitarre, Rhythmus-Gitarre, Keyboard, Klavier & Synthesizer
Emily Armstrong: Gesang
Brad Delson: Lead-Gitarre & Backing Vocals
Dave "Phoenix" Farrell: E-Bass & Backing Vocals
Joe Hahn: DJ & Backing Vocals
Colin Brittain: Schlagzeug


Das mit 22 Sekunden sehr kurze Intro startet mit einem Chor und endet mit einer Sprachaufnahme, in der kurz über den Albumnamen und seine doppelte Bedeutung gesprochen wird. Der erste vollwertige Song "The Emptiness Machine" kam vorab als erste von vier Singles heraus und hat gezeigt, dass Linkin Park nichts von dem eingebüßt haben, was sie vor ihrer langen Pause ausgemacht hat. Der Text geht unter die Haut und das Wechselspiel der Leadstimmen erinnert stark an die ersten Hits der Band. Mike beweist wieder einmal, dass er nicht nur als Rapper Skills besitzt und singt die erste Strophe allein. Im Chorus hört man dann erstmals Emilys Stimme, die vom ersten Ton an fesselt. Der Kontrast zwischen den Stimmen erinnert sofort an "Hybrid Theory" und "Meteora", auf denen Mike und Chester sehr ähnlich miteinander agiert haben. Wer sich vor der Pause beschwert hat, dass Linkin Park im Sound zu soft geworden sind, wird sich über die Rückkehr zu ihren Wurzeln freuen. Da wundert es auch niemanden mehr, dass genau dieser Song als erste Single veröffentlicht worden ist, um den Hype auf "From Zero" zu starten. Zurück zu den Wurzeln gilt auch für "Cut The Bridge", bei dem Effekte eher im Hintergrund zu hören sind und dafür ein Brett aus Gitarren und Drums die Basis für diesen Song bilden. Eigentlich gehen Linkin Park hier in zwei Richtungen. Zum Einen klingt er wie Songs aus der Zeit vor "Hybrid Theory" und dann doch nach "Minutes To Midnight", denn der Aufbau des Songs erinnert stark an "Bleed It Out". Die Strophen werden diesmal von Mike gerappt und Emily übernimmt den Chorus und wird dabei vom Chor ihrer Kollegen begleitet. Definitiv ein Song, bei dem Konzertbesucher laut mitsingen sollen. Bei "Cut The Bridge" darf Colin Brittain mit seinen Skills an den Drums glänzen. Dies fällt besonders ins Gewicht, da er ansonsten sehr im Hintergrund der Produktion steht und er eher wie Beiwerk wirkt.


Mit der zweiten vorab veröffentlichen Single "Heavy Is The Crown" geht es weiter, die auch als offizielle Hymne der League of Legends World Finals ausgewählt worden ist. Dort sind Linkin Park auch live aufgetreten und haben den Einmarsch der Finalisten musikalisch begleitet. Den Auftritt kann man sich bei YouTube anschauen. Fans der späteren Alben werden sich über die Fusion von Rock und elektronischen Elementen freuen, wobei der Rockanteil deutlich im Vordergrund steht. Spätestens hier werden auch die letzten Skeptiker von Emily den Hut vor ihr ziehen, wenn sie den "this is what you asked for" Scream hören werden, den Emily 17 Sekunden hält - eine Leistung, die von Chester Bennington bei "Given up" vorgelegt worden ist. "Over Each Other" ist die erste ruhige Nummer auf "From Zero" (wenn man das Intro mal außen vor lässt) und wird allein von Emilys Stimme getragen. Diese überzeugt durch eine Mischung aus sehr emotionalen und doch gefühlvollen Gesang. Das Video zur dritten Singleauskopplung des Albums unterstreicht mit seiner Geschichte und dem unerwarteten Ende die Emotionen sehr gut. Doch auch für sich erzeugt der Song nicht nur eine Gänsehaut beim Anhören. Am Ende gibt es eine kleine Einspielung, in der Mike sagt, Emily soll ihre Screaming Pants anziehen, die sie im nächsten Song auch definitiv nötig hat. "Casualty" beginnt nämlich mit Screams von Emily und eröffnet so den härtesten Song des Album. Auch Mike klingt ungewöhnlich aggressiv in seinem Part. Die harten Gitarren, die treibenden Drums und das höhere Tempo im Chorus eignen sich hervorragend für Circle Pits. Definitiv ein Song für Livecrowds, der ohne Effekte einfach mal aufs Maul haut. Dieser Biss im Sound ist seit "Meteora" vielen abgegangen, weshalb spätestens nach "Minutes To Midnight" viele Fans abgesprungen sind, die den alten Sound geliebt haben. Es ist Balsam für die Seele, dass Linkin Park auch in diesem Punkt wieder zu sich selbst zurückgefunden haben.



Direkt danach wird wieder viel Härte und Tempo aus dem Song raus genommen. "Overflow" ist eine Ballade, die sehr gut zum Album "The Hunting Party" gepasst hätte. Hier stehen eindeutig Effekte und Gesang im Vordergrund, denn die Gitarren sind hier kaum zu hören und werden erst zum Schluss hin präsenter. Zum Luft holen kommt der Song aber genau richtig und bringt auch ordentlich Abwechslung ins Album. In "Two Faced" vereinen sich die einzelnen Elemente wieder zu einer amtlichen Rocknummer. Hier gehen Linkin Park einen deutlichen Schritt zurück zu ihren Wurzeln, denn der Song könnte sich nahtlos in die Songlisten von "Hybrid Theory" und "Meteora" einreihen, da der Song Stilelemente aus beiden Alben enthält. Mike und Emily pushen sich hier gegenseitig zur Höchstleistung und als letzte Single vor dem Release haben Linkin Park allen Hatern, die meinen, Linkin Park würden wie eine andere Band klingen, einen musikalischen Maulkorb verpasst. Bei "Stained" scheint man nicht ganz einig gewesen zu sein, ob man nun eine reine Ballade oder einen weiteren Banger abliefern wollte. Herausgekommen ist eine Mischung aus beidem und die ist sehr gut gelungen. Erneut fesselt Emilys Stimme im Chorus und der Flow von Mike in seinen Parts ist einfach genial. Ungebremst und mit ordentlich Druck im Sound geht es mit "IGYEIH" (I Gave You Everything I Had) weiter, der thematisch da weiter macht, wo "The Emptiness Machine" aufgehört hat. Wer sich gerade von einem narzisstischen Menschen getrennt hat, wird diesen Song fühlen und noch eine Stufe lauter stellen. Der Downpart baut sich langsam auf und würde man das bekannte "Shut up when I'm talking to you" von Chester neben Emilys "From now on I don't need you" stellen, würde es sich perfekt verbinden. "Good Things Go" ist nicht nur nur eine epische Ballade, sondern auch ein passender Titel zum Abschluss des Albums. Linkin Park haben zum Ende noch einmal alle Stärken des Albums vereint und produktionstechnisch auch nochmal alles in den Song gepackt, damit man das Album direkt wieder hören möchte. Da ist es wohl kein Zufall, dass am Ende eine perfekte Brücke zum Intro zu hören ist und man im Repeatmodus quasi gar nicht bemerkt, dass man wieder bei Null, also "From Zero" angefangen hat und im nächsten Loop ist.

Da das Album gewohnt auf höchstem Niveau produziert worden ist, braucht man sich über den Sound gar keine Gedanken machen. Anlage aufdrehen und den Rest erledigen Linkin Park von allein. Beim Cover des Albums bin ich mir selbst nicht sicher, was ich davon halten soll. Da es wie eine Anspielung auf die Symbionten Venom und Carnage aus Spider-Man wirkt, könnte es durchaus als der Übergang zwischen der Vergangenheit und Zukunft interpretiert werden. Die schwarze Trauerphase der Band wird vom neuen Farbklang von Emilys Stimme mit neuem Leben gefüllt und die Symbiose aus diesen beiden Faktoren ergibt den Sound von "From Zero".


Mein Fazit: Linkin Park melden sich mit einem absoluten Banger als Album zurück, das schon vor dem Release ein kommerzieller Erfolg ist. Die Views der einzelnen Singles bei YouTube allein beweisen schon, wie Fans die neuen Songs feiern. Die Tracklist offenbart ein Highlight nach dem anderen, wobei man sich das Intro hätte sparen können. Es bringt keinen Mehrwert  und ein weiterer Song hätte auch der sehr kurzen Laufzeit von knapp 32 Minuten sehr gut getan, was einen der wenigen Kritikpunkte darstellt. Das Best of Album "Papercuts" war als Abschluss der Chester Bennington Era eine sehr gute Wahl. Natürlich schmerzt der endgültige Abschied von Chester immer noch und das darf er auch. Immerhin hat seine Stimme Millionen Menschen Kraft und Hoffnung gegeben.Die Wahl, eine weiblichen Stimme die Chance zu geben, seine Nachfolge anzutreten, ist meiner Meinung nach aber die richtige gewesen. "From Zero" ist der Beginn der nächsten Linkin Park Era und die Band dürfte noch sehr lange auf der Erfolgswelle von "From Zero" reiten. Wer nicht zu den Emily-Kritikern gehört, sollte sich das Album einfach im Ganzen gönnen. Die Videos als Einstieg sind genau der richtige Weg, um die letzten Stunden bis zum Release noch zu verkürzen. Danach bin ich mir sicher, dass die Server der Streamingdienste glühen werden.

Ist die Rückkehr gelungen? Definitiv. Geben Linkin Park etwas auf die Kommentare, die sich gegen Emily stellen und das Album ablehnen? Absolut nicht und gerade das Video zu "Two Faced" zeigt, dass sie es einfach nur genießen, wieder Musik zu machen. Genau dies sollten die Hörer:innen des Albums auch machen. Bleibt nur noch abzuwarten, welchen Platz das Album in den Albumcharts einnehmen wird. Nachdem "The Emptiness Machine" schon die erste Nummer Eins Single in Deutschland für Linkin Park geworden ist, stehen die Zeichen dort ebenfalls auf Kurs gen Chartsspitze.


]]> https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=837 Mon, 11 Nov 2024 13:57:36 +0100 https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=837



Release: 19. Januar 2024
Label: Eigenvertrieb


Tracklist:
01. Lichtermeer
02. Grüner Drache
03. Am Arsch
04. Saint Denis
05. Sonne und Mond
06. Das Bienenhaus
07. Diosa De La Luz
08. Es ist Obst im Haus
09. Rammlerbräu
10. Das Lied der Sirene


Auch für ihr drittes Album "Lichtermeer" hat das Fantasy-Folk-Trio Kupfergold ein Crowdfunding genutzt, um die Produktionskosten zu finanzieren. Während die Crowdfunder das neue Album "Lichtermeer" bereits vor dem Jahreswechsel in den Händen halten konnten, erschien es offiziell am 19. Januar 2024. Zum zweiten Mal gibt es Lieder aus der bandeigenen Feder und wer den Vorgänger "Heiliger Bimbatz" mag, wird vom Nachfolger "Lichtermeer" nicht enttäuscht sein. Kupfergold haben im Studio alles gegeben, damit das "Lichtermeer" hell funkelt und zum Hörgenuss wird.


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Kupfergold sind:
Bonnie Banks: Gesang
Bumm Bumm Basti: Perkussion & diverse andere Instrumente
Eric Rhymes: Laute



Nach "Koboldkeile" und "Heiliger Bimbatz" haben Kupfergold mit "Lichtermeer" ihr drittes Album veröffentlicht. Das Ergebnis ist eine bunte Mischung aus flotten Trinkliedern, wunderschönen Balladen und dem bandtypischen Humor, den die Fans sehr mögen. Insgesamt haben es zehn neue Lieder auf das Album geschafft. Das Titellied "Lichtermeer" eröffnet das Album mit einem flotten Rhythmus, einer schönen Melodie und dem Blick in die Zukunft. Die besungene Reise ist gleichzeitig auch der Start in die musikalische Welt von Kupfergold. In "Grüner Drache" geht es ins gleichnamige Wirtshaus im Auenland, Hobbingen um genau zu sein. Der Lebensstil der Hobbits wird besungen und wie diese am Abend im "Grünen Drachen" feiern und trinken gehen. Mitfeiern, mitsingen und ein kühles Bier genießen klappt bei diesem Lied von ganz allein. "Am Arsch" hätte auch prima als Opener funktionert, da Kupfergold sich in diesem Lied ausführlich vorstellen. Wer dabei stört oder den drei Spielleuten auf den Sack geht, darf seine Zunge an besagter Stelle ansetzen. Doch auch als Alltagshymne kann dieses Lied wunderbar benutzt werden, da man immer unschuldig sagen kann, man singt doch nur mit. Mit "Saint Denis" wird zum ersten Mal deutlich Tempo aus den Liedern herausgenommen. Die Ballade über die französische Stadt Saint Denis, die direkt nördlich von Paris liegt, erweckt durch die Melodie eine Sehnsucht, diese Stadt einmal selbst zu sehen. Allerdings wird auch deutlich, dass die Stadt ein sozialer Brennpunkt ist. Es folgt die nächste Ballade in Form von "Sonne und Mond", einem sehr romantischen Liebeslied. Das Schöne an diesem Lied ist die Tatsache, dass jede Art von Paar dieses Lied ohne Vorbehalt für sich genießen kann. Ob die Personen, die mit Sonne oder Mond beschrieben werden, männlich oder weiblich sind, wird nämlich offen gelassen.

"Das Bienenhaus" sorgt nicht nur für gute Laune, sondern auch für interessantes Kopfkino. Warum Maria schuld hat wird zwar nie erklärt, aber wenn man mit Klatschen, Tanzen und Mitsingen beschäftigt ist, sind solche Fragen auch völlig überflüssig. Spanische Klänge ertönen bei "Diosa De La Luz", einer Geschichte über Liebe, Untreue und leere Versprechungen. Die Mischung aus deutschen und spanischen Textpassagen ergänzen sich sehr gut und erzeugen eine ganz eigene Atmosphäre, in der die Gefühle noch deutlicher rüberkommen. Wer die Zitate aus "Obst im Haus" kennt, hat entweder früher "Frauentausch" geschaut - Schande über mich! - oder schon mal "HALT STOP!" als Meme gesehen. Egal woher man sie kennt, dass man sie hier mitgröhlen soll, versteht sich von alleine. Verpackt ist das Ganze in eine extrem tanzbare Melodie, bei der man nicht still sitzen bleiben kann. Nach so viel Bewegung und Gesang braucht man was Kühles für die Kehle. Daher kommt es sehr gelegen, dass Kupfergold die Hymne ans "Rammlerbräu" als nächstes Lied anstimmen. Das Hausgetränk des "Goldenen Rammlers" überzeugt laut Text nicht nur durch seinen Geschmack, sondern auch durch seine Wirkung. Es fehlen eigentlich nur ein paar Stellen zum Trinken im Lied, da man auch hier eher mit Singen und Tanzen beschäftigt ist. Dem "Lied der Sirene" sollte man auf hoher See lieber nicht lauschen, wenn einem das eigene Leben lieb ist. Da Kupfergold hier aber die Geschichte einer Sirene und ihres Liedes besingen, kann man sich gefahrlos fallen lassen und die Melodie und den wunderschönen Text genießen.  Ein sehr schöner Abschluss des Albums, der nicht nur ein Gefühl von Meer vermittelt, sondern auch den Wunsch nach mehr entflammen lässt. Ein Hoch auf die Repeat-Funktion, mit der man das Album einfach wieder von vorn hören kann.

"Lichtermeer" besticht nicht nur durch die Melodien und Texte, sondern auch durch den hervorragenden Klang der Aufnahmen, die im Barrel Studio in Merzenich-Golzheim entstanden sind. Für den Mix verantwortlich waren Marlene Hümpel und Tobi Schneider, der auch das Mastering in Docmaklang Studio Osnabrück übernommen hat. Artwork und Design des Albums stammen von Meri Hölscher (Mahou Shoujo - Instagram). Besonders das Cover ist mit seinem Motiv schon ein Grund, das Album nicht nur digital zu besitzen. Im Booklet befinden sich außerdem noch sämtliche Texte zu den Liedern und eine Auflistung von Unterstützer:innen, die das Album mitfinanziert haben.

Mein Fazit: Dass Kupfergold sich nicht hinter großen Bands verstecken müssen, haben sie 2024 deutlich gezeigt. Das Publikum ist gewachsen und der Bekanntheitsgrad ist mittlerweile auch auf einem anderen Level als noch im Jahr zuvor. Gerade die gemeinsame Zeit mit Mr. Hurley & die Pulveraffen hat für mehr Aufmerksamkeit gesorgt, die das Trio definitiv verdient hat. Veränderungen sind auch auf "Lichtermeer" zu hören. Kupfergold sind selbstbewusster geworden und die vielen kleinen Details in den Liedern zeigen auch, dass sie ihr ohnehin schon hohes Niveau auf ihren Alben nicht nur gehalten, sondern auch erhöht haben. Die Texte sind genau so humorvoll, verträumt und laden zum Trinken ein, wie man es als Fan erwartet hat. Der große Vorteil für Kupfergold besteht eindeutig darin, dass sie sich nicht auf ein bestimmtes Thema festgelegt habe. Egal ob es ins Auenland geht, aufs weite Meer hinaus oder ob "Frauentausch" zitiert wird, es wirkt niemals deplatziert. Das Album ist zum Zeitpunkt der Rezension schon eine ganze Weile auf dem Markt, dennoch wirkt es immer noch frisch und die Stärke der Ohrwürmer hat in keiner Weise nachgelassen. Während man andere Alben nach kurzer Zeit schon vergessen hat, kommt man von "Lichtermeer" nicht los. "Am Arsch" passt zu oft in alltägliche Situationen und "Obst im Haus" besteht aus mehreren bekannten Memes, die man selbst immer wieder mal zitiert. Das berühmte "Halt! Stop!" erkennen die meisten Menschen sofort. Diese Alltagsverbindungen, zusammen mit den sehr eingängigen Melodien, werden Kupfergold und "Lichtermeer" weiterhin lange in Playlisten halten. Wer das Album oder Kupfergold an sich noch nicht kennt, dem sollten "Grüner Drache", "Am Arsch", "Obst im Haus" und "Das Lied der Sirene" als Einstieg genügen, um sich selbst zu überzeugen. Fans können das Album ohne vorher hineinzuhören bedenkenlos kaufen. Streamen ist natürlich auch erlaubt und erwünscht, jedoch ist der beste Support eine CD, die man bei der Band direkt gekauft hat. 

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Release: 19. Januar 2024
Label: Eigenvertrieb


Tracklist:
01. Lichtermeer
02. Grüner Drache
03. Am Arsch
04. Saint Denis
05. Sonne und Mond
06. Das Bienenhaus
07. Diosa De La Luz
08. Es ist Obst im Haus
09. Rammlerbräu
10. Das Lied der Sirene


Auch für ihr drittes Album "Lichtermeer" hat das Fantasy-Folk-Trio Kupfergold ein Crowdfunding genutzt, um die Produktionskosten zu finanzieren. Während die Crowdfunder das neue Album "Lichtermeer" bereits vor dem Jahreswechsel in den Händen halten konnten, erschien es offiziell am 19. Januar 2024. Zum zweiten Mal gibt es Lieder aus der bandeigenen Feder und wer den Vorgänger "Heiliger Bimbatz" mag, wird vom Nachfolger "Lichtermeer" nicht enttäuscht sein. Kupfergold haben im Studio alles gegeben, damit das "Lichtermeer" hell funkelt und zum Hörgenuss wird.


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Kupfergold sind:
Bonnie Banks: Gesang
Bumm Bumm Basti: Perkussion & diverse andere Instrumente
Eric Rhymes: Laute



Nach "Koboldkeile" und "Heiliger Bimbatz" haben Kupfergold mit "Lichtermeer" ihr drittes Album veröffentlicht. Das Ergebnis ist eine bunte Mischung aus flotten Trinkliedern, wunderschönen Balladen und dem bandtypischen Humor, den die Fans sehr mögen. Insgesamt haben es zehn neue Lieder auf das Album geschafft. Das Titellied "Lichtermeer" eröffnet das Album mit einem flotten Rhythmus, einer schönen Melodie und dem Blick in die Zukunft. Die besungene Reise ist gleichzeitig auch der Start in die musikalische Welt von Kupfergold. In "Grüner Drache" geht es ins gleichnamige Wirtshaus im Auenland, Hobbingen um genau zu sein. Der Lebensstil der Hobbits wird besungen und wie diese am Abend im "Grünen Drachen" feiern und trinken gehen. Mitfeiern, mitsingen und ein kühles Bier genießen klappt bei diesem Lied von ganz allein. "Am Arsch" hätte auch prima als Opener funktionert, da Kupfergold sich in diesem Lied ausführlich vorstellen. Wer dabei stört oder den drei Spielleuten auf den Sack geht, darf seine Zunge an besagter Stelle ansetzen. Doch auch als Alltagshymne kann dieses Lied wunderbar benutzt werden, da man immer unschuldig sagen kann, man singt doch nur mit. Mit "Saint Denis" wird zum ersten Mal deutlich Tempo aus den Liedern herausgenommen. Die Ballade über die französische Stadt Saint Denis, die direkt nördlich von Paris liegt, erweckt durch die Melodie eine Sehnsucht, diese Stadt einmal selbst zu sehen. Allerdings wird auch deutlich, dass die Stadt ein sozialer Brennpunkt ist. Es folgt die nächste Ballade in Form von "Sonne und Mond", einem sehr romantischen Liebeslied. Das Schöne an diesem Lied ist die Tatsache, dass jede Art von Paar dieses Lied ohne Vorbehalt für sich genießen kann. Ob die Personen, die mit Sonne oder Mond beschrieben werden, männlich oder weiblich sind, wird nämlich offen gelassen.

"Das Bienenhaus" sorgt nicht nur für gute Laune, sondern auch für interessantes Kopfkino. Warum Maria schuld hat wird zwar nie erklärt, aber wenn man mit Klatschen, Tanzen und Mitsingen beschäftigt ist, sind solche Fragen auch völlig überflüssig. Spanische Klänge ertönen bei "Diosa De La Luz", einer Geschichte über Liebe, Untreue und leere Versprechungen. Die Mischung aus deutschen und spanischen Textpassagen ergänzen sich sehr gut und erzeugen eine ganz eigene Atmosphäre, in der die Gefühle noch deutlicher rüberkommen. Wer die Zitate aus "Obst im Haus" kennt, hat entweder früher "Frauentausch" geschaut - Schande über mich! - oder schon mal "HALT STOP!" als Meme gesehen. Egal woher man sie kennt, dass man sie hier mitgröhlen soll, versteht sich von alleine. Verpackt ist das Ganze in eine extrem tanzbare Melodie, bei der man nicht still sitzen bleiben kann. Nach so viel Bewegung und Gesang braucht man was Kühles für die Kehle. Daher kommt es sehr gelegen, dass Kupfergold die Hymne ans "Rammlerbräu" als nächstes Lied anstimmen. Das Hausgetränk des "Goldenen Rammlers" überzeugt laut Text nicht nur durch seinen Geschmack, sondern auch durch seine Wirkung. Es fehlen eigentlich nur ein paar Stellen zum Trinken im Lied, da man auch hier eher mit Singen und Tanzen beschäftigt ist. Dem "Lied der Sirene" sollte man auf hoher See lieber nicht lauschen, wenn einem das eigene Leben lieb ist. Da Kupfergold hier aber die Geschichte einer Sirene und ihres Liedes besingen, kann man sich gefahrlos fallen lassen und die Melodie und den wunderschönen Text genießen.  Ein sehr schöner Abschluss des Albums, der nicht nur ein Gefühl von Meer vermittelt, sondern auch den Wunsch nach mehr entflammen lässt. Ein Hoch auf die Repeat-Funktion, mit der man das Album einfach wieder von vorn hören kann.

"Lichtermeer" besticht nicht nur durch die Melodien und Texte, sondern auch durch den hervorragenden Klang der Aufnahmen, die im Barrel Studio in Merzenich-Golzheim entstanden sind. Für den Mix verantwortlich waren Marlene Hümpel und Tobi Schneider, der auch das Mastering in Docmaklang Studio Osnabrück übernommen hat. Artwork und Design des Albums stammen von Meri Hölscher (Mahou Shoujo - Instagram). Besonders das Cover ist mit seinem Motiv schon ein Grund, das Album nicht nur digital zu besitzen. Im Booklet befinden sich außerdem noch sämtliche Texte zu den Liedern und eine Auflistung von Unterstützer:innen, die das Album mitfinanziert haben.

Mein Fazit: Dass Kupfergold sich nicht hinter großen Bands verstecken müssen, haben sie 2024 deutlich gezeigt. Das Publikum ist gewachsen und der Bekanntheitsgrad ist mittlerweile auch auf einem anderen Level als noch im Jahr zuvor. Gerade die gemeinsame Zeit mit Mr. Hurley & die Pulveraffen hat für mehr Aufmerksamkeit gesorgt, die das Trio definitiv verdient hat. Veränderungen sind auch auf "Lichtermeer" zu hören. Kupfergold sind selbstbewusster geworden und die vielen kleinen Details in den Liedern zeigen auch, dass sie ihr ohnehin schon hohes Niveau auf ihren Alben nicht nur gehalten, sondern auch erhöht haben. Die Texte sind genau so humorvoll, verträumt und laden zum Trinken ein, wie man es als Fan erwartet hat. Der große Vorteil für Kupfergold besteht eindeutig darin, dass sie sich nicht auf ein bestimmtes Thema festgelegt habe. Egal ob es ins Auenland geht, aufs weite Meer hinaus oder ob "Frauentausch" zitiert wird, es wirkt niemals deplatziert. Das Album ist zum Zeitpunkt der Rezension schon eine ganze Weile auf dem Markt, dennoch wirkt es immer noch frisch und die Stärke der Ohrwürmer hat in keiner Weise nachgelassen. Während man andere Alben nach kurzer Zeit schon vergessen hat, kommt man von "Lichtermeer" nicht los. "Am Arsch" passt zu oft in alltägliche Situationen und "Obst im Haus" besteht aus mehreren bekannten Memes, die man selbst immer wieder mal zitiert. Das berühmte "Halt! Stop!" erkennen die meisten Menschen sofort. Diese Alltagsverbindungen, zusammen mit den sehr eingängigen Melodien, werden Kupfergold und "Lichtermeer" weiterhin lange in Playlisten halten. Wer das Album oder Kupfergold an sich noch nicht kennt, dem sollten "Grüner Drache", "Am Arsch", "Obst im Haus" und "Das Lied der Sirene" als Einstieg genügen, um sich selbst zu überzeugen. Fans können das Album ohne vorher hineinzuhören bedenkenlos kaufen. Streamen ist natürlich auch erlaubt und erwünscht, jedoch ist der beste Support eine CD, die man bei der Band direkt gekauft hat. 

]]> https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=835 Thu, 07 Nov 2024 14:17:26 +0100 https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=835


Release: 08. November 2024
Label: Hicktown Records


Tracklist:
01. Ewiger Traum
02. Pestpockenpolka
03. Bis Zum Hals
04. Eintausend Seelen
05. Schattentänzer
06. Ohne Halt
07. Übermorgenland
08. Folge Dem Passat
09. Hinter Dem Meer
10. Verdammte Ewigkeit


Mit ihrem sechsten Album »Schattenuhr« entführt das Oktett Vroudenspil das Publikum in eine Welt voller Gegensätze. Traum und Albtraum vermengen sich zu einer gemeinsamen musikalischen Fantasiereise. Getreu ihrer Hausmarke Freibeuter-Folk – einer wilden Mischung aus Ska, Balkan, Folk- und Mittelalter-Rock – versprüht auch das neue Album mit jedem Song einen wilden Tanz zwischen scheinbaren Widersprüchen. Leben und Tod drehen sich in einem einzigartigen ekstatischen Rausch. Trotz teilweise finsterer und morbider Themen zieht die erlebbare und ansteckende Lebensfreude alle in ihren Bann. Ein der „Meute toter Narren" wohlbekannter Drahtseilakt. »Schattenuhr« zeigt einmal mehr, wie auf Basis einer unfassbaren harmonischen und inhaltlichen Bandbreite  ein musikalisches Kleinod voller tanzbarer Rhythmen zu einem unverwechselbaren Kunstwerk vermengt werden kann. Die musikalischen
Ausflüge reichen von orientalischen Folkelementen über Boogie und Polka bis zu einer Prise Powermetal, gehüllt in das Freibeuter-Folk-Gewand. (Quelle: Vroudenspil)


Homepage
Facebook
Shop
Spotify
Youtube
Instagram


Vroudenspil sind:
Seewolf: Akkordeon & Gesang
Ratz: Gesang
Don Santo: Gesang
Phyra: Querflöte & Blockflöte
Absolem: Gitarre & Gesang
Pico: Schlagzeug
Petz: Saxophon, Rauschpfeife, Sackpfeife & Gesang
Dax: Rauschpfeife & Sackpfeife


Fünf Jahre sind seit der Veröffentlichung des letzten Albums „Panoptikum“ vergangen. Nun laden Vroudenspil ihre Fans zum sechsten Mal zu einer Reise in ihre eigene Welt ein. Wieder mit an Bord ist Ratz als Sänger, der auf dem letzten Album nicht zu hören war und Der Kraken wurde durch Pico am Schlagzeug abgelöst. An ihrem Stil hat sich dadurch nicht viel verändert, wodurch langjährige Hörer vom Sound sofort abgeholt werden.

„Ewiger Traum“ startet relativ ruhig, nimmt aber ordentlich Fahrt auf, sobald der Gesang einsetzt. Ein Dschinn fordert auf, ihm Wünsche zu offenbaren und mit ihm Abenteuer zu erleben. Ob er es gut meint, bleibt dabei offen, denn wie er Wünsche erfüllt, ist allein seine Entscheidung. Die Melodie hat orientalische Einflüsse, was sehr gut zu einem Dschinn und seiner Herkunft passt. Mit der „Pestpockenpolka“ geht es weiter, die schon vorab als Single veröffentlicht worden ist. Vroudenspil liefern eine flotte Nummer zum Tanzen ab, die im Text einige sozialkritische Töne hören lässt. Es geht nicht wirklich um die körperlichen Zeichen einer Pesterkrankung; vielmehr sind damit Menschen gemeint, die sich an einen klammern und ausbeuten wollen und die man nur sehr schwer wieder los wird – wenn überhaupt. Trommelstöcke und Bass eröffnen „Bis Zum Hals“, bevor die flotte Melodie einsetzt. Trotz des Ablaufens der Lebenszeit wird gefeiert und getanzt - selbst wenn das Wasser bis zum Hals steht, eigentlich Panik angesagt ist und auch Gott nicht mehr helfen kann. Das instrumentale Zwischenstück fällt hier durch das Hervorheben einzelner Instrumente sehr positiv auf und man steigt von allein in den besungenen Tanz ein.

Auch „Eintausend Seelen“ war eine Singleauskopplung des Albums. Erzählt wird eine Geschichte, die laut Erzähler nicht in „1001 Nacht“ zu finden ist. Es geht um einen Narren, der von Eintausend Seelen (und vielleicht einer mehr) gequält wird und mit dem Narrenschiff im Sturm durch die Wüste treibt. Erneut ertönen orientalische Klänge, die der Aufforderung, die Augen zu schließen und dem Narrenschiff auf seiner Reise zu folgen, noch mehr Atmosphäre verleihen. Die Aufforderung, aus seinem eigenen Schatten herauszutreten bekommt der „Schattentänzer“ im gleichnamigen Lied. Während das Leben im Schatten nur Zwänge, Angst und Selbsthass hervorbringt, verspricht das Leben im Licht Freiheit. Ob er diesen Weg geht oder im Schatten bleibt, wird jedoch nicht aufgelöst. Die düstere Melodie erzeugt ein beklemmendes Gefühl, ist aber erneut sehr tanzbar. Ein wenig Tempo gibt es zum ersten Mal mit „Ohne Halt“. Der Chorus geht unheimlich ins Ohr und lädt zum Mitsingen ein, was durch die eingängige Melodie noch verstärkt wird. Da die Zeit niemals stehen bleibt, fordert der Text auf, im Hier und Jetzt zu leben; den Moment zu genießen und zu schätzen, denn „Ohne Halt“ macht die Zeit alles zur Vergangenheit. Das „Übermorgenland“ erreicht der Protagonist durch das Genießen einiger Rauschmittel. Wasserpfeifen und Absinth – beschrieben als die Macht grüner Feen – werden als Beispiel genannt. Auch hier gibt es wieder ein sehr schönes instrumentales Zwischenstück. Ähnlich wie bei „Eintausend Seelen“, gibt es hier wieder Zahlen, bei denen es heißt „oder eine/r mehr“, was die Texte etwas repetitiv wirken lässt.



Bei „Folge dem Passat“ könnte man sich zuerst die Frage stellen, wie die Verfolgung eines Volkswagen-Modell ins Album passt. Gemeint ist aber das gleichnamige Windsystem, wie es weltweit in den Tropen und Subtropen vorkommt. Hier kommt richtiges Freibeutergefühl auf, denn es geht um die Gefühle, die man im Laufe der Jahre auf einem Schiff erlebt. „Folge dem Passat“ bedeutet aber auch seinem eigenen Weg treu zu bleiben und nicht zurück zu blicken. In die Jahre gekommene Freibeuter sind auch das Thema in „Hinter Dem Meer“. Man wird sich des eigenen Alters bewusst, zieht die Lehre aus allen Erfahrungen und macht doch ohne Reue weiter. Der Text hätte sich auch wunderbar für eine Ballade geeignet und hätte dem Album in dieser Form sehr gut getan. In diesem Punkt fehlt es dem Album nämlich an Abwechslung, da das Tempo nie so richtig heraus genommen wird. Dass Vroudenspil in der Lage sind, gefühlvolle Balladen zu schreiben, haben sie in der Vergangenheit schon bewiesen. Auch bei „Verdammte Ewigkeit“ hat man sich nicht so richtig getraut, das Tempo zu drosseln. Dafür wird man an frühere Zeiten der Band erinnert, denn „Verdammte Ewigkeit“ hätte auch gut auf „Tote Narren“ gepasst. Zum Mitsingen eignet sich das Lied perfekt und als Abschluss des Albums ist es auch sehr gut gewählt.

Den satten Sound des Albums verdanken Vroudenspil keinem geringerem als Simon Michael (Subway to Sally) , der die Lieder im Great Hall Studio sowohl aufgenommen, nachbearbeitet als auch gemischt hat. Das Mastering wurde dann von Christoph Beyerlein im Separate Sound Studio in München übernommen. Artwork und Design des Albums stammen von Simon Engel und Alessa Flemming. Die Sanduhr auf dem Cover sieht nur nur gut aus, sie deutet auch schon die Themen des Albums an. Während es in der oberen Hälfte um Seefahrt und das Freibeuterleben geht, sind in der unteren Hälfte nur noch die Wracks einst stolzer Schiffe zu sehen, die im Sand der Zeit gestrandet sind. Im Booklet finden sich nicht nur sehr schöne Bilder der einzelnen Bandmitglieder, sondern auch alle Texte und die Angabe, wer die Texte geschrieben hat und wer die Lieder komponiert hat. Im Hintergrund ist dabei immer ein Strudel zu sehen, der den Betrachter in die Tiefe ziehen will und auch auf dem Cover präsent ist. Dabei geht es wohl nicht nur im die Gefahr im Meer zu versinken, sondern auch im Strudel der Zeit verloren zu gehen.

Mein Fazit: „Schattenuhr“ ist ein Album mit sehr viel Potential, das leider nicht komplett ausgespielt wird. Die Melodien bleiben im Ohr und die Texte sind wirklich sehr gut geschrieben. Leider klingen die Strophen in verschiedenen Liedern vom Rhythmus und Tempo her sehr ähnlich. Wenn man beim Anhören dann nicht auf die Texte achtet, verliert man schnell die Übersicht, welches Lied man eigentlich gerade hört. Im Chorus und den instrumentalen Zwischenstücken zeigen Vroudenspil dafür sehr viel Kreativität und schaffen es, die Hörer:innen nicht zu verlieren. „Verdammte Ewigkeit“ durchbricht die sich wiederholenden Elemente und bleibt dadurch länger im Ohr hängen. Wer ein Album sucht, bei dem man feiern und tanzen kann, wird mit „Schattenuhr“ sehr viel Spaß haben, denn dafür eignet es sich hervorragend und die knapp 35 Minuten Laufzeit vergehen wie im Fluge. Für die düsteren Stunden der kalten Jahreszeit erzeugt es außerdem eine sehr passende Atmosphäre. Insgesamt liegt also ein wirklich solides Folk / Folkrock Album vor, durch das nicht nur Piratenfans angesprochen werden. Meine Anspieltipps sind „Pestpockenpolka“, „Übermorgenland“, „Folge dem Passat“ und „Verdammte Ewigkeit“.

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Release: 08. November 2024
Label: Hicktown Records


Tracklist:
01. Ewiger Traum
02. Pestpockenpolka
03. Bis Zum Hals
04. Eintausend Seelen
05. Schattentänzer
06. Ohne Halt
07. Übermorgenland
08. Folge Dem Passat
09. Hinter Dem Meer
10. Verdammte Ewigkeit


Mit ihrem sechsten Album »Schattenuhr« entführt das Oktett Vroudenspil das Publikum in eine Welt voller Gegensätze. Traum und Albtraum vermengen sich zu einer gemeinsamen musikalischen Fantasiereise. Getreu ihrer Hausmarke Freibeuter-Folk – einer wilden Mischung aus Ska, Balkan, Folk- und Mittelalter-Rock – versprüht auch das neue Album mit jedem Song einen wilden Tanz zwischen scheinbaren Widersprüchen. Leben und Tod drehen sich in einem einzigartigen ekstatischen Rausch. Trotz teilweise finsterer und morbider Themen zieht die erlebbare und ansteckende Lebensfreude alle in ihren Bann. Ein der „Meute toter Narren" wohlbekannter Drahtseilakt. »Schattenuhr« zeigt einmal mehr, wie auf Basis einer unfassbaren harmonischen und inhaltlichen Bandbreite  ein musikalisches Kleinod voller tanzbarer Rhythmen zu einem unverwechselbaren Kunstwerk vermengt werden kann. Die musikalischen
Ausflüge reichen von orientalischen Folkelementen über Boogie und Polka bis zu einer Prise Powermetal, gehüllt in das Freibeuter-Folk-Gewand. (Quelle: Vroudenspil)


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Vroudenspil sind:
Seewolf: Akkordeon & Gesang
Ratz: Gesang
Don Santo: Gesang
Phyra: Querflöte & Blockflöte
Absolem: Gitarre & Gesang
Pico: Schlagzeug
Petz: Saxophon, Rauschpfeife, Sackpfeife & Gesang
Dax: Rauschpfeife & Sackpfeife


Fünf Jahre sind seit der Veröffentlichung des letzten Albums „Panoptikum“ vergangen. Nun laden Vroudenspil ihre Fans zum sechsten Mal zu einer Reise in ihre eigene Welt ein. Wieder mit an Bord ist Ratz als Sänger, der auf dem letzten Album nicht zu hören war und Der Kraken wurde durch Pico am Schlagzeug abgelöst. An ihrem Stil hat sich dadurch nicht viel verändert, wodurch langjährige Hörer vom Sound sofort abgeholt werden.

„Ewiger Traum“ startet relativ ruhig, nimmt aber ordentlich Fahrt auf, sobald der Gesang einsetzt. Ein Dschinn fordert auf, ihm Wünsche zu offenbaren und mit ihm Abenteuer zu erleben. Ob er es gut meint, bleibt dabei offen, denn wie er Wünsche erfüllt, ist allein seine Entscheidung. Die Melodie hat orientalische Einflüsse, was sehr gut zu einem Dschinn und seiner Herkunft passt. Mit der „Pestpockenpolka“ geht es weiter, die schon vorab als Single veröffentlicht worden ist. Vroudenspil liefern eine flotte Nummer zum Tanzen ab, die im Text einige sozialkritische Töne hören lässt. Es geht nicht wirklich um die körperlichen Zeichen einer Pesterkrankung; vielmehr sind damit Menschen gemeint, die sich an einen klammern und ausbeuten wollen und die man nur sehr schwer wieder los wird – wenn überhaupt. Trommelstöcke und Bass eröffnen „Bis Zum Hals“, bevor die flotte Melodie einsetzt. Trotz des Ablaufens der Lebenszeit wird gefeiert und getanzt - selbst wenn das Wasser bis zum Hals steht, eigentlich Panik angesagt ist und auch Gott nicht mehr helfen kann. Das instrumentale Zwischenstück fällt hier durch das Hervorheben einzelner Instrumente sehr positiv auf und man steigt von allein in den besungenen Tanz ein.

Auch „Eintausend Seelen“ war eine Singleauskopplung des Albums. Erzählt wird eine Geschichte, die laut Erzähler nicht in „1001 Nacht“ zu finden ist. Es geht um einen Narren, der von Eintausend Seelen (und vielleicht einer mehr) gequält wird und mit dem Narrenschiff im Sturm durch die Wüste treibt. Erneut ertönen orientalische Klänge, die der Aufforderung, die Augen zu schließen und dem Narrenschiff auf seiner Reise zu folgen, noch mehr Atmosphäre verleihen. Die Aufforderung, aus seinem eigenen Schatten herauszutreten bekommt der „Schattentänzer“ im gleichnamigen Lied. Während das Leben im Schatten nur Zwänge, Angst und Selbsthass hervorbringt, verspricht das Leben im Licht Freiheit. Ob er diesen Weg geht oder im Schatten bleibt, wird jedoch nicht aufgelöst. Die düstere Melodie erzeugt ein beklemmendes Gefühl, ist aber erneut sehr tanzbar. Ein wenig Tempo gibt es zum ersten Mal mit „Ohne Halt“. Der Chorus geht unheimlich ins Ohr und lädt zum Mitsingen ein, was durch die eingängige Melodie noch verstärkt wird. Da die Zeit niemals stehen bleibt, fordert der Text auf, im Hier und Jetzt zu leben; den Moment zu genießen und zu schätzen, denn „Ohne Halt“ macht die Zeit alles zur Vergangenheit. Das „Übermorgenland“ erreicht der Protagonist durch das Genießen einiger Rauschmittel. Wasserpfeifen und Absinth – beschrieben als die Macht grüner Feen – werden als Beispiel genannt. Auch hier gibt es wieder ein sehr schönes instrumentales Zwischenstück. Ähnlich wie bei „Eintausend Seelen“, gibt es hier wieder Zahlen, bei denen es heißt „oder eine/r mehr“, was die Texte etwas repetitiv wirken lässt.



Bei „Folge dem Passat“ könnte man sich zuerst die Frage stellen, wie die Verfolgung eines Volkswagen-Modell ins Album passt. Gemeint ist aber das gleichnamige Windsystem, wie es weltweit in den Tropen und Subtropen vorkommt. Hier kommt richtiges Freibeutergefühl auf, denn es geht um die Gefühle, die man im Laufe der Jahre auf einem Schiff erlebt. „Folge dem Passat“ bedeutet aber auch seinem eigenen Weg treu zu bleiben und nicht zurück zu blicken. In die Jahre gekommene Freibeuter sind auch das Thema in „Hinter Dem Meer“. Man wird sich des eigenen Alters bewusst, zieht die Lehre aus allen Erfahrungen und macht doch ohne Reue weiter. Der Text hätte sich auch wunderbar für eine Ballade geeignet und hätte dem Album in dieser Form sehr gut getan. In diesem Punkt fehlt es dem Album nämlich an Abwechslung, da das Tempo nie so richtig heraus genommen wird. Dass Vroudenspil in der Lage sind, gefühlvolle Balladen zu schreiben, haben sie in der Vergangenheit schon bewiesen. Auch bei „Verdammte Ewigkeit“ hat man sich nicht so richtig getraut, das Tempo zu drosseln. Dafür wird man an frühere Zeiten der Band erinnert, denn „Verdammte Ewigkeit“ hätte auch gut auf „Tote Narren“ gepasst. Zum Mitsingen eignet sich das Lied perfekt und als Abschluss des Albums ist es auch sehr gut gewählt.

Den satten Sound des Albums verdanken Vroudenspil keinem geringerem als Simon Michael (Subway to Sally) , der die Lieder im Great Hall Studio sowohl aufgenommen, nachbearbeitet als auch gemischt hat. Das Mastering wurde dann von Christoph Beyerlein im Separate Sound Studio in München übernommen. Artwork und Design des Albums stammen von Simon Engel und Alessa Flemming. Die Sanduhr auf dem Cover sieht nur nur gut aus, sie deutet auch schon die Themen des Albums an. Während es in der oberen Hälfte um Seefahrt und das Freibeuterleben geht, sind in der unteren Hälfte nur noch die Wracks einst stolzer Schiffe zu sehen, die im Sand der Zeit gestrandet sind. Im Booklet finden sich nicht nur sehr schöne Bilder der einzelnen Bandmitglieder, sondern auch alle Texte und die Angabe, wer die Texte geschrieben hat und wer die Lieder komponiert hat. Im Hintergrund ist dabei immer ein Strudel zu sehen, der den Betrachter in die Tiefe ziehen will und auch auf dem Cover präsent ist. Dabei geht es wohl nicht nur im die Gefahr im Meer zu versinken, sondern auch im Strudel der Zeit verloren zu gehen.

Mein Fazit: „Schattenuhr“ ist ein Album mit sehr viel Potential, das leider nicht komplett ausgespielt wird. Die Melodien bleiben im Ohr und die Texte sind wirklich sehr gut geschrieben. Leider klingen die Strophen in verschiedenen Liedern vom Rhythmus und Tempo her sehr ähnlich. Wenn man beim Anhören dann nicht auf die Texte achtet, verliert man schnell die Übersicht, welches Lied man eigentlich gerade hört. Im Chorus und den instrumentalen Zwischenstücken zeigen Vroudenspil dafür sehr viel Kreativität und schaffen es, die Hörer:innen nicht zu verlieren. „Verdammte Ewigkeit“ durchbricht die sich wiederholenden Elemente und bleibt dadurch länger im Ohr hängen. Wer ein Album sucht, bei dem man feiern und tanzen kann, wird mit „Schattenuhr“ sehr viel Spaß haben, denn dafür eignet es sich hervorragend und die knapp 35 Minuten Laufzeit vergehen wie im Fluge. Für die düsteren Stunden der kalten Jahreszeit erzeugt es außerdem eine sehr passende Atmosphäre. Insgesamt liegt also ein wirklich solides Folk / Folkrock Album vor, durch das nicht nur Piratenfans angesprochen werden. Meine Anspieltipps sind „Pestpockenpolka“, „Übermorgenland“, „Folge dem Passat“ und „Verdammte Ewigkeit“.

]]> https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=833 Tue, 05 Nov 2024 13:31:49 +0100 https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=833


Release: 14. November 2024 (digital) / 30. November 2024
Label: Eigenvertrieb


Tracklist:
01. Return To Sender
02. Living In Elysium - Video
03. Lost And Found
04. Whatever
05. The Secret Door
06. Breaking The Silence
07. A Look Back
08. Don't Make Me Sad
09. Herzlinie feat. René Anlauff (Heldmaschine) - Video
10. The Last Song
11. Safe Harbour - Video


Nach einer sechsjährigen Pause dürfen Fans von Aeverium endlich aufatmen, denn das langersehnte dritte Album "The Secret Door" steht kurz vor seinem Release. Die Covid-19 Pandemia war Grund für diese Pause, doch es gab auch andere Gründe im Umfeld der Band, die mitverantwortlich waren, unter anderem gab es innerhalb der Besetzung einige Wechsel. Für Fans ist Vanessa Katakalos als neue Stimme auf dem Album keine Unbekannte mehr, da sie bereits in der 2019 erschienenen Single "Safe Harbour" zu hören war. Aeverium haben mit "Break Out" (2015) und "Time" (2017) zweimal bewiesen, dass Alternative Metal aus Deutschland mit internationalen Produktionen mithalten kann und dass ihr eigener Stil sehr viel Zuspruch bekommt. Laut eigener Aussage ist "The Secret Door" das beste Album der Band, womit sie schon im Vorfeld sehr hohe Erwartungen erzeugen.


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Aeverium sind:
Marcel „ Chubby“ Römer: Gesang
Vanessa Katakalos - Gesang
Maarten Jung - Gitarre
Andreas „Anti“ Delvos - Keyboard
Bodo Stricker - Schlagzeug
Gastmusiker:
René Anlauff (Heldmaschine): Gesang (Herzlinie)


Seit dem Release "Time" sind über sechs Jahre vergangen und die Veränderungen innerhalb der Band lassen die Frage aufkommen, ob Aeverium wirklich in der Lage sind, ihre bisherigen Alben zu übertreffen. Der Opener "Return To Sender" beweist von Anfang an, dass Aeverium sich selbst treu geblieben sind, denn die ersten Sekunden klingen dem Anfang von "Break Out" sehr ähnlich. Danach geht es mit harten Gitarren und Synthesizern weiter, bevor Vanessa ihr Albumdebüt bei Aeverium feiern darf und es ist wirklich ein Fest, ihr zuzuhören. Marcels markante und vielseitige Stimme klingt auch nach der Pause genauso stark und gefühlvoll wie man es von ihr erwartet. Während die Strophen eher ruhig klingen, geben Aeverium im Chorus Gas und der Scream am Ende der Bridge klingt wirklich badass. All das macht "Return To Sender" zu einem rundum gelungenem Einstieg ins Album. Weiter geht es mit "Living in Elysium", zudem es auch ein Musikvideo gibt. Die Synthesizer geben dem Song einen leicht orientalischen Klang, was der Band wirklich gut steht und ein wenig an die Band Orphaned Land erinnert. Schon beim Anschauen des Videos konnte ich es nicht bei einem Mal belassen, da der Song wirklich hart ins Ohr geht, daher habe ich ihn auch beim Schreiben dieser Zeilen mehrfach laufen lassen. Bei "Lost And Found" gibt es zum ersten Mal auch deutschen Gesang  auf "The Secret Door" zu hören. Der Wechsel zwischen deutschen und englischen Textpassagen ist sehr gut gemacht und klingt niemals erzwungen. Marcel dann auch noch deutsch rappen zu hören ist beeindruckend und eine gelungene Überraschung. Dieser Song hat definitiv ein Musikvideo verdient, damit er auch außerhalb des Albums die Beachtung bekommt, die er eindeutig verdient.

 Mit "Whatever" wollen Aeverium ihren Fans eindeutig ordentlich einheizen. Diese tanzbare Metalnummer mit schnellen Gitarren, die sich mit eingängigen Synthesizermelodien abwechseln, will definitiv abgefeiert werden. Auch hier fällt wieder das hervorragende Zusammenspiel der Stimmen sehr positiv auf und macht "Whatever" zu einem weiteren Ohrwurm. Mit dem Titelsong "The Secret Door" gibt es die erste Ballade des Albums. Während die Strophen ruhig und sehr emotional klingen, wird es im Chorus etwas härter und schneller. Der Kontrast zum vorherigen Lied unterstützt die düstere Atmosphäre des Songs zusätzlich und so bekommt man eine Gänsehaut nach der anderen.

Nach dieser kurzen Verschnaufpause geht es direkt wieder mit Headbangen weiter und "Breaking The Silence" hinter eine Ballade zu setzen, ist an sich schon ein exzellentes Wortspiel. Besonders gut gefallen mir hier die Stellen, an denen man hören kann, wie gut die einzelnen Mitglieder der Band wirklich sind. Egal ob Gitarre, Synthesizer oder Schlagzeug, wirklich jeder kommt hier zur Geltung. "A Look Back" ist mir wirklich unter die Haut gegangen. Marcel und Vanessa bringen die Emotionen dieses Lieder hervorragend rüber und das Brett aus Piano, Akustikgitarre und Streichinstrumenten passt ebenfalls perfekt dazu. Als ein Mensch, der an Depressionen und chronischen Krankheiten leidet, kenne ich das Gefühl auf sein Leben zurückzuschauen, weil man Momente hat, in denen man nicht mehr nach vorn schauen kann. Passender hätte man so einen Moment nicht in ein Lied einfangen können. Chapeau! Emotional, aber in einer härteren Gangart geht es mit "Don't Make Me Sad" weiter. Wer schon einmal in einer toxischen Beziehung festgehangen hat, wird den Frust im Chorus sehr gut nachempfinden können. Nach und nach baut es sich innerlich auf, bis man nicht mehr still bleiben kann und es aus einem herausbricht.



Ein weiteres Highlight und ein Gastsänger folgen mit "Herzlinie", bei dem kein geringerer als René Anlauff von Heldmaschine zu hören ist. René gibt nicht nur den Strophen einen ganz besonderen Klang, sondern singt auch mit Vanessa und Marcel im Chor. "Herzlinie" an sich hing schon länger in den Köpfen von Aeverium als Idee fest, wurde aber während der Arbeiten an "The Secret Door" umgeschrieben und hat in diesem Prozess auch den deutschen Text bekommen. Die Symbiose aus Alternative Metal und Neue Deutsche Härte ist zweifellos gelungen, denn "Herzlinie" sticht aus den anderen Songs heraus und dürfte durch seine Vielseitigkeit auch viele neue Hörer anziehen. Auch für "Herzlinie" ist ein Musikvideo erschienen. Da "Safe Harbour" als Bonus Song gelistet ist, handelt es sich bei "The Last Song" wirklich um den letzten regulären Song des Album. Aeverium zeigen noch ein letztes mal, was sie als Band ausmacht. Die Melodie geht ins Ohr, der Gesang klingt hervorragend und man möchte auch diesen Song direkt noch einmal hören. Die Fragen, wann die eigene Zeit ausläuft und ob man alles erreicht hat, die eigenen Wünsche erfüllt worden sind und ob man alles sagen konnte, sind hier das Thema. Als Bonussong folgt nur noch "Safe Harbour", da der Song schon 2019 erschienen ist. Die Sehnsucht nach einem sicheren Hafen kennt jeder, der sich schon einmal verloren gefühlt hat. Was diesen Hafen darstellt, ist jedem selbst überlassen. Trotz der Tatsache, dass die Single bereits fünf Jahre alt ist, integriert sie sich perfekt ins Album. Ein sehr würdiger Abschluss für ein hervorragendes Album.

Damit man sich nicht nur musikalisch als Fan sofort heimisch fühlt, sieht man auf dem Cover erneut ein Hirschmotiv, wie es schon bei "Break Out" und "Time" der Fall war. Diese aufrecht stehende Gestalt steht vor einem Portal, der "Secret Door", die ein wenig an ein Stargate erinnert. Das Cover wurde von Katharina Klein ( https://www.katkleindesign.com ) aus Santa Cruz, Kalifornien gestaltet. Für die grandiose Tonqualität ist Manuel Cohnen von Parabol Audio verantwortlich, der als Producer auch schon die Anfänge von Aeverium tontechnisch betreut hat.


Mein Fazit: Die Aussage, dass "The Secret Door" das beste Aeverium Album ist, kann ich aus meiner Sicht bedenkenlos bestätigen. Aeverium sind ihrem Stil treu geblieben und haben ihn mit neuen Elementen und deutschen Texten ergänzt. Während man bei anderen Bands oft das Gefühl hat, dass deutsche Texte dazu dienen, mehr Geld in die Bandkassen zu holen, passt diese Änderung einfach perfekt zu Aeverium und ist ein Grund, warum mir gerade "Herzlinie" besonders gut gefällt. Beim Anhören der Songs hatte ich auch das Gefühl, dass "The Secret Door" das bisher persönlichste Album der Band ist, vielleicht auch weil ich ein wenig aus dem privaten Umfeld mitbekommen habe. "Safe Harbour" und "A Look Back" sind dafür zwei sehr gute Beispiele dafür. Der Gesang soll natürlich nicht unerwähnt bleiben. Mir hat die Kombination aus Marcel und Aeva auf den ersten beiden Alben schon immer sehr gefallen. Mit Vanessa wird stimmlich aber noch eine höhere Ebene erreicht, die ich vorher nicht erwartet hätte. Da sie ihre Stimme sehr vielseitig einsetzen kann und in Kombination mit Marcel noch besser klingt als Aeva, kann man Aeverium für die Entscheidung, Vanessa an Bord zu holen, nur gratulieren .Eine Bestätigung für die Qualität des Albums ist auch das Gefühl, es wäre sehr kurz, obwohl es knapp 45 Minuten Spielzeit hat und kein Lied nur zur Streckung dieser Zeit dient. Da alle Lieder ins Ohr gehen und auch die Texte dazu auffordern, noch genauer hinzuhören, bleibt es nicht bei einem Durchgang. Ich selbst habe einige Lieder direkt noch einmal laufen lassen Wer harte Gitarren, Synthesizer und eine Mischung aus klaren Stimmen und gutturalem Gesang mag, kann sich das Album bedenkenlos anhören. Meine Anspieltipps sind "Living in Elysium", "Herzlinie" und "A Look Back". Wer das Album zum Release gerne in den Händen halten möchte, der kann es sich am 30. November beim Releasekonzert in der Rockschicht in Viersen direkt bei der Band abholen.


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Release: 14. November 2024 (digital) / 30. November 2024
Label: Eigenvertrieb


Tracklist:
01. Return To Sender
02. Living In Elysium - Video
03. Lost And Found
04. Whatever
05. The Secret Door
06. Breaking The Silence
07. A Look Back
08. Don't Make Me Sad
09. Herzlinie feat. René Anlauff (Heldmaschine) - Video
10. The Last Song
11. Safe Harbour - Video


Nach einer sechsjährigen Pause dürfen Fans von Aeverium endlich aufatmen, denn das langersehnte dritte Album "The Secret Door" steht kurz vor seinem Release. Die Covid-19 Pandemia war Grund für diese Pause, doch es gab auch andere Gründe im Umfeld der Band, die mitverantwortlich waren, unter anderem gab es innerhalb der Besetzung einige Wechsel. Für Fans ist Vanessa Katakalos als neue Stimme auf dem Album keine Unbekannte mehr, da sie bereits in der 2019 erschienenen Single "Safe Harbour" zu hören war. Aeverium haben mit "Break Out" (2015) und "Time" (2017) zweimal bewiesen, dass Alternative Metal aus Deutschland mit internationalen Produktionen mithalten kann und dass ihr eigener Stil sehr viel Zuspruch bekommt. Laut eigener Aussage ist "The Secret Door" das beste Album der Band, womit sie schon im Vorfeld sehr hohe Erwartungen erzeugen.


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Aeverium sind:
Marcel „ Chubby“ Römer: Gesang
Vanessa Katakalos - Gesang
Maarten Jung - Gitarre
Andreas „Anti“ Delvos - Keyboard
Bodo Stricker - Schlagzeug
Gastmusiker:
René Anlauff (Heldmaschine): Gesang (Herzlinie)


Seit dem Release "Time" sind über sechs Jahre vergangen und die Veränderungen innerhalb der Band lassen die Frage aufkommen, ob Aeverium wirklich in der Lage sind, ihre bisherigen Alben zu übertreffen. Der Opener "Return To Sender" beweist von Anfang an, dass Aeverium sich selbst treu geblieben sind, denn die ersten Sekunden klingen dem Anfang von "Break Out" sehr ähnlich. Danach geht es mit harten Gitarren und Synthesizern weiter, bevor Vanessa ihr Albumdebüt bei Aeverium feiern darf und es ist wirklich ein Fest, ihr zuzuhören. Marcels markante und vielseitige Stimme klingt auch nach der Pause genauso stark und gefühlvoll wie man es von ihr erwartet. Während die Strophen eher ruhig klingen, geben Aeverium im Chorus Gas und der Scream am Ende der Bridge klingt wirklich badass. All das macht "Return To Sender" zu einem rundum gelungenem Einstieg ins Album. Weiter geht es mit "Living in Elysium", zudem es auch ein Musikvideo gibt. Die Synthesizer geben dem Song einen leicht orientalischen Klang, was der Band wirklich gut steht und ein wenig an die Band Orphaned Land erinnert. Schon beim Anschauen des Videos konnte ich es nicht bei einem Mal belassen, da der Song wirklich hart ins Ohr geht, daher habe ich ihn auch beim Schreiben dieser Zeilen mehrfach laufen lassen. Bei "Lost And Found" gibt es zum ersten Mal auch deutschen Gesang  auf "The Secret Door" zu hören. Der Wechsel zwischen deutschen und englischen Textpassagen ist sehr gut gemacht und klingt niemals erzwungen. Marcel dann auch noch deutsch rappen zu hören ist beeindruckend und eine gelungene Überraschung. Dieser Song hat definitiv ein Musikvideo verdient, damit er auch außerhalb des Albums die Beachtung bekommt, die er eindeutig verdient.

 Mit "Whatever" wollen Aeverium ihren Fans eindeutig ordentlich einheizen. Diese tanzbare Metalnummer mit schnellen Gitarren, die sich mit eingängigen Synthesizermelodien abwechseln, will definitiv abgefeiert werden. Auch hier fällt wieder das hervorragende Zusammenspiel der Stimmen sehr positiv auf und macht "Whatever" zu einem weiteren Ohrwurm. Mit dem Titelsong "The Secret Door" gibt es die erste Ballade des Albums. Während die Strophen ruhig und sehr emotional klingen, wird es im Chorus etwas härter und schneller. Der Kontrast zum vorherigen Lied unterstützt die düstere Atmosphäre des Songs zusätzlich und so bekommt man eine Gänsehaut nach der anderen.

Nach dieser kurzen Verschnaufpause geht es direkt wieder mit Headbangen weiter und "Breaking The Silence" hinter eine Ballade zu setzen, ist an sich schon ein exzellentes Wortspiel. Besonders gut gefallen mir hier die Stellen, an denen man hören kann, wie gut die einzelnen Mitglieder der Band wirklich sind. Egal ob Gitarre, Synthesizer oder Schlagzeug, wirklich jeder kommt hier zur Geltung. "A Look Back" ist mir wirklich unter die Haut gegangen. Marcel und Vanessa bringen die Emotionen dieses Lieder hervorragend rüber und das Brett aus Piano, Akustikgitarre und Streichinstrumenten passt ebenfalls perfekt dazu. Als ein Mensch, der an Depressionen und chronischen Krankheiten leidet, kenne ich das Gefühl auf sein Leben zurückzuschauen, weil man Momente hat, in denen man nicht mehr nach vorn schauen kann. Passender hätte man so einen Moment nicht in ein Lied einfangen können. Chapeau! Emotional, aber in einer härteren Gangart geht es mit "Don't Make Me Sad" weiter. Wer schon einmal in einer toxischen Beziehung festgehangen hat, wird den Frust im Chorus sehr gut nachempfinden können. Nach und nach baut es sich innerlich auf, bis man nicht mehr still bleiben kann und es aus einem herausbricht.



Ein weiteres Highlight und ein Gastsänger folgen mit "Herzlinie", bei dem kein geringerer als René Anlauff von Heldmaschine zu hören ist. René gibt nicht nur den Strophen einen ganz besonderen Klang, sondern singt auch mit Vanessa und Marcel im Chor. "Herzlinie" an sich hing schon länger in den Köpfen von Aeverium als Idee fest, wurde aber während der Arbeiten an "The Secret Door" umgeschrieben und hat in diesem Prozess auch den deutschen Text bekommen. Die Symbiose aus Alternative Metal und Neue Deutsche Härte ist zweifellos gelungen, denn "Herzlinie" sticht aus den anderen Songs heraus und dürfte durch seine Vielseitigkeit auch viele neue Hörer anziehen. Auch für "Herzlinie" ist ein Musikvideo erschienen. Da "Safe Harbour" als Bonus Song gelistet ist, handelt es sich bei "The Last Song" wirklich um den letzten regulären Song des Album. Aeverium zeigen noch ein letztes mal, was sie als Band ausmacht. Die Melodie geht ins Ohr, der Gesang klingt hervorragend und man möchte auch diesen Song direkt noch einmal hören. Die Fragen, wann die eigene Zeit ausläuft und ob man alles erreicht hat, die eigenen Wünsche erfüllt worden sind und ob man alles sagen konnte, sind hier das Thema. Als Bonussong folgt nur noch "Safe Harbour", da der Song schon 2019 erschienen ist. Die Sehnsucht nach einem sicheren Hafen kennt jeder, der sich schon einmal verloren gefühlt hat. Was diesen Hafen darstellt, ist jedem selbst überlassen. Trotz der Tatsache, dass die Single bereits fünf Jahre alt ist, integriert sie sich perfekt ins Album. Ein sehr würdiger Abschluss für ein hervorragendes Album.

Damit man sich nicht nur musikalisch als Fan sofort heimisch fühlt, sieht man auf dem Cover erneut ein Hirschmotiv, wie es schon bei "Break Out" und "Time" der Fall war. Diese aufrecht stehende Gestalt steht vor einem Portal, der "Secret Door", die ein wenig an ein Stargate erinnert. Das Cover wurde von Katharina Klein ( https://www.katkleindesign.com ) aus Santa Cruz, Kalifornien gestaltet. Für die grandiose Tonqualität ist Manuel Cohnen von Parabol Audio verantwortlich, der als Producer auch schon die Anfänge von Aeverium tontechnisch betreut hat.


Mein Fazit: Die Aussage, dass "The Secret Door" das beste Aeverium Album ist, kann ich aus meiner Sicht bedenkenlos bestätigen. Aeverium sind ihrem Stil treu geblieben und haben ihn mit neuen Elementen und deutschen Texten ergänzt. Während man bei anderen Bands oft das Gefühl hat, dass deutsche Texte dazu dienen, mehr Geld in die Bandkassen zu holen, passt diese Änderung einfach perfekt zu Aeverium und ist ein Grund, warum mir gerade "Herzlinie" besonders gut gefällt. Beim Anhören der Songs hatte ich auch das Gefühl, dass "The Secret Door" das bisher persönlichste Album der Band ist, vielleicht auch weil ich ein wenig aus dem privaten Umfeld mitbekommen habe. "Safe Harbour" und "A Look Back" sind dafür zwei sehr gute Beispiele dafür. Der Gesang soll natürlich nicht unerwähnt bleiben. Mir hat die Kombination aus Marcel und Aeva auf den ersten beiden Alben schon immer sehr gefallen. Mit Vanessa wird stimmlich aber noch eine höhere Ebene erreicht, die ich vorher nicht erwartet hätte. Da sie ihre Stimme sehr vielseitig einsetzen kann und in Kombination mit Marcel noch besser klingt als Aeva, kann man Aeverium für die Entscheidung, Vanessa an Bord zu holen, nur gratulieren .Eine Bestätigung für die Qualität des Albums ist auch das Gefühl, es wäre sehr kurz, obwohl es knapp 45 Minuten Spielzeit hat und kein Lied nur zur Streckung dieser Zeit dient. Da alle Lieder ins Ohr gehen und auch die Texte dazu auffordern, noch genauer hinzuhören, bleibt es nicht bei einem Durchgang. Ich selbst habe einige Lieder direkt noch einmal laufen lassen Wer harte Gitarren, Synthesizer und eine Mischung aus klaren Stimmen und gutturalem Gesang mag, kann sich das Album bedenkenlos anhören. Meine Anspieltipps sind "Living in Elysium", "Herzlinie" und "A Look Back". Wer das Album zum Release gerne in den Händen halten möchte, der kann es sich am 30. November beim Releasekonzert in der Rockschicht in Viersen direkt bei der Band abholen.


]]> https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=831 Thu, 31 Oct 2024 08:10:34 +0100 https://durchgehoert.de/forum/showthread.php?tid=831


Release: 15. November 2024
Physikalischer Vertrieb: HOFA media


Tracklist:
01. Heimkehr
02. Tri Martolod
03. Vem kan segla
04. Mirie it is
05. Tanz mit dem Tod
06. Fear a' Bhàta


Nach zehnjähriger Pause melden sich Vermaledeyt mit "Heimkehr" zurück und feiern am 14. Dezember 2024 ihre Reunion mit einem Konzert im Kaminwerk Memmingen. Wie es sich anfühlt, nach so einer langen Pause wieder zurück zu sein, beschreiben Vermaledeyt selbst am besten. "Diese "Heimkehr" bedeutet uns sehr viel - wieder als Musiker auf der Bühne zu stehen, wieder ein Teil der Mittelalterszene zu sein; das hat uns in den vergangenen Jahren wirklich gefehlt. Denn: Einmal ein Spielmann, immer ein Spielmann".


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Youtube
Instagram
Reunion Konzert Tickets


Vermaledeyt sind:
CD:
Vivianne von der Saar: Gesang, Cello, Nyckelharpa & Harfe
Johann Lästerzunge: Gesang, Bouzouki & E-Gitarre
Basileus von Berg: Sackpfeifen, Schalmeien, Flöten, Gitarre, E-Bass, Uilleann Pipes & Background-Gesang
Arras Schelter: Dudelsack
Thomas Galgenvogel: Dudelsack
Jean der Franzose: Percussion & Drehleier
Simon Donnerschlag: Schlagzeug
Live:
Vivianne von der Saar: Gesang, Cello
Johann Lästerzunge: Gesang, Bouzouki
Basileus von Berg: Dudelsäcke, Schalmeien, Flöten, Gitarre, Background Gesang
Arras Schelter: Dudelsäcke, Schalmeien, Flöte
Thomas Galgenvogel: Dudelsack
Max Schlagsaite: E-Gitarre
Jean der Franzose: Schlagzeug, Percussion


Nach zehn Jahren Pause haben Vermaledeyt nicht nur ihre Reunion der Band angekündigt, sondern auch neue Musik. Am 15. November 2024 wird die neue EP "Heimkehr" veröffentlicht, die in diesem Zusammenhang wohl keinen besseren Namen hätte bekommen können. Los geht es mit "Wieder vereint", einem flotten Mittelalterrocksong. Auffällig ist dort sofort die E-Gitarre, die im Studio von Johann Lästerzunge eingespielt worden ist. Live wird es das neue Mitglied Max Schlagsaite übernehmen. Der Text ist sowohl ein Blick zurück, als auch in die Zukunft. "Tri Martolod"ist ein bekanntes bretonisches Volkslied, das schon von vielen anderen Künstler:innen und Bands wie Leonea, Tri Yann, Nolwenn Leroy und Santiano aufgenommen worden ist. Trotz dieser Tatsache klingt die Version des Liedes alles andere als angestaubt. Schon der  Anfang, bei dem die Melodie von Jean auf der Drehleier gespielt wird, klingt fantastisch. Während Vivianne als Leadstimme, begleitet vom männlichen Chor, die Hörer:innen verzaubert, baut sich die Melodie immer weiter auf, bis am Ende auch die Dudelsäcke erklingen. Wer Vermaledeyt schon vor der Pause begleitet hat, wird hier den nahtlosen Übergang zwischen den älteren Alben und der EP erkennen. Schon da haben Vermaledeyt jedem traditionellen Lied ihren eigenen Stil verpasst. Ruhiger wird es dann mit "Vem kan segla", ein schwedisches Volkslied mit dem Originaltitel "Vem kan segla förutan vind?". Cello und Nyckelharpa sind die im Vordergrund stehenden melodietragenden Instrumente dieses Stückes und geben dem Lied eine wehmütige und gleichzeitig sehr schöne Atmosphäre. Vivianne und Johann ergänzen sich wie schon früher hervorragend. Der betrunkene Seemannschor zum Ende des Liedes wurde sehr authentisch um drei Uhr morgens und unter dem Einfluss von Alkohol aufgenommen. 

"Mirie it is" das oft unter dem Namen "Mirie it is while summer ilast" gespielt wird, ist ein mittelenglisches Lied aus dem 13. Jahrhundert. Die Sehnsucht nach wärmeren Tagen wird besungen, während die kältere Jahreszeit immer näher rückt. Die Umsetzung des Liedes erinnert vom Stil her sehr an die "Relikt" Zeiten der Band, was durchweg positiv gemeint ist, da "Relikt" von vielen als das bis dato beste Vermaledeyt Album angesehen wird. Während man vom Text her ein eher schwermütiges Lied erwarten könnte, haben Vermaledeyt eine sehr tanzbare Mittelalterversion daraus gemacht. Mitsingen könnte aufgrund der altenglischen Sprache etwas schwierig werden, zum Glück finden sich aber auch genug Beispiele für die Aussprache im Internet, so dass man für Konzerte vorab üben kann. Einen anderen Weg gehen Vermaledeyt bei "Tanz mit dem Tod", denn dort kombinieren sie ein eigenes Lied mit der bekannten Melodie des "Saltatio Mortis" - dem Totentanz. Johann erzählt singend die Geschichte vom schwarzen Tod und einem Pfeifer, der in einer Taverne Schutz sucht und den "Tanz mit  dem Tod" spielt. Nach einer durchzechten Nacht wird er für tot gehalten und ins Pestgrab gebracht, wo er aufwacht und erneut die Melodie spielt, erleichtert von der Tatsache, nicht lebendig begraben worden zu sein. Während die Strophen sehr ruhig sind, wird der "Saltatio Mortis" als Intermezzo fulminant mit Säcken, Schlagwerk und Drehleier eingespielt. Die E-Gitarre dürfte hier ruhig mehr als nur einleitendes Instrument des Intermezzos sein, denn es würde dem Ganzen noch etwas mehr Kontrast zu den Strophen geben. Zur letzten Strophe gibt es dann noch passend zur besungenen Messe ein paar Orgelklänge, die den Gesang begleiten. Den zu frühen Abschluss - über irgendwas muss man als Kritiker Kritik äußern - macht dann "Fear a' Bhàta", ein schottisch-gälisches Lied aus dem 18. Jahrhundert. Das Lied handelt von der trauernden Frau eines Seemanns, der von einer Seefahrt nicht heimgekehrt ist. Viviannes Aussprache ist im Vergleich mit anderen Versionen sehr gut und sie bringt das Gefühl des Liedes sehr authentisch rüber. Das Lied ist das erste Lied von Vermaledeyt, das komplett ohne Percussion aufgenommen worden ist. Die Uilleann Pipe, die in "Fear a' Bhàta" zum ersten Mal bei Vermaldeyt zu hören ist, wird in Zukunft hoffentlich öfter bei Balladen zum Einsatz kommen.

Damit die "Heimkehr" ein Erfolg wird, haben sich Vermaledeyt keinen geringeren als Simon Michael (Subway to Sally) an Bord geholt, der die Lieder in den Great Hall Music Studios abgemischt hat. Das Mastering erfolgte durch Christoph Beyerlein im Seperate Sound Studio. Beide haben sehr gute Arbeit geleistet, denn die Aufnahmen klingen hervorragend. Das zum Thema Heimkehr sehr passende Artwork der EP stammt von Fabian Leiße.


Mein Fazit: Dass Vermaledeyt zehn Jahre lang pausiert haben, möchte man beim Anhören der EP gar nicht glauben. Die Freude wieder Musik zu machen ist jedem Lied anzuhören und die Vielseitigkeit, mit der sich die Band auf "Heimkehr" präsentiert, ist erstaunlich. Wie man es von Vermaledeyt kennt, wechseln sich eigene Stücke mit traditionellen Liedern ab, wobei jedes Lied eine persönliche Note verabreicht bekommt. Der typische Vermaledeyt Sound der vergangenen Alben ist für Fans sofort hörbar und man hat das Gefühl nach Hause zu kommen, da die Band durch ihre Pause eine große Lücke in der Mittelalterszene hinterlassen hat, die sie nun selbst wieder füllen. "Heimkehr" ist aber nicht nur eine Rückkehr zu bekannten Klängen. Die E-Gitarre bringt frischen Wind in den Sound und darf gern noch etwas präsenter werden. Da es sich um eine EP und keinen Longplayer handelt, sind die knapp 24 Minuten Spielzeit verständlich, gefühlt aber viel zu kurz. Allerdings haben andere Bands auch schon Alben veröffentlicht, die nur gering über diese Dauer hinaus gingen. Ich bin mir sicher, dass Vermaledeyt mit "Heimkehr" ältere Fans begeistern und noch eine Menge neuer Fans dazu bekommen werden. Wer vor dem Release am 15. November hineinhören möchte, hat mit "Wieder vereint", "Vem kan segla", "Tri Martolod" und "Fear a' Bhàta" schon vier Songs zur Auswahl, die überall gestreamt werden können. Von mir gibt es eine klare Kaufempfehlung für alle Musikliebhaber, die in der Mittelalterszene unterwegs sind, am besten bei einem Livetermin direkt bei der Band selbst.

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Release: 15. November 2024
Physikalischer Vertrieb: HOFA media


Tracklist:
01. Heimkehr
02. Tri Martolod
03. Vem kan segla
04. Mirie it is
05. Tanz mit dem Tod
06. Fear a' Bhàta


Nach zehnjähriger Pause melden sich Vermaledeyt mit "Heimkehr" zurück und feiern am 14. Dezember 2024 ihre Reunion mit einem Konzert im Kaminwerk Memmingen. Wie es sich anfühlt, nach so einer langen Pause wieder zurück zu sein, beschreiben Vermaledeyt selbst am besten. "Diese "Heimkehr" bedeutet uns sehr viel - wieder als Musiker auf der Bühne zu stehen, wieder ein Teil der Mittelalterszene zu sein; das hat uns in den vergangenen Jahren wirklich gefehlt. Denn: Einmal ein Spielmann, immer ein Spielmann".


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Vermaledeyt sind:
CD:
Vivianne von der Saar: Gesang, Cello, Nyckelharpa & Harfe
Johann Lästerzunge: Gesang, Bouzouki & E-Gitarre
Basileus von Berg: Sackpfeifen, Schalmeien, Flöten, Gitarre, E-Bass, Uilleann Pipes & Background-Gesang
Arras Schelter: Dudelsack
Thomas Galgenvogel: Dudelsack
Jean der Franzose: Percussion & Drehleier
Simon Donnerschlag: Schlagzeug
Live:
Vivianne von der Saar: Gesang, Cello
Johann Lästerzunge: Gesang, Bouzouki
Basileus von Berg: Dudelsäcke, Schalmeien, Flöten, Gitarre, Background Gesang
Arras Schelter: Dudelsäcke, Schalmeien, Flöte
Thomas Galgenvogel: Dudelsack
Max Schlagsaite: E-Gitarre
Jean der Franzose: Schlagzeug, Percussion


Nach zehn Jahren Pause haben Vermaledeyt nicht nur ihre Reunion der Band angekündigt, sondern auch neue Musik. Am 15. November 2024 wird die neue EP "Heimkehr" veröffentlicht, die in diesem Zusammenhang wohl keinen besseren Namen hätte bekommen können. Los geht es mit "Wieder vereint", einem flotten Mittelalterrocksong. Auffällig ist dort sofort die E-Gitarre, die im Studio von Johann Lästerzunge eingespielt worden ist. Live wird es das neue Mitglied Max Schlagsaite übernehmen. Der Text ist sowohl ein Blick zurück, als auch in die Zukunft. "Tri Martolod"ist ein bekanntes bretonisches Volkslied, das schon von vielen anderen Künstler:innen und Bands wie Leonea, Tri Yann, Nolwenn Leroy und Santiano aufgenommen worden ist. Trotz dieser Tatsache klingt die Version des Liedes alles andere als angestaubt. Schon der  Anfang, bei dem die Melodie von Jean auf der Drehleier gespielt wird, klingt fantastisch. Während Vivianne als Leadstimme, begleitet vom männlichen Chor, die Hörer:innen verzaubert, baut sich die Melodie immer weiter auf, bis am Ende auch die Dudelsäcke erklingen. Wer Vermaledeyt schon vor der Pause begleitet hat, wird hier den nahtlosen Übergang zwischen den älteren Alben und der EP erkennen. Schon da haben Vermaledeyt jedem traditionellen Lied ihren eigenen Stil verpasst. Ruhiger wird es dann mit "Vem kan segla", ein schwedisches Volkslied mit dem Originaltitel "Vem kan segla förutan vind?". Cello und Nyckelharpa sind die im Vordergrund stehenden melodietragenden Instrumente dieses Stückes und geben dem Lied eine wehmütige und gleichzeitig sehr schöne Atmosphäre. Vivianne und Johann ergänzen sich wie schon früher hervorragend. Der betrunkene Seemannschor zum Ende des Liedes wurde sehr authentisch um drei Uhr morgens und unter dem Einfluss von Alkohol aufgenommen. 

"Mirie it is" das oft unter dem Namen "Mirie it is while summer ilast" gespielt wird, ist ein mittelenglisches Lied aus dem 13. Jahrhundert. Die Sehnsucht nach wärmeren Tagen wird besungen, während die kältere Jahreszeit immer näher rückt. Die Umsetzung des Liedes erinnert vom Stil her sehr an die "Relikt" Zeiten der Band, was durchweg positiv gemeint ist, da "Relikt" von vielen als das bis dato beste Vermaledeyt Album angesehen wird. Während man vom Text her ein eher schwermütiges Lied erwarten könnte, haben Vermaledeyt eine sehr tanzbare Mittelalterversion daraus gemacht. Mitsingen könnte aufgrund der altenglischen Sprache etwas schwierig werden, zum Glück finden sich aber auch genug Beispiele für die Aussprache im Internet, so dass man für Konzerte vorab üben kann. Einen anderen Weg gehen Vermaledeyt bei "Tanz mit dem Tod", denn dort kombinieren sie ein eigenes Lied mit der bekannten Melodie des "Saltatio Mortis" - dem Totentanz. Johann erzählt singend die Geschichte vom schwarzen Tod und einem Pfeifer, der in einer Taverne Schutz sucht und den "Tanz mit  dem Tod" spielt. Nach einer durchzechten Nacht wird er für tot gehalten und ins Pestgrab gebracht, wo er aufwacht und erneut die Melodie spielt, erleichtert von der Tatsache, nicht lebendig begraben worden zu sein. Während die Strophen sehr ruhig sind, wird der "Saltatio Mortis" als Intermezzo fulminant mit Säcken, Schlagwerk und Drehleier eingespielt. Die E-Gitarre dürfte hier ruhig mehr als nur einleitendes Instrument des Intermezzos sein, denn es würde dem Ganzen noch etwas mehr Kontrast zu den Strophen geben. Zur letzten Strophe gibt es dann noch passend zur besungenen Messe ein paar Orgelklänge, die den Gesang begleiten. Den zu frühen Abschluss - über irgendwas muss man als Kritiker Kritik äußern - macht dann "Fear a' Bhàta", ein schottisch-gälisches Lied aus dem 18. Jahrhundert. Das Lied handelt von der trauernden Frau eines Seemanns, der von einer Seefahrt nicht heimgekehrt ist. Viviannes Aussprache ist im Vergleich mit anderen Versionen sehr gut und sie bringt das Gefühl des Liedes sehr authentisch rüber. Das Lied ist das erste Lied von Vermaledeyt, das komplett ohne Percussion aufgenommen worden ist. Die Uilleann Pipe, die in "Fear a' Bhàta" zum ersten Mal bei Vermaldeyt zu hören ist, wird in Zukunft hoffentlich öfter bei Balladen zum Einsatz kommen.

Damit die "Heimkehr" ein Erfolg wird, haben sich Vermaledeyt keinen geringeren als Simon Michael (Subway to Sally) an Bord geholt, der die Lieder in den Great Hall Music Studios abgemischt hat. Das Mastering erfolgte durch Christoph Beyerlein im Seperate Sound Studio. Beide haben sehr gute Arbeit geleistet, denn die Aufnahmen klingen hervorragend. Das zum Thema Heimkehr sehr passende Artwork der EP stammt von Fabian Leiße.


Mein Fazit: Dass Vermaledeyt zehn Jahre lang pausiert haben, möchte man beim Anhören der EP gar nicht glauben. Die Freude wieder Musik zu machen ist jedem Lied anzuhören und die Vielseitigkeit, mit der sich die Band auf "Heimkehr" präsentiert, ist erstaunlich. Wie man es von Vermaledeyt kennt, wechseln sich eigene Stücke mit traditionellen Liedern ab, wobei jedes Lied eine persönliche Note verabreicht bekommt. Der typische Vermaledeyt Sound der vergangenen Alben ist für Fans sofort hörbar und man hat das Gefühl nach Hause zu kommen, da die Band durch ihre Pause eine große Lücke in der Mittelalterszene hinterlassen hat, die sie nun selbst wieder füllen. "Heimkehr" ist aber nicht nur eine Rückkehr zu bekannten Klängen. Die E-Gitarre bringt frischen Wind in den Sound und darf gern noch etwas präsenter werden. Da es sich um eine EP und keinen Longplayer handelt, sind die knapp 24 Minuten Spielzeit verständlich, gefühlt aber viel zu kurz. Allerdings haben andere Bands auch schon Alben veröffentlicht, die nur gering über diese Dauer hinaus gingen. Ich bin mir sicher, dass Vermaledeyt mit "Heimkehr" ältere Fans begeistern und noch eine Menge neuer Fans dazu bekommen werden. Wer vor dem Release am 15. November hineinhören möchte, hat mit "Wieder vereint", "Vem kan segla", "Tri Martolod" und "Fear a' Bhàta" schon vier Songs zur Auswahl, die überall gestreamt werden können. Von mir gibt es eine klare Kaufempfehlung für alle Musikliebhaber, die in der Mittelalterszene unterwegs sind, am besten bei einem Livetermin direkt bei der Band selbst.

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